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Nouvel An chinois

2009-01-23T03:45:00.000-08:00

Le Nouvel An chinois ou Nouvel An du calendrier chinois (sinogrammes traditionnels : 農曆新年 ; sinogrammes simplifiés : 农历新年 ; hanyu pinyin : nónglì xīnnián) ou « passage de l’année » (traditionnels : 過年 ; simplifiés : 过年 ; pinyin : guònián) est le premier jour du premier mois du calendrier chinois. C'est le début de la fête du printemps (traditionnels : 春節 ; simplifiés : 春节 ; pinyin : chūnjié) qui se déroule sur quinze jours et s’achève avec la fête des lanternes (traditionnels : 元宵節 ; simplifiés : 元宵节 ; pinyin : yuánxiāojié).

Le calendrier chinois étant un calendrier luni-solaire, la date du Nouvel An chinois dans le calendrier grégorien varie d'une année sur l'autre, mais tombe toujours entre le 21 janvier et le 20 février. C’est, comme tous les commencements de mois lunaires chinois, le premier jour d'une nouvelle Lune. Par convention, l'alignement astronomique qui signale la nouvelle Lune est déterminé à l’observatoire de la Montagne Pourpre à Nankin.

Le Nouvel An est célébré officiellement en Chine (sept jours de congés) et à Taïwan (cinq jours), à Hong Kong et Macao (trois jours), ainsi que dans certains pays d’Asie où l’influence de la culture chinoise est importante, ou dont la population comprend une forte minorité de Chinois ethniques : Singapour et Malaisie (deux jours), Brunei et Indonésie (un jour), Viêt Nam (fête du Têt, trois jours, avec un jour de décalage avec la Chine tous les 22 ou 23 ans pour compenser le décalage horaire entre Pékin et Hanoï), Corée du Sud (fête de 새해 Saehae, trois jours). Les congés du Nouvel An, qui peuvent être prolongés par un week-end ou un pont, sont une période de migration intense, car nombreux sont ceux qui s’efforcent de rejoindre leur famille, depuis l’étranger parfois : embouteillages sur les routes et encombrements dans les gares et les aéroports sont la règle.

Il est observé individuellement partout dans le monde par les membres de la diaspora chinoise, et parfois également par les Japonais (vieux premier mois 旧正月), les Miao, les Mongols, les Tibétains, les Népalais et les Bhoutanais

Célébrations traditionnelles

Les célébrations, coutumes et tabous de la fête de printemps varient dans les détails selon les régions ou les époques. La pratique générale veut qu'on s'efforce de repartir sur un nouveau pied après s'être débarrassé des mauvaises influences de l’an passé, accompagné de signes de bon augure. On a recours à des objets ou aliments présentant une homophonie avec un mot de sens auspicieux.

Le « passage de l’année » (過年 / 过年 guònián) s’effectue dans la nuit du dernier jour du douzième mois. Le mot signifiant année est considéré comme étant à l’origine le nom d'un monstre, Nian, qui venait autrefois rôder autour des villages une nuit par an, obligeant les habitants à se calfeutrer et à veiller jusqu’à son départ au petit matin. Les célébrations principales comportent un réveillon (年夜飯 / 年夜饭 niányèfàn) comprenant des plats aux noms auspicieux, suivi d’une nuit de veille (守歲 / 守岁 shǒusuì) gage de longévité, que certains occupent à jouer au mahjong, la distribution d’étrennes (壓歲錢 / 压岁钱 yāsuìqián) contenues dans des enveloppes rouges, l’allumage de pétards pour chasser les mauvaises influences

Premier jour de l’an

Si les règlements locaux le permettent, une chaîne de pétards est allumée dès onze heures ou minuit. Le matin, après un court repos, beaucoup se rendent au temple local, puis sur les tombes ancestrales s’ils habitent à proximité. On considère que plus la visite au temple est précoce, plus on aura de chance dans l’année. Il arrive donc que les fidèles se massent devant les grands temples avant l’ouverture des portes pour être le premier à planter sa baguette d’encens dans le brûle-parfum. Dans certaines villes, un temple ouvre à minuit, première heure du premier jour. Certains prennent ce jour au moins un repas végétarien. Les familles qui en avaient les moyens commandaient une danse de lion ou de dragon (qui représente Noblesse, Bravoure et Chance). Dans certaines cités hors de Chine comme Paris, la diaspora chinoise organise une parade ; la tradition en a débuté à San Francisco dans la seconde moitié du XIXe siècle.

La première journée était théoriquement consacrée aux visites, en commençant par les personnes les plus importantes (parents aînés, supérieurs hiérarchiques) ; cette activité s'appelle « saluer l’année » (bàinián 拜年) ; de nos jours le téléphone est largement utilisé. Les familles en deuil sont traditionnellement exemptées de visites pendant une durée variable.

Le jour du Nouvel An, on doit théoriquement porter des vêtements neufs, et beaucoup aiment que du rouge, couleur auspicieuse, y apparaisse. On ne fait pas de ménage, et si l'on doit absolument balayer des détritus tombés à terre, il ne faut pas les déposer à l'extérieur du domicile car cela symboliserait une perte. Certains estiment qu'il est mauvais de faire une grande toilette ce jour-là.

Jours suivants

Le deuxième jour est traditionnellement celui où les femmes mariées rendent visite à leur famille avec enfants et mari.

Dans certaines régions, les visites étaient déconseillées durant le troisième jour car elles étaient censées facilement donner lieu à des altercations (« bouche rouge » chìkǒu 赤口).

Le cinquième jour est en général celui où les commerces rouvrent. À Hong Kong c’est l’anniversaire du Dieu de la richesse. Des pétards sont allumés, et parfois des danses de lions commandées.

Le septième jour était pour certains celui où tout le monde changeait d’âge, les dates de naissances exactes étant autrefois tenues secrètes. D'autres, néanmoins, estiment que l’âge change le premier jour de la nouvelle année.

Le huitième ou neuvième jour — selon les régions — est l’anniversaire du dieu du Ciel (天公 Tiāngōng) assimilé à l’Empereur de jade. Une cérémonie se déroule chez soi ou au temple tard le soir, au début de la nouvelle journée.

Le quinze du premier mois est la dernière journée de la Fête de printemps, marquée par la Fête des lanternes.

โอลิมปิก 2008

2008-08-10T08:03:00.000-07:00

โอลิมปิกฤดูร้อน 2008 (จีน: 2008年夏季奥林匹克运动会, เอ้อร์หลิงหลิงปาเหนียน เซี่ยจี้อ้าวหลินผี่เค่อยวื่นต้งฮุ่ย; อังกฤษ: Games of the XXIX Olympiad) เป็นการแข่งขันกีฬาโอลิมปิกฤดูร้อนครั้งที่ 29 จัดขึ้น ณ กรุงปักกิ่ง ฮ่องกง ชิงเต่า ชิงหวงเต่า เซี่ยงไฮ้ และเสิ่นหยาง สาธารณรัฐประชาชนจีน ระหว่างวันที่ 8 สิงหาคม (การแข่งขันฟุตบอลจัดขึ้นในวันที่ 6 สิงหาคม) ถึง 24 สิงหาคม พ.ศ. 2551 ตามมาด้วยพาราลิมปิกฤดูร้อน 2008 ตั้งแต่วันที่ 6 กันยายน ถึงวันที่ 17 กันยายน การแข่งขันโอลิมปิกครั้งนี้ถือเป็นการแข่งขันครั้งที่สามที่มีเจ้าภาพอยู่ในทวีปเอเชีย (ครั้งที่หนึ่ง ณ กรุงโตเกียว ประเทศญี่ปุ่น ในปี พ.ศ. 2507 และครั้งที่สอง ณ กรุงโซล ประเทศเกาหลีใต้ พ.ศ. 2531) โดยพิธีเปิดได้เริ่มขึ้นในเวลา 20 นาฬิกา (8 นาฬิกาตอนกลางคืน) 8 นาทีตามเวลากรุงปักกิ่ง (18 นาฬิกา 8 นาที ตามเวลาแห่งประเทศไทย) โดยเลข 8 นี้เป็นเลขนำโชคของชาวจีนซึ่งเชื่อกันว่าเลข 8 เป็นเลขมงคลมากที่สุด เพราะออกเสียงคล้ายกับคำว่า ฟา (發/发) ที่หมายถึง ร่ำรวย

นายหวัง ฉีซัน นายกเทศมนตรีนครปักกิ่งกล่าวเสริมว่า หากพิธีเปิดงานสามารถดำเนินไปได้ด้วยดี ก็ถือว่าการจัดงานกีฬาโอลิมปิกในครั้งนี้สำเร็จไปกว่าครึ่งแล้ว โดยทางจีนมีความพร้อมอย่างเต็มที่ในการจัดการแข่งขันครั้งนี้ เพื่อแสดงศักยภาพของตนให้ปรากฏแก่ชาวโลก ซึ่งอาจเรียกกีฬาโอลิมปิกครั้งนี้ได้ว่าเป็น "อภิมหาโอลิมปิก" เลยก็ว่าได้

กีฬาโอลิมปิก 2008 เริ่มตั้งแต่วันที่ 8 จนถึงวันที่ 24 สิงหาคม ซึ่งคาดการณ์ว่าจะมีนักท่องเที่ยวต่างชาติกว่า 3 ล้านคน รวมถึงนักกีฬาประมาณ 20,000 คนและผู้สื่อข่าวอีกราว 30,000 ชีวิตเดินทางมาร่วมงานนี้

ปักกิ่งได้รับคัดเลือกให้เป็นเมืองเจ้าภาพจัดมหกรรมกีฬาโอลิมปิกในการประชุมคณะกรรมการโอลิมปิกสากล สมัยที่ 112 ณ กรุงมอสโก สหพันธรัฐรัสเซีย เมื่อวันที่ 13 กรกฎาคม พ.ศ. 2544

สนามกีฬาแห่งชาติปักกิ่ง

ศูนย์กลางการแข่งขันโอลิมปิกฤดูร้อน 2008 อยู่ที่สนามกีฬาแห่งชาติปักกิ่ง ซึ่งมีชื่อเล่นว่า "รังนก" เนื่องจากรูปแบบโครงสร้างที่คล้ายรังนก [3] การสร้างสนามกีฬาเริ่มขึ้นในวันที่ 24 ธันวาคม พ.ศ. 2546 เดิมทีทางการจีนมีแผนที่จะใช้สนามกีฬาแห่งชาติกวางตุ้งเป็นสถานที่แข่งขันโอลิมปิก ดังนั้นสนามกีฬาแห่งนี้จึงถูกสร้างขึ้นและเสร็จในปี พ.ศ. 2544 ทว่าทางการจีนเปลี่ยนการตัดสินใจและสร้างสนามกีฬาแห่งชาติใหม่ในปักกิ่ง[4] ต่อมาทางการจีนเปิดการแข่งขันออกแบบสนามกีฬาแห่งชาติที่จะสร้างขึ้นใหม่ในปักกิ่ง บริษัทสัญชาติสวิส Herzog & de Meuron Architekten AG ในความร่วมมือกับกลุ่มออกแบบและค้นคว้าสถาปัตยกรรมจีนชนะการประกวด โดยสนามกีฬามีลักษณะเป็นโครงคอนกรีตคล้ายตาข่ายและจะสามารถจุผู้คนได้ถึง 90,000 คนในระหว่างการแข่งขันโอลิมปิก โดยเดิมสถาปนิกพรรณาถึงลักษณะการออกแบบที่คล้ายคลึงกับรังนกพร้อมด้วยรูโล่งอันใหญ่โตที่มีเพดานสนามที่หดตัวด้วยเหนือสนามกีฬา อย่างไรก็ตามในปี พ.ศ. 2547 ความคิดที่ให้มีเพดานสนามที่หดตัวได้ถูกยกเลิกไปเพราะเหตุผลทางด้านเศรษฐกิจและความปลอดภัย สนามกีฬาแห่งชาติปักกิ่งจะเป็นสถานที่ที่ทำพิธีเปิดและปิดโอลิมปิกฤดูร้อน 2008 เช่นเดียวกับเป็นสถานที่แข่งขันกรีฑาและฟุตบอลรอบชิงชนะเลิศ ผู้ออกแบบสนามกีฬา อ้าย เหวยเหว่ย ถอนตัวจากการสนับสนุนจีนสำหรับโอลิมปิก พร้อมให้สัมภาษณ์ว่า "เขาไม่ต้องการที่จะยุ่งเกี่ยวกับเรื่องพรรค์นี้อีกแล้ว"
ขณะที่หมู่บ้านโอลิมปิกปักกิ่งเปิดขึ้นแล้ว ณ วันที่ 16 กรกฎาคม พ.ศ. 2551 และเปิดสำหรับสาธารณชนในวันที่ 26 กรกฎาคม พ.ศ. 2551

สัญลักษณ์ประจำโอลิมปิกฤดูร้อน 2008 ถูกเรียกว่า ปักกิ่งร่ายรำ (จีนตัวย่อ: 舞动的北京, ‘Dancing Beijing’) สัญลักษณ์รวมตราสัญลักษณ์จีนดั้งเดิมและตัวละครจากพู่กันจีน จิง (京 ที่แปลว่า "เมืองหลวง" ซึ่งอยู่ในคำว่า "เป่ยจิง" ชื่อปักกิ่งภาษาจีน) ในลักษณะขฑองนักกรีา แขนที่เปิดอ้าของคำว่า จิง มีความหมายเสมือนการเชื้อเชิญจากประเทศจีนไปทั่วโลกในการที่จะแบ่งปันวัฒนธรรมจีน ประธานของ IOC ฌาคส์ รอกก์ ดีใจมากกับสัญลักษณ์ และให้สัมภาษณ์ว่า "สัญลักษณ์ใหม่ของคุณนำพาไปยังความสวยงามที่ดีเยี่ยมและพลังของประเทศจีนซึ่งอยู่ในมรดกและคนของคุณในทันที"

สโลแกนของโอลิมปิก 2008 คือ "One World One Dream" (จีนตัวเต็ม: 同一個世界同一個夢想; จีนตัวย่อ: 同一个世界同一个梦想; พินอิน: tóng yīgè shìjiè tóng yīgè mèngxiǎng, ถงอีเก้อซื่อจีเย่ ถงอีเก้อม่งเสี่ยง)[8] แปลว่า หนึ่งโลก หนึ่งความฝัน สโลแกนนี้ถูกเลือกจากการเสนอมากกว่า 210,000 รายการจากทั่วโลก[3] มีความหมายเป็นการเรียกร้องให้ทั้งโลกเข้าร่วมจิตวิญญาณแห่งโอลิมปิกและสร้างอนาคตที่ดีขึ้นเพื่อมวลมนุษยชน

สัญลักษณ์โอลิมปิก 2008สัญลักษณ์ดังกล่าวถูกตั้งชื่อว่า 'ปักกิ่งร่ายรำ'จำลองรูปแบบจากตราประทับจีนโบราณ ซึ่งตราประทับนี้ส่วนพื้นเป็นสีแดง ส่วนอักษรแกะสลักเป็นตัว ‘จิง’ (京) ซึ่งอยู่ในคำว่า เป่ยจิง (ปักกิ่ง) อีกทั้งมีลักษณะคล้ายตัวอักษร "เหวิน" ซึ่งหมายถึงอารยธรรมที่สืบทอดมายาวนานของชนชาติจีน นอกจากนั้น ตัวอักษรที่ปรากฏยังเป็นลักษณะท่าทางของคนที่วิ่งไปข้างหน้าขณะกำลังยินดีที่ได้รับชัยชนะ

ด้านล่างตราประทับเป็นอักษรภาษาอังกฤษที่เขียนจากปลายพู่กันจีน คำว่า ‘Beijing 2008 ’ถัดลงไปเป็นสัญลักษณ์ 5 ห่วงของโอลิมปิก

ภายหลังที่มีการเปิดตัวสัญลักษณ์โอลิมปิก ปักกิ่งร่ายรำ บรรดาผู้ผลิตต่างใช้สัญลักษณ์ดังกล่าวประทับอยู่บนผลิตภัณฑ์ต่างๆ มากมาย เช่น เสื้อยืด หมวก แสตมป์พวกกุญแจ และเหรียญที่ระลึก เป็นต้น ปัจจุบันสินค้าดังกล่าวกลายเป็นสินค้าที่ชาวเมืองปักกิ่งพากันแย่งเป็นเจ้าของ เพราะมีจำหน่ายในกรุงปักกิ่งแห่งเดียวเท่านั้น

ศุกร์ 13 วันอาถรรพ์

2008-06-12T04:51:00.000-07:00

ศุกร์นี้ตรงกับวันที่ 13 พอดีเล้ยย

ความเชื่อที่ว่าถ้าวันศุกร์เกิดไปตรงกับวันที่ 13 ของเดือนใดก็ตามแล้ว จะกลายเป็นวันแห่งความโชคร้ายนั้น เป็นความเชื่อที่อยู่ในบรรดาชาติที่พูดภาษาอังกฤษทั่วโลก และยังขยายไปถึงชาติอื่นๆอีกด้วย และในประเทศบางประเทศอย่าง กรีซ สเปน ถือเอาวันอังคารที่ 13 เป็นวันโชคร้ายเช่นกัน สำหรับโรคกลัววันศุกร์ที่ 13 มีชื่อเรียกว่า Paraskavedekatriaphobia หรือ paraskevidekatriaphobia หรือ friggatriskaidekaphobia ซึ่งเป็นอาการหนึ่งของโรค triskaidekaphobia คือ โรคกลัวหมายเลข 13

จุดเริ่มต้นความเชื่อเรื่องศุกร์ 13 นั้น เชื่อมโยงกับความเชื่อที่ว่ามีคน 13 คนร่วมทานอาหารมื้อสุดท้ายกับพระเยซู (The Last Supper) ก่อนที่พระองค์จะถูกนำตัวไปตรึงบนไม้กางเขนในวันศุกร์ประเสริฐ (Good Friday) กระนั้น ไม่มีหลักฐานใดที่บ่งชี้ว่า ประชาชนถือเอาว่าวันศุกร์ที่ 13 เป็นวันโชคร้ายจนเมื่อมาถึงศตวรรษที่ 19 อย่างไรก็ตาม หมายเลข 13 มีประวัติว่ามีความเกี่ยวข้องกับเรื่องโชคร้ายมายาวนาน เนื่องจาก ตามปฏิทินจันทรสุริยคติแล้ว ในบางปีต้องมีเดือน 13 เดือน ขณะที่ตามปฏิทินเกรกอเรียนและปฏิทินของศาสนาอิสลามจะมี 12 เดือนเสมอ

ขณะที่บ้างก็ว่า ความเชื่อนี้มีจุดเริ่มต้นมาจากความเชื่อและตำนานของชาวนอร์สในดินแดนสแกนดิเนเวียที่เรียกว่า Norse myth เกี่ยวกับเทพ 12 องค์ มารวมกันจัดงานเลี้ยงในห้องโถงของเอกีร์ เทพแห่งมหาสมุทร แต่แล้วเทพแห่งไฟที่ชื่อ โลกิ ซึ่งไม่ได้รับเชิญมาร่วมงานจึงพังประตูรั้วเข้ามาร่วมงานในฐานะแขกคนที่ 13 และยังให้เทพฮอดซึ่งเป็นเทพแห่งความมืดมิดซึ่งตาบอดโยนกิ่งของพืชกาฝากใส่ บาลเดอร์ เทพแห่งความสุขและความยินดี จนบาลเดอร์สิ้นลมหายใจไปในทันที ทำให้โลกต้องตกอยู่ในความมืดมิดและความเศร้าสลด

กระนั้น ความเชื่อนี้มีผู้แย้งว่าเป็นไปไม่ได้ เนื่องจากข้อความในบทกวีโลกาเซนนาที่เป็นภาษาโอลด์นอร์สได้มีการกล่าวถึงชื่อเทพ 17 องค์ที่ไปร่วมงานเลี้ยงดังกล่าว ซึ่งระบุว่าเทพโลกิเป็นผู้พังประตูรั้วเข้าไปจริง แต่ว่าเขาไม่ใช่คนที่ 13 และยังไม่มีความเชื่อมโยงระหว่างบทดังกล่าวกับการถึงจุดจบของเทพบาลเดอร์อีกด้วย

ด้วยเหตุนี้ คำอธิบายในข้อแรกจึงดูมีความเชื่อมโยงกับเรื่องความโชคร้ายของเลข 13 ที่เก่าแก่ที่สุดในอังกฤษ ซึ่งมีการบันทึกเอาไว้ในศตวรรษที่ 18 โดยเชื่อกันว่า เมื่อไหร่ก็ตามที่คน 13 คนมานั่งทานอาหารร่วมโต๊ะเดียวกันแล้ว คนที่ลุกจากโต๊ะไปเป็นคนแรกจะเป็นคนแรกที่ต้องตาย

อีกทฤษฏีที่กล่าวถึงวันศุกร์ที่ 13 ระบุว่า วันศุกร์ที่ 13 ตุลาคม 1307 เป็นวันที่พระเจ้าฟิลิปที่ 4 แห่งฝรั่งเศส ทำการจับกุมตัวบรรดาอัศวินเทมพลาร์ชาวฝรั่งเศสจำนวนหลายร้อยคนไป ก่อนจะนำตัวไปทรมานและสังหาร เพื่อนำทรัพย์สินของพวกเขามาเป็นของฝรั่งเศส

ทั้งนี้ เรื่องที่น่าแปลกเกี่ยวกับวันศุกร์ที่ 13 คือ มีหลักฐานที่ยืนยันว่า วันศุกร์ที่ 13 เป็นวันโชคร้ายสำหรับใครบางคนจริงๆ โดยนักจิตวิทยาพบว่า ในบางคนจะมีโอกาสที่จะเกิดอุบัติเหตุหรือล้มป่วยในวันศุกร์ที่ 13 ซึ่งมีการให้เหตุผลเอาไว้ว่าเป็นเพราะบางคนรู้สึกวิตกจริตเป็นอย่างมากในวันศุกร์ที่ 13 โดยทางศูนย์จัดการความเครียดและสถาบันอาบำบัดการกลัวในเมืองแอชวิลล์ มลรัฐนอร์ทแคโรไลนา ประเมินว่าในแต่ละครั้งที่มีวันศุกร์ที่ 13 สหรัฐอเมริกาต้องสูญเสียทางเศรษฐกิจเป็นเงิน 800 900 ล้านเหรียญสหรัฐฯทีเดียว เพราะว่าประชาชนบางคนไม่กล้าเดินทางไปไหนและไม่กล้าแม้แต่จะไปทำงาน

Blythe

2008-06-01T04:39:00.000-07:00

A BRIEF HISTORY OF BLYTHE AND HER REINCARNATION

Manufactured by Kenner in 1972, the original Blythe was designed by Marvin Glass & Associates, one of the world's foremost toy design studios. When the Toy Industry Hall of Fame was established in 1984, Marvin Glass was in the first group inducted (which coincidently also included Merrrill L. Hassenfeld of Hasbro, Inc.), ten years after his death. Kenner was bought out by Tonka Toys, which in turn was bought out by Hasbro in the mid-1980s. And that is how Hasbro has come to own the Blythe property.

In 1972, children found the large eyes that changed from green to pink to blue to orange with the pull of the drawstring at the back of Blythe's head a bit on the scary side. Blythe was produced for only one year, but it is now apparent that she was ahead of her time. For many years, Blythe was a curiosity that only doll collectors were interested in. Then in 1997, a friend introduced Gina Garan to Blythe, thinking that Gina looked like the doll. Gina had just been given an old camera and she needed to test it. Her first photos using that camera were of Blythe. Gina, who works as a video and TV producer, started carrying at least one of her Blythes wherever she went on her travels around the world and took many photos.

In December 1999, at the opening of an exhibition for the CWC International artists in Soho, New York, Gina showed her photos to Junko Wong. Junko took these photos to Parco and made a presentation for an exhibition and as a "virtual model" for Parco's innovative sales promotions. In the summer of 2000, This is Blythe, photos by Gina Garan, was published by Chronicle Books. The Christmas 2000 Parco campaign featured Blythe in a TV commercial and print media and Blythe took off in Japan. On eBay, vintage Blythes jumped in price from $35 to $350. Blythe continued as Parco's "image girl" through the spring and into the summer of 2001. The price for vintage Blythes jumped to thousands of dollars U.S. on eBay. Even the Neo-Blythes are sold for up to four times their retail price on the Yahoo auction site in Japan.

In June 2001, the first of the Neo-Blythes - produced by CWC and manufactured by Takara - went on the market. The launch of the neo-Blythes was in conjunction with a photo exhibition by Gina Garan. Gina made the trip from New York for the launch and exhibition.

The Parco Limited Edition (1000 dolls), sold out in less than an hour, was followed by the Mondrian, and then Rosie Red, Holly Wood, All Gold In One, Kozy Kape Inspired, Aztec Arrival Inspired, Sunday Best, and in conjunction with the first year anniversary of the neo-Blythes in Japan, Miss Anniversary Blythe. The first year anniversary was marked by a series of Blythe events in Tokyo, which included an exhibition and charity fashion show at the Spiral Hall in Aoyama and exhibitions at the Rocket and CWC Galleries, and at IMS in Fukuoka, Kyushu. The exhibition featured photos by Gina Garan and dolls styled by artists, fashion designers, and Blythe fans. The fashion show featured couture for Blythe by such internationally known designers as: Issey Miyake, Chisato Tsumori, and Hysteric Glamour.

นักเขียนต้องพกสิ่งเหล่านี้ติดตัว

2008-05-12T11:27:00.001-07:00

โดยศักยภาพของมนุษย์แล้วไม่มีใครที่จะสามารถจดจำเรื่องราวต่างๆไว้ได้ทั้งหมด เรื่องราวบางเรื่องถ้าเราปล่อยให้มันผ่านไปสักช่วงระยะเวลาหนึ่ง ข้อมูลก็อาจจะถูกลบเลือนไปได้

นักเขียนก็เช่นเดียวกันจ๊ะ ในบางครั้งเมื่อไปพบข้อมูลดีๆ และเกิดแรงบรรดาลใจที่อยากจะเขียนเรื่องราวดังกล่าวนั้น แต่เนื่องจากเวลาหรือสถานที่ไม่เอื้ออำนวยทำให้เขียนไม่ได้ หลายต่อหลายครั้งที่เราปล่อยให้มันผ่านไป พอมีเวลาจะเขียนก็พบว่าเราลืมมันไปซะแล้วพี่นัทเป็นบ่อยเลยล่ะจ๊ะ

1. สมุดบันทึก
สมุดบันทึกเป็นสิ่งจำเป็นนักเขียนมาก ทั้งนี้เพราะการเดินทางย่อม อาจจะต้องพบต้องเห็นสิ่งต่างๆ มากมาย บางทีสิ่งที่พบเห็นนั้นเป็นเรื่องที่นักเขียนเห็นว่าแปลกและน่าสนใจสิ่งที่จะช่วยจำได้เป็นอย่างดีก้คือการจดบรรทึกเรื่องราวดังกล่าวไว้ใช้เป็นข้อมูลสำหรับการเขียน

สมุดบันทึกนี้ บางคนชอบที่จะใช้สมุดบันทึกเล่มโตๆ เพราะเวลาจดสามารถจดได้มากและละเอียดกว่า แต่บางคนก็บอกว่าสมุดบันทึกเล่มใหญ่ พกพาไม่สะดวก จะใช่เล่มเล็กแทนก็ได้

เรื่องสมุดบันทึกจะเล่มเล็กหรือใหญ่ไม่ใช่ประเด็นสำคัญ สิ่งที่สำคัญก็คือเราชอบที่จะใช้บันทึกแบบไหน ขออย่างเดียวว่าขอให้สมุดบันทึกเล่มดังกล่าวนั้นสามารถบันทึกความทรงจำของเราไว้ได้เท่านั้นก็เพียวพอ

น้องๆนักเขียนบางคนไม่ชอบใช้สมุดบันทึก แต่ชอบใช้กระดาษเป็นแผ่นๆ ปัญหาที่จะเกิดตามมาก็คือมันจะหาย วิธีแก้ง่ายๆก็คือ หลังจากที่จดบันทึกแล้วให้รวมรวบตามเรื่องหรือตามหัวข้อที่บันทึกแล้วแมคเย็บรวมเป็นเล่มเดียวกัน แล้วจัดใส่แฟ้มแยกเป็นเรื่องๆไป

วิธีอย่างนี้ก็นับว่าใช้ได้ เวลาเราจะเขียนเมื่ออยากจะเขียนเราก็แค่หยิบแฟ้มขึ้นมาเปิดหาข้อมูลที่เราต้องการเท่านั้นเอง

2. บัตรช่วยจำ
ในบางครั้งผู้เขียนก็มักจะตัดกระดาษแผ่นเล็กๆ เสียบเข้าไปในกระเป๋าพกพาไปไหนมาไหนด้วย เพราะบางครั้งไปพบเห็นข้อความหรือได้ฟังคำพุดที่ประทับใจจากใครก็จดเอาไว้ได้ทันที หรือแม้แต่ตอนที่น้องๆเกิดปิ้งไอเดียดีๆ ก็สามารถจดเอาไว้ได้ในตอนนั้นเลย เวลาจะใช้ก็แค่เปิดดูทบทวนวามทรงจำซักนิดความคิดครั้งนั้นก็จะฉายออกมาให้เรารู้ว่าในขณะนั้นเรากำลังคืออะไรอยู่

วิธีแบบนี้ทำให้เรามีสติแล้วยังเป็นการฝึกหัดการใช้ความทรงจำได้ดียิ่งขึ้นอีกด้วยล่ะจ๊ะ

3. เทปบันทึกเสียงขนาดเล็ก
ยุคเทคโนโลยีอย่างนี้ บางครั้งการจดบันทึกในช่วงฉุกละหุกจะไม่ทันการณ์ การนำเทคโนโลยยีมาใช้ให้เป็นประโยชน์ก็ช่วยให้นักเขียนทั้งหลายไม่พลาดลายละเอียดต่างๆ อาจจะใช้เครื่องบันทึกเสียง หรือไม่ก็เครื่องmp3ที่สามารถบันทึกเสียงได้ก็ได้จ๊ะ

4. ปากกา ดินสอ ม้วนเทป ถ่าน
ในกรณีที่ใช้สมุดจกบันทึก บัตรช่วยจำ เทปบันทึกเสียง สิ่งที่ลืมไม่ได้ก็คืออุปกรณ์สำหรับใช่เขียน และอุปกรณ์ที่ใช้กับเครื่องบันทึกเสียง สิ่งเหล่านี้ต้องเตรียมให้พร้อมเพราะบางครั้งบางคราวข้อมูลสำคัญ เกิดขึ้นเพียงแป๊ปเดียวเท่านั้น

5. เทคนิคการบันทึก
การบันทึกข้อมูลที่จะเก็บไว้ใช้เขียนหนังสือนั้น บางอย่างไม่จำเป็นต้องจดบันทึกโดยละเอียดก็ได้ เพราะการจดบันทึกนี้เป็นการจดบันทึกเพื่อช่วยจำ สำหรับข้อมูลบางอย่างเท่านั้น

ดังนั้นการจดบันทึกจึงต้องอาศัยเทคนิคในการจดดังนี้

5.1 จดประเด็นที่เราไม่เข้าใจ

เรื่องบางเรื่องเป็นเรื่องแปลกใหม่สำหรับเรา อย่างเช่น ภาษาถิ่นที่มีสำเนียง และความหมายที่เราไม่คุ้นเคย แต่ถ้าจะนำมาเขียนเป็นเสน่ห์ของเรื่องก็จดบันทึกกันลืมเอาไว้

5.2 เกร็ดความรู้เสริม

เรื่องราวหลายเรื่องที่จะนำมาเขียนหนังสือนั้น บางทีก็มีตำนานเข้ามาแทรกซึ่งไม่มีหลักฐานอ้างอิง แต่ก็เป็นเรื่องราว เป็นความเชื่อที่เบ่าสืบต่อกันมา โดยใช่พยามแวดล้อมที่ปรากฎอยู่เป็นเครื่องยืนยัน

เรื่องทำนองนี้สามารถนำมาเสริมประกอบการเขียนให้มีรสชาติได้ เพราะเกร็ดความรู้เล็กๆน้อยๆ ช่วยเสริมเรื่องจริงให้เด่นขึ้น คนอ่านก็ได้ทั้งสาระและความบันเทิงควบคู่กันไป

นมเปรี้ยว

2008-04-29T04:24:00.000-07:00

ชาวอินเดียเคยเรียกโยเกิร์ตว่า "อาหารของพระเจ้า" เชื่อกันว่ามันช่วงรักษาอาการนอนไม่หลับ ลบรอยตีนกาเป็นยาอายุวัฒนะ

ดร.เอเลียส ผู้ได้รางวัลโนเบลในปี 1908 เคยประกาศความเชื่อไว้ในหนังสือ The Prolongation of life และ The Nature of Man เมื่อปี 1907 ว่า "นมเปรี้ยว คือยาอายุวัฒนะสำหรับมนุษย์"

คนทั่วไปเชื่อว่านมเปรี้ยวช่วยลดความอ้วน ชวนให้น่าติดตามว่า นมเปรี้ยวเป็นเพียง "นม" ที่มีรส "เปรี้ยว" หรือ เป็นอาหารที่มีคุณค่าต่อสุขภาพมากไปกว่าอาหารธรรมดาชนิดหนึ่ง

นมเปรี้ยว-ความสับสน

นมเปรี้ยว ในความรู้สึกของคนไทย คือนมที่มีรสเปรี้ยว
งั้นเอามะนาวบีบใส่น้ำนม จะได้นมเปรี้ยวไหม ?
ได้ครับ…ได้นมเปรี้ยวเหมือนกัน แต่ไม่ใช่นมเปรี้ยวที่ผมจะกล่าวถึงในบทความนี้

จากความหมายที่ว่า นมเปรี้ยวคือนมที่มีรสเปรี้ยว การทำนมให้เปรี้ยว จึงอาจทำโดนเติมกรดรสเปรี้ยวลงไปในน้ำนม หรือจะหมักน้ำนมด้วยจุลินทรีย์บางชนิด จนเกิดรสเปรี้ยวเองตามธรรมชาติแบบคนโบราณก็ย่อมได้ การหมักแบบนี้ก็เหมือนกับการทำน้ำส้มสายชูดอง หน่อไม้ดอง ผักกาดดอง ดังนั้นนมเปรี้ยวก็คือนมดองชนิดหนึ่ง

นมเปรี้ยวที่ผมกำลังจะพูดถึงต่อไป ผมเรียกมันว่า นมเปรี้ยวแท้ คือนมเปรี้ยวที่ใช้กรรมวิธีแบบดั้งเดิม เปรี้ยวจากการหมัก และมีจุลินทรีย์ที่ยังมีชีวิตหลงเหลืออยู่จำนวนมาก
ส่วนนมเปรี้ยวที่เอากรดมาเติมให้มีรสเปรี้ยว ผมถือว่าเป็นนมเปรี้ยวเทียม ทำขึ้นมาเพียงเพื่อปรุงแต่งรสชาติ ไม่มีคุณสมบัติเป็น "ยาอายุวัฒนะ" หรือ "อาหารของพระเจ้า" ตามที่กล่าวข้างต้น

ผู้บริโภคชาวไทยส่วนใหญ่คงสับสน ไม่รู้ว่า นมเปรี้ยวที่ขายตามท้องตลาด ชนิดใดเป็นนมเปรี้ยวแท้ ชนิดใดเป็นนมเปรี้ยวเทียม เพราะมีขายสารพัดยี่ห้อ รสชาติเหมือนกัน ดังนั้นผมจะกล่าวถึงวิธีดูนมเปรี้ยวที่คุณดื่ม เป็นแบบใดในตอนท้ายครับ

นมเปรี้ยวโยเกิร์ต

วัฒนธรรมการดื่มนมเปรี้ยวในคนไทยทุกวันนี้ ได้อิทธิพลจากตะวันตกด้วยความเชื่อว่า อุดมด้วยคุณค่าทางโภชนาการและให้พลังงานต่ำ เราเรียกนมเปรี้ยวอีกชื่อว่า "โยเกิร์ต" ซึ่งมาจากภาษาฝรั่ง Yogurt หรือ Yoghurt ฝรั่งเองก็ยืมคำนี้มาจากภาษาตุรกี

ในเชิงวิชาการ โยเกิร์ตเป็นผลิตภัณฑ์นมที่ได้จากการหมักและตกตะกอนจับเป็นก้นอวุ้นข้นๆ ด้วยแบคทีเรียที่มีประโยชน์ต่อร่างกาย ทำได้ทั้งจากนมวัว แพะ แกะ อูฐ และควาย โยเกิร์ตทำได้ง่ายมาก จัดเป็นอาหารก้นครัวของหลายประเทศ

เชื่อว่าชาวตุรกีเป็นผู้ค้นพบโยเกิร์ต ทุกวันนี้ชาวตุรกีทำโยเกิร์ตโดยต้มนมในหม้อเปิดฝาเพื่อให้นมข้น และฆ่าเชื้อแบคทีเรียที่มีอยู่ในน้ำนมตามธรรมชาติ หลังจากทิ้งให้อุ่น ก็ผสมโยเกิร์ตเก่าที่เหลือจากเมื่อวานลงไปเป็นหัวเชื้อ ทิ้งไว้สองสามชั่วโมงจนเย็นเท่าอุณหภูมิห้องก็พร้อมรับประทาน

ในทางอุตสาหกรรม ผู้ผลิตใช้นมสดผสมกับนมผงเพื่อให้เข้มข้น เติมเชื้อ Streptococcus thermophilus และ Lactobacillus bulgaricus บางทีก็ใช้ L. acidophilus หรือยีสต์ตัวอื่นๆ ใส่ลงไปด้วย แล้วหมักไว้ที่อุณหภูมิ 43-44 องศาเซลเซียส นาน 4-5 ชั่วโมง จะเห็นนมเปลี่ยนเป็นครีมข้น เกิดรสเปรี้ยวจากกรดแลคติกที่เชื้อปล่อยออกมา

ดังนั้น นมเปรี้ยวที่เกิดจากกรรมวิธีหมัก จะเป็นนมเปรี้ยวที่มีทั้งกรดแลคติก และเชื้อจุลินทรีย์ที่มีชีวิตปนอยู่ในน้ำนม ทุกครั้งที่ทานหรือดื่มโยเกิร์ต เราไม่เพียงได้รับสารอาหารที่เป็นประโยชน์เท่านั้น แต่เรายังได้รับจุลินทรีย์ที่ยังมีชีวิตจำนวนหนึ่งเข้าสู่ร่างกายด้วย และเจ้าจุลินทรีย์ที่มีชีวิตนี้เอง คือตัวการสำคัญที่ทำให้นมเปรี้ยวมีคุณค่าต่อร่างกายเหนือนมเปรี้ยวชนิดที่ทำเทียมด้วยการเติมกรดพอให้มีรสเปรี้ยว

เหตุเพราะมันมีจุลินทรีย์ที่ยังมีชีวิต นมเปรี้ยวแบบโยเกิร์ต จึงต้องเก็บรักษาในตู้เย็นที่อุณหภูมิ 7 องศาเซลเซียส จะเก็บได้นานประมาณ 15 วัน แต่ถ้าเก็บที่ 1 องศาเซลเซียสจะอยู่ได้นานถึงสองเท่า

นมเปรี้ยวที่วางขายในบ้านเรา ทำจากนมวัว อาจผสมสารให้ความหวาน น้ำตาล ผลไม้ สารแต่งกลิ่นและสีตามสูตรผู้ผลิต บางคนทานโยเกิร์ตกับผลไม้สด บางครั้งผู้ผลิตผสมนมและทำให้เจือจางเพื่อดื่มได้ หรือทำในรูปไอศกรีม ชาวอินเดียผสมโยเกิร์ตในอาหารคาว แต่งรสเปรี้ยว หรือใส่ผักหรือแตงกวาคล้ายอาจาตเรียก Raita แถบอาหรับเรียก jajik

นมเปรี้ยวเป็นอาหารอุดมโภชนาการที่ย่อยง่ายกว่าน้ำนมสด อุดมด้วยโปรตีน วิตามินบี และแคลเซียม โยเกิร์ตในขนาดเสิร์ฟ 1 ขวดเล็กหรือ 14 ถ้วยเล็ก (คำนวณจากโยเกิร์ตที่ขายในแมคโดนัลด์) เทียบกับน้ำนมสดหนึ่งแก้วดื่ม หรือ 1 กล่องมาตรฐาน 240 ซีซี พบว่านมและนมเปรี้ยวให้พลังงานใกล้เคียงกัน ในขนาดหนึ่งอิ่มแต่ปริมาณโคเลสเตอรอลในโยเกิร์ตต่ำกว่ามาก

คุณค่าต่อสุขภาพ

ผู้ที่เชื่อถือคุณค่าของนมเปรี้ยวต่อสุขภาพมากที่สุด เห็นจะไม่มีใครเกินดร.เอเลียส เมทช์นิคอฟ นักวิทยาศาสตร์ผู้มีชื่อในปลายศตวรรษที่ 19 เพื่อนสนิทของหลุยส์ ปาสเตอร์

ดร.เอเลียส เป็นผู้ค้นพบ "Phagocytes" เซลล์ที่ทำหน้าที่เป็นทหารประจำบ้าน เคลื่อนที่ไปในกระแสเลือด คอยจับกินเชื้อโรคหรือสิ่งแปลกปลอมที่หลุดเข้าไปในร่างกาย ผลงานด้านภูมิคุ้มกันมนุษย์ทำให้เขาได้รางวัลโนเบลในปี 1908 เมื่อเขาตายในปี 1916 นิตยสารเนเจอร์ได้สดุดี ดร.เอเลียสว่าเป็นนักวิทยาศาสตร์ผู้ยิ่งใหญ่คนหนึ่งของโลก

และนักวิทยาศาสตร์รางวัลโนเบลผู้นี้แหละที่กล้าประกาศว่า "โยเกิร์ตคือยาอายุวัฒนะสำหรับมนุษย์" ในหนังสือ The Prolongation of life และ The Nature of Man เมื่อปี 1907

โบราณว่าจิ้งจกทักยังฟัง แล้วนักวิทยาศาสตร์ระดับโลกออกมากล่าวเช่นนี้มีหรือคนจะไม่ฟัง งานวิจัยเกี่ยวกับคุณประโยชน์ของโยเกิร์ตจึงเริ่มนับแต่บัดนั้นจนทุกวันนี้

Danse

2008-04-18T11:31:00.000-07:00

Dans son acception la plus générale, la danse est l'art de mouvoir le corps humain selon un certain accord entre l'espace et le temps, accord rendu perceptible grâce au rythme et à la composition chorégraphique.

La danse est un art corporel constitué d'une suite de mouvements ordonnés, souvent rythmés par de la musique.

Les danses se fondent soit sur un ensemble défini de mouvements dénués de signification en eux-mêmes, comme souvent dans le ballet ou les danses folkloriques européennes, soit sur une gestuelle symbolique, sorte de mime ou de pantomime, comme dans la plupart des danses asiatiques.

Chaque peuple danse pour des motifs distincts et de façon différente, très révélatrice de leur mode de vie.

Généralités
La danse peut être un art, un rituel ou un divertissement. Elle exprime des idées et des émotions ou raconte une histoire. La danse a en général un rapport direct dans l'histoire avec les autres arts (musique, peinture, sculpture, etc.)

Le corps peut réaliser toutes sortes d'actions comme tourner, se courber, s'étirer, ou sauter. En les combinant selon des dynamiques variées, on peut inventer une infinité de mouvements différents. Le corps passe à l'état d'objet, il sert a exprimer les émotions du danseur à travers ses mouvements, l'art devient le maître du corps.

Origines
Les premières indications sur l'exécution de danses datent de la Préhistoire, au paléolithique, où des peintures rupestres attestent de l'existence de danses primitives.

Il s'agit avant tout d'un acte cérémoniel et rituel, adressé à une entité supérieure afin de:

conjurer le sort (danse de la pluie)
donner du courage (danse de la guerre ou de la chasse)
plaire aux dieux (Antiquité égyptienne, grecque et romaine)
La danse primitive, couplée aux chants et à la musique, avait aussi probablement la capacité de faire entrer les participants dans un état de transe.

McDonald

2008-03-20T05:07:00.000-07:00

ปิดเทอมมมมใหญ่ หัวใจอยู่ที่ครูสมศรี

555 5*

Somsri is extremely beautiful.

McDonald
ประวัติความเป็นมา
ตำนานความอร่อยของแฮมเบอร์เกอร์ร้านแมคโดนัลด์ ได้เริ่มขึ้นเมื่อปี พ.ศ. 2491 โดยผู้บุกเบิกคือ พี่น้องดิ๊กและแมค แมคโดนัลด์ ที่เปิดร้านแฮมเบอร์เกอร์ชื่อว่า "แมคโดนัลด์" เป็นแบบไดร์ฟทรู ในซานเบอร์นาดิโน เมืองเล็กๆ ในรัฐแคลิฟอร์เนีย

ภายหลังทั้งสองได้ขายกิจการให้กับ นายเรย์มอนด์ อัลเบิร์ต คร็อค เพื่อนำไปขยายสาขา จนทั่วสหรัฐอเมริกา โดยเริ่มต้น สาขาแรกที่รัฐอิลลินอยส์ ในปี พ.ศ. 2498 จวบจนทุกวันนี้มีร้าน แมคโดนัลด์ กว่า 30,000 สาขา ใน 121 ประเทศทั่วโลก (ข้อมูล มกราคม 2546) และนายเรย์มอน อัลเบิร์ต คร็อค ได้รับยกย่องให้เป็น บิดาแห่งอุตสาหกรรมอาหารบริการด่วน

ประวัติในไทย
ในปี พ.ศ.2528 นายเดช บุลสุข ผู้มีความประทับใจ ในรสชาติ และบริการของแมคโดนัลด์ เมื่อครั้งได้รับทุน American Field Service (AFS) ไปศึกษาในสหรัฐอเมริกา ได้รับเลือก
ให้เป็น ผู้ร่วมดำเนินการร้านแมคโดนัลด์ในประเทศไทย ซึ่งนับเป็นประเทศที่ 35 ของโลก โดยมีสาขาแรกที่อัมรินทร์ พลาซ่า

ร้านแมคโดนัลด์ทั่วโลกดำเนินกิจการโดยมีหัวใจการทำงานคือ "QSC&V" ซึ่งหมายถึง
Quality คุณภาพอาหารที่ดีมีมาตรฐานสม่ำเสมอ
Service การบริการที่รวดเร็ว อบอุ่นและเป็นมิตร
Cleanliness การรักษาความสะอาด และสุขอนามัย
และ Value คุณค่าของอาหารและบริการที่คุ้มค่าคุ้มราคา

ภายใต้มาตรฐาน QSC&V นี้ แมคโดนัลด์เป็นสถานที่ที่ให้ความ "อร่อยรส สนุกล้ำ" แก่คนทั้งครอบครัว ด้วยอาหารทั้งคาวหวาน และเครื่องดื่มนานาชนิด ไม่ว่าจะเป็นเบอร์เกอร์เนื้อ หมู ปลา ไก่ แมคนักเก็ตไก่ และไก่ทอด หรือไอศกรีม และ ซันเด หลากรส บริการจัดงานวันเกิดสำหรับคุณหนูๆ ห้องเครื่องเล่นเด็ก (PLAY PLACE) และการสมัครเป็นสมาชิกโรนัลด์ แมคโดนัลด์คลับ ที่มอบสิทธิพิเศษและของกำนัลมากมายให้กับเด็กๆ ที่เป็นสมาชิก

ตัวอย่างเมนูอาหาร

แคริบเบียน เบอร์เกอร์ กุ้ง (Caribbean Shrimp burger)
เมนูใหม่ที่อัดแน่นด้วยกุ้งสดชุบด้วยเกล็ดขนมปังทอดจนเป็นสีเหลืองทอง ราดด้วยค็อกเทลซอสสูตรพิเศษ พร้อมเติมความอร่อยด้วยผักกาดแก้วสดกรอบ และประกบด้วยเบอร์เกอร์เนื้อนุ่มโรยด้วยเกล็ดข้าวโพด

เลมอน ชิกเกน โรล (Lemon Chicken Roll)
เลมอน ชิกเกน โรล รสชาติเปรี้ยวนิด ๆ หวานหน่อย ๆ กลมกล่อมกับเลมอนซอสบนเนื้ออกไก่ทอดกรอบ พร้อมผักกาดแก้วสด ๆ และแป้งเนื้อนุ่มที่ให้ความอร่อยใหม่ไม่ซ้ำใคร

แมคเฟลอร์รี่ คอร์นเนตโต คิวปิดเบอร์รี Mc Flurry Cornetto “Cupid Berry”)
แมคเฟลอร์รี่รสชาติใหม่ที่ผสานความหวานลงตัวของไอศกรีมเนื้อนุ่มผสมสตรอเบอร์รี่ซอส ปั่นรวมกับสตอร์เบอร์รี่ชิปและคุกกี้สตอร์เบอร์รี่กรุบกรอบ

ธนาคารออมสิน

2008-02-09T04:45:00.000-08:00

ธนาคารออมสิน มั่นคง จริงใจ รับใช้สังคม

^^"

พระมหากษัตริย์ผู้ทรงต่อตั้งธนาคารออมสิน

"แบงค์ลีฟอเทีย” ต้นแบบการออม
พระบาทสมเด็จพระมงกุฎเกล้าเจ้าอยู่หัว
รัชกาลที่ 6 ทรงเห็นคุณประโยชน์ของการ
ออมทรัพย์ เพื่อให้ประชาชนรู้จักการประหยัด
การเก็บออม มีสถานที่เก็บรักษาทรัพย์สิน
เงินทองของประชาชน ให้ปลอดภัยจากโจร
ผู้ร้าย จึงทรงริเริ่มจัดตั้งคลังออมสินทดลองขึ้น
โดยทรงพระราชทานนามแบงค์ว่า “ลีฟอเทีย”
ในปี พ.ศ. 2450 เพื่อทรงใช้ศึกษาและสำรวจ
นิสัยคนไทยในการออมเบื้องต้น พระองค์ทรง
เข้าใจในราษฎรของพระองค์และทรงทราบดีว่า
ควรใช้กุศโลบายใดอันจะจูงใจคนไทยให้มองเห็น
ความสำคัญของการออม

กำเนิดธนาคารออมสิน
ยุคที่ 1 คลังออมสิน สังกัดกรมพระคลังมหาสมบัติ
กระทรวงพระคลังมหาสมบัติ พ.ศ. 2456 – 2471
เพื่อให้คลังออมสินได้เป็นประโยชน์เกื้อกูลเผื่อแผ่
ไปถึงราษฎรโดยทั่วกัน พระองค์จึงได้ทรงพระกรุณา
โปรดเกล้าฯ ให้ดำเนินการจัดตั้ง “คลังออมสิน” ขึ้น
ในสังกัดกรมพระคลังมหาสมบัติ กระทรวงพระคลัง
มหาสมบัติ และพระราชทานพระบรมราชานุญาต
ประกาศใช้ “พระราชบัญญัติคลังออมสิน พ.ศ. 2456”
ประกาศใช้ในวันที่ 1 เมษายน พ.ศ. 2456

เติบโตอย่างรุดหน้า
ยุคที่ 2 กองคลังออมสิน สังกัดกรมไปรษณีย์โทรเลข กระทรวงพาณิชย์และคมนาคม พ.ศ. 2472 - 2489
ต่อมาในปี พ.ศ. 2472 พระบาทสมเด็จพระปกเกล้าเจ้าอยู่หัว รัชกาลที่ 7 ทรงมีพระราชดำริเห็นควรโอกิจการ
คลังออมสินให้้ไปอยู่ในความรับผิดชอบของกรมไปรษณีย์โทรเลข กิจการได้เริ่มแพร่หลายและเป็นที่นิยมของ ประชาชนอย่างกว้างขวาง ซึ่งนับได้ว่ากิจการคลังออมสินในช่วงระยะนี้เติบโตขึ้นมาก จึงเรียกได้ว่าเป็น
“ยุคแห่งความก้าวหน้าของการคลังออมสินแห่งประเทศไทย”

รากฐานความมั่นคง
ยุคที่ 3 ธนาคารออมสิน สังกัดกระทรวงการคลัง พ.ศ. 2490 – ปัจจุบัน
ต่อมาภายหลังเมื่อสงครามโลกครั้งที่ 2 ยุติลง รัฐบาลได้เห็นถึงคุณประโยชน์ของการออมทรัพย์และความสำคัญ
ของคลังออมสินที่มีต่อการพัฒนาประเทศ จึงได้ยกฐานะของคลังออมสินขึ้นเป็นองค์การของรัฐ มีฐานะเป็นนิติบุคคล ดำเนินธุรกิจภายใต้ “พระราชบัญญัติธนาคารออมสิน พ.ศ. 2489” มีการบริหารงานโดยอิสระ ภายใต้การควบคุมของ คณะกรรมการ ซึ่งได้รับการแต่งตั้งจาก รัฐมนตรีว่าการ กระทรวงการคลัง เริ่มดำเนินธุรกิจในรูปธนาคารออมสินตั้งแต่ วันที่ 1 เมษายน 2490 และคำว่า “คลังออมสิน” ก็ได้เปลี่ยนเป็นคำว่า “ธนาคารออมสิน” นับแต่บัดนั้นเป็นต้นมา

โฉมใหม่สู่ความทันสมัยครบวงจร
ตลอดระยะเวลาที่ผ่านมา ธนาคารออมสินได้เปลี่ยนแปลงปรับปรุงพัฒนาระบบการดำเนินงานและการบริการ ในทุกด้านอย่างเป็นพลวัตร ธนาคารจึงได้ปรับตัวให้เข้ากับสถานการณ์ เพื่อรักษาฐานลูกค้ามากกว่า 26 ล้านบัญชี โดยระดมทรัพยากรในทุกด้านเตรียมการเพื่อปรับปรุงภาพลักษณ์และรูปแบบการให้บริการที่ทันสมัยและครบวงจร ยิ่งขึ้น เพื่อรองรับการให้บริการที่สอดคล้องต่อความต้องการและครอบคลุมทุกกลุ่ม ทุกอาชีพ และทุกช่วงวัย
ปัจจุบันธนาคารออมสินมีฐานะเป็นนิติบุคคล เป็นรัฐวิสาหกิจ ในรูปของสถาบันการเงินที่มีรัฐบาลเป็นประกัน อยู่ภายใต้ การกำกับดูแลของกระทรวงการคลัง มีสาขา 594 สาขาทั่วประเทศ มีอายุครบ 94 ปี เมื่อวันที่ 1 เมษายน 2550 ที่ผ่านมาี้

Coca-Cola

2008-01-27T07:03:00.000-08:00

Le Coca-Cola est une marque commerciale déposée en 1893 d'un soda (boisson gazeuse sucrée), née aux États-Unis. La forme de la bouteille elle-même a été déposée en 1960. Le Coca-Cola est un des symboles forts des États-Unis dans le monde depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale.

Il tire son nom de sa première composition : la feuille de coca et l'utilisation de noix de cola, la boisson était alors vendue par son inventeur le docteur Pemberton, comme remède miraculeux (elle n'était pas encore dans la mythique bouteille).

Ses principaux concurrents sur le marché mondial sont les sodas au cola des mutltinationales Pepsi-Cola et Virgin Cola, et il existe de nombreux autres concurrents locaux selon les pays ou en produits libres dans les chaines de supermarchés, hypermarchés et superettes. D'autres colas sont fabriqués sur la base de la recette OpenCola, sous licence GPL[1]. On trouve aussi des altercolas

Historique
La Coca-Cola Company est devenue une entreprise dès 1892.

Le Coca-Cola a été inventé par John Pemberton en 1886. Il est possible qu'il se soit inspiré de la recette du vin Mariani, un mélange de vin de Bordeaux et de feuille de coca créé par le chimiste français d'origine corse Angelo Mariani en 1863. Les premières ventes ont lieu à Atlanta le 8 mai 1886. Les huit premiers mois, une moyenne de treize verres vendus par jour est atteinte.

En 1887, le produit est racheté à Pemberton pour 2 300 dollars par l'homme d'affaire Asa Griggs Candler qui, à l'aide d'une campagne marketing intense va donner son essor à la boisson.

Le Coca-Cola est également défini par la célèbre « bouteille à contours », créée en 1915 par Alex Samuelson. Cependant, la bouteille à contours avec l'imprimé « Coca-Cola » n'est reconnue comme une propre marque commerciale par l'Office américain des brevets qu'en 1960.

La boisson et ses campagnes publicitaires ont eu un impact significatif sur la culture américaine. On dit souvent que la société a créé l'image moderne du Père Noël sous les traits d'un vieil homme habillé en rouge et blanc, autrefois vert plutôt que rouge. Toutefois, si les campagnes publicitaires d'hiver dans les années 1930 ont repris cette image, le personnage était déjà connu auparavant[2]. Les campagnes publicitaires montrant des pin-up ont aussi beaucoup alimenté l'imagerie américaine grâce à des contributions d'artistes tels que Bradshaw Crandell ou Gil Elvgren.

D'autre part, Coca-Cola a compris très tôt les retombées médiatiques qu'elle pouvait tirer des événements sportifs. Elle est présente sur les jeux Olympiques depuis les jeux Olympiques d'été de 1928[réf. nécessaire] (dont ceux de 1936 organisés par le IIIe Reich). Cette qualité de partenaire historique du mouvement olympique n'est sans doute pas innocente dans le choix de la ville d'Atlanta pour l'organisation des jeux Olympiques d'été de 1996. Coca-Cola est aujourd'hui partenaire des principaux événements sportifs (Jeux Olympiques, Coupe du monde de football, Tour de France...)

Dans les années 1980, Coca-Cola annonce modifier définitivement la formule utilisée pour la fabrication de sa boisson. L'origine de cette décision serait des tests en aveugle montrant que les gens préfèrent la boisson concurrente Pepsi. Le Pepsi utilise plus d'essence de citron, moins d'essence d'orange et la vanilline à la place de la vanille[réf. nécessaire]. Le nouveau Coca-Cola, nommé New Coke aux États-Unis, est testé en aveugle et se trouve préféré à la recette originelle.[3]

Malgré ces tests concluants et une très grosse campagne publicitaire, la nouvelle recette est un fiasco commercial. Le 10 juillet 1985, la société se voit forcée de revenir sur ses pas et relance l'ancienne formule sous le nom de Coca-Cola Classic (en fait, le Classic utilise du sucre de maïs au lieu du sucre de canne du Coca-Cola d'origine, mais cela ne doit pas en principe intervenir sur le goût du produit). Le résultat a été surprenant : les ventes totales des deux Coca-Cola ont été plus fortes après cette recommercialisation.

Parce qu'une stratégie d'évolution de la formule du produit étalée sur le temps aurait probablement été plus efficace, certains suspectent que la société a volontairement orchestré ces changements abrupts afin de présenter un nouveau produit qui revivifierait l'attrait pour la ligne classique. Le président de la Compagnie répondra : « Nous n'étions ni assez intelligents ni assez stupides pour cela ».

Pirate

2008-01-17T06:35:00.000-08:00

Le mot pirate vient du mot grec πειρατης qui vient à son tour du verbe πειραω signifiant « s'efforcer de », « essayer de », « tenter sa chance à l'aventure ».

Un pirate est une personne qui pratique la piraterie. La piraterie est la pratique, aussi vieille que la navigation, qui a pour objet l'attaque d'une embarcation dans le but de voler son chargement, et parfois le bateau tout entier. Cependant, les pirates ne se limitaient pas seulement aux autres bateaux mais parfois attaquaient des petites villes côtières. Le mot « pirate » est rattaché aux actions en mer sans l'aval d'une nation souveraine, contrairement aux corsaires, capitaines d'embarcation privée travaillant pour le compte d'une nation ou d'une personne importante dans la société. La piraterie maritime connut son apogée durant le XVIIIe siècle puis a peu à peu disparu, dû au pouvoir grandissant des nations sur toutes les régions du monde. Beaucoup d'anarchistes se sont inspiré de la philosophie des pirates qui consistait à s'exiler de toute nation afin de mener une vie plus libre.

Malgré son origine maritime, le mot pirate est mentionné dans des contextes différents, tels que les « pirates de la route », que l'on appelait autrefois « voleurs de grand chemin ».

Par glissement sémantique, un pirate informatique désigne un individu s'adonnant à des détournements de fonds effectués par Internet, ou des copies d'œuvres sans respecter le droit d'auteur ou le copyright. Il en existe d'autres formes plus crapuleuses comme l'hameçonnage, qui consiste à usurper une identité, le plus souvent corporative.

On parle parfois de pirates dans le cas d'actes politiques et terroristes : c'est le cas des pirates de l'air. Toutefois, il s'agit ici d'une déformation du sens de pirate : l'absence de l'intérêt lucratif d'une action terroriste fait que l'on ne peut pas réellement lier ces malfaiteurs aux véritables pirates.

Historique de la piraterie maritime
La piraterie est un corollaire du commerce maritime et existait déjà dans l'Antiquité. Toutes les civilisations anciennes ayant possédé une marine l'ont pratiquée, les Phéniciens comme les Mycéniens.

Jules César eut lui-même à pâtir de l'activité des pirates. Lors d'un voyage vers l'Orient entre les années 75 av. J.-C. et 74 av. J.-C., il fut capturé par ceux-ci, à hauteur de l'île de Pharmacuse, à proximité de la ville de Milet en Asie Mineure. Dès sa libération contre rançon, il entreprit de se venger. Après avoir réuni en toute hâte une flottille, il surprit et captura les pirates qu'il fit exécuter par la suite. Pompée se rendit célèbre en nettoyant la Méditerranée des pirates ciliciens.

Organisation sociale
Les pirates des siècles passés sont imaginés menant une vie romantique de rebelles intelligents et rusés, agissant en groupe en dehors de la vie régie par les lois et les obligations, telle que nous la connaissons aujourd'hui. En réalité, peu de pirates mangeaient à leur faim ou devenaient riches, la plupart sont morts jeunes, car les provisions emportées étaient infestées de rats et d'autres petites bêtes.

Toutefois, certains aspects de l'organisation des pirates sont surprenants. Contrairement aux sociétés occidentales de l'époque, de nombreux clans de pirates fonctionnaient comme des démocraties limitées : on élisait et remplaçait les dirigeants, par exemple. Le capitaine d'un bateau pirate était souvent un combattant féroce en qui l'équipage avait confiance, plutôt qu'un chef autoritaire issu d'une élite aristocratique. C'était souvent le maître de timonerie, surnommé « le second » ou « le bosco », qui était responsable de l'équipage et qui était chargé de faire régner l'ordre jour après jour, sauf pendant les batailles où c'est le capitaine qui donnait les ordres.

De nombreux groupes de pirates partageaient tout le butin qu'ils obtenaient, en suivant un schéma plutôt compliqué dans lequel chaque homme recevait la part qui lui était réservée. Les pirates blessés au cours d'une bataille recevaient même parfois une prime spéciale. De plus, plusieurs ouvrages relatent le rapport de force très juste entre le capitaine d'un navire et les autres lors d'une victoire. En effet, le butin était partagé de manière à ce que le capitaine reçoive autant que les autres, tout au plus 1,5 fois ou deux fois plus que les autres, mais jamais plus[1].

Les pirates avaient choisi d'être bannis des sociétés traditionnelles, notamment parce que la vie de marin était particulièrement pénible, dangereuse et que la discipline à bord était particulièrement dure. Nombres de marins n'avaient pas réellement choisi ce métier, soit qu'ils aient été vendus comme mousses à un capitaine, ou qu'ils aient été enrôlés de force par la presse, un système largement employé par les Britanniques. Il arrivait souvent qu'ils libèrent des esclaves trouvés dans les navires capturés, les incorporant à leur équipage ou les déposant à terre.

Cependant, ces pratiques égalitaires ne se limitaient qu'à très peu des aspects de la vie des pirates, et n'atténuaient pas réellement la rudesse de leur mode de vie.

Stéréotypes sur les pirates
Le pirate est souvent dépeint avec une balafre au visage, borgne avec un cache sur l'œil, et amputé d'une main, remplacée par un crochet. Il a aussi souvent perdu une jambe à cause de la gangrène ou d'un boulet, et s'appuie alors sur une jambe de bois.
Tout au début, chaque bateau de pirates avait son propre drapeau, et les victimes ne savaient pas ce que cela voulait dire. Peu à peu, les drapeaux sont devenus généraux et ils avaient chacun une signification différente.
Les pirates utilisent un drapeau noir représentant des ossements humains (comme le Jolly Roger et ses dérivés), car ils sont réputés pour ne pas faire de prisonniers.
Les pirates cachent leur trésor sur une île et ils marquent son emplacement sur une carte au trésor.
Les pirates sont souvent accompagnés d'un perroquet.
Le capitaine est un homme avare, cruel et méchant qui rafle la majorité du butin.

Crayon Shin-chan

2008-01-15T05:00:00.000-08:00

Crayon Shin-chan (クレヨンしんちゃん, Kureyon Shinchan?) is a Japanese manga and anime series written by Yoshito Usui. The title is commonly transliterated as either "Crayon Shin Chan" or "Crayon Shin-Chan" and is sold worldwide. The series follows the antics of five-year-old Shinnosuke Nohara and his parents, neighbors, friends, etc., and is set in Kasukabe, Saitama Prefecture, Japan. It is called "Crayon Shin-chan" because "crayon" signifies the fact that Shin-chan goes to kindergarten. "Shin-chan" is the affectionate name for the main character.

Crayon Shin-chan first appeared in a Japanese weekly magazine called Weekly Manga Action, which is published by Futabasha. Crayon Shin-chan began broadcasting on TV Asahi on April 13, 1992, and has also been aired by the anime television network, Animax across Japan, Hungama TV in India, and in Latin America.

Much of the humor in the series stems from Shin-chan's occasionally weird, unnatural and inappropriate use of language, as well as from his inappropriate behavior. Therefore much of this humor is untranslatable for Western readers and viewers, and a few jokes can't even be translated into other East Asian languages. In Japanese, certain set phrases almost always accompany certain actions; many of these phrases have standard responses. A typical gag involves Shin-chan confounding his parents by using the wrong phrase for the occasion; for example, saying "welcome home!" when he arrives instead of "I'm home!".

During the beginning of the series, the TV show was mostly based on the storyline in the comic books. As the show progressed, more and more episodes became anime-original.

Shin-chan in other countries
Crayon Shin-chan is also very popular in many other countries, especially East Asian countries where many of the jokes can be translated (that is, if they aren't censored).

In China, the show and title La Bi Xiao Xin (traditional Chinese: 蠟筆小新; simplified Chinese: 蜡笔小新; pinyin: làbǐ xiǎoxīn) can be viewed on local channels mostly uncensored and well translated. Despite the fact that legal DVD sets and comics are published, most manga/videos bought in China are counterfeits as with Shinchan merchandise. Shinchan merchandise are especially popular among teenagers who often have them as accessories. (eg. cell phone straps) His visage can also be seen next to Doraemon, Garfield, Pokemon and Disney characters in video and toy stores.

In Taiwan, the publisher of Crayon Shin-chan is Tong Li Comics. A Chinese subtitled version of Crayon Shin-chan in Japanese premiered in Taiwan on ETTV on April 13, 1992

In Vietnam, the series' first 5 books were released in July - August 2006. However, Crayon Shinchan received very bad reaction from the Vietnamese society due to some impertinent scenes contained within the books especially for sexual-related stories (starting from The Workers Newspaper)[1]. Even, VTV (one of the two nationwide broadcasting systems) gave really negative criticism on the series in its main news program. As a result, Kim Dong publisher (distributor of Shinchan's stories in Vietnam) must stop releasing the series. [2]

In South Korea, the show and comics, titled 짱구는 못말려 (Jjanggu the Unstoppable, literally), are also tremendously popular. Shin-chan's name is changed into "Shin Jjanggu"(신짱구), which is coined by his original Japanese name and the Korean word "jjanggu"(짱구) for "protruding forehead." In Korea, the animated version is severely censored - compared to the original Japanese version. Most children in South Korean consider it a kids' cartoon, since many toys and website games there center around 짱구 and is represented as an icon for childish fun there. Scenes revealing Shin-Chan's genitals are mostly censored, with exception to few scenes in which exposure is inevitable, and only few scenes with his buttocks shown remain. Some episodes explicitly displaying adult material are all censored, and all mature-themed jokes in the original Japanese version are dubbed into rated-G jokes in Korean to make the series more suitable for children, who were considered the main audience for the show in Korea. However, the comic book version is mostly uncensored, labeled as "for 19 or above."

Shin-chan is one of the most popular anime characters in Indonesia. The Indonesian actor who dubbed Shin-chan's voice (a man aged about twenty but looks like a 12 year old because of a genetic defect) has released multiple records and is even said to resemble Shin-chan. The anime itself was extremely popular yet controversial. It is the first animated show to have a BO (an Indonesian equivalent to the United States rating "PG"). All the dubbers of the anime found success thanks to the show.

Shin-chan found a devoted following in Spain, where the show is broadcast through Cartoon Network, Antena 3 and several autonomic channels in five different languages: Valenciano, Catalan, Euskara, Galician and Castilian/Spanish. It has proved so successful that several Shin-chan movies have seen a theatrical release nationwide. Also, Spain is the only country outside Japan where a Game Boy Advance game [3] based in the character was released (in 2005 by publisher Atari), with a sequel to follow in Q3 2006 [4]. Despite its success, some TV channels had to move the show to night programming or drop it completely after complaints by parents associations who claimed Shin-chan was not appropriate for children, the biggest followers of the show. Yoshito Usui visited Barcelona in 2004 in order to promote the Spanish release of the manga, when the show was already airing on Catalonia's public television channel TV3. Usui was so impressed by Shin-Chan's popularity he decided to thank his Spanish followers [5] by making an episode that takes place in Barcelona.

Shin-chan is also very popular in the Netherlands, on JETIX. His name is spelled: Shin Chan.

In Malaysia, Shin Chan's comic is titled as Dik Cerdas, which roughly means "brilliant kid". Shin Chan's voice in the Malay language version of the anime happens to be voiced by a 15-year-old. Like in South Korea, pictures revealing Shin-Chan's genitals were all censored by cutting the scenes. Mandarin versions however, are not as heavily censored. They are rarer, however and can only be found in places with high Chinese speaking populations.

This show was broadcast in the Philippines, uncensored and dubbed in Filipino. Shin-Chan was voiced by Andrew E., a local rapper notorious for his suggestive lyrics. For some reason, his mother was called "Carmen",his father was called "Bert" and his dog was named "Puti" which means white.

In Latin America, Shin-chan was originally shown on Fox Kids / JETIX in 2003, but was later moved to a new channel at the time, Animax, in mid 2005. There the episodes are shown weekdays, 3 to 4 times a day, and are dubbed over the English edited versions of the anime.

In India Shin Chan is aired on Hungama TV. Shin Chan is growing its fame rapidly in India. Bō is renamed to Suzuki for some reason. For promoting other shows on Hungama TV, the show parodies other shows like Doraemon, which airs just before Crayon Shin-chan. Because it is dubbed in Hindi, the Japanese songs are changed into popular Bollywood numbers. Hungama TV has started airing new episodes from 21st April.

Ganesh

2008-01-06T06:47:00.000-08:00

Dans l’hindouisme, Ganesha, Ganesh souvent appelé Ganapati dans le sud de l’Inde - « le seigneur des troupes de divinités » ou mieux « le seigneur des catégories » - est le dieu de la sagesse, de l’intelligence, de l’éducation et de la prudence, le patron des écoles et des travailleurs du savoir. C’est le dieu qui lève les obstacles. Il est le fils de Shiva et Pârvatî, l’époux de Siddhî, le succès et de Riddhî, la richesse. Il joue un rôle important dans le tantrisme.

Représentation ou mûrti
Traditionnellement représenté avec un corps de gros homme de couleur rouge possédant généralement quatre bras et une tête d’éléphant à une seule défense, son vâhana ou véhicule est un rat ou une souris, Mûshika. Ce dernier symbolise parfois le dieu à lui seul, comme peut le faire Nandi pour son père. Les deux se complètent, l’éléphant massif, puissant et réfléchi, le rat petit, mobile et malicieux, ont ainsi tous les atouts nécessaires pour résoudre les problèmes du monde.

Les attributs les plus fréquents de Ganesh sont :

la hache (parashu), arme classique de Shiva, détruit désir et attachement, et donc supprime agitation et chagrin.
Le nœud coulant ('pasha) qui sert à capturer l’erreur.
L’aiguillon à éléphant (ankusha) symbole de sa maîtrise sur le monde.
La défense cassée connaît plusieurs interprétations. Un mythe raconte que Ganesh l’utilisa pour écrire les Veda ou le Mahâbhârata sous la dictée de Vyasa. C’est la raison pour laquelle on appelle aussi Ganesh Ekadanta (de ek, une et danta, dent), celui qui n’a qu’une défense.
La mâlâ, une guirlande ou un chapelet comportant 50 éléments, les 50 lettres de l’alphabet sanskrit
Le gâteau (modaka) ou le bol de friandises (modaka-patra), la douceur qui récompense le chercheur de vérité.
Dans le sud de l’Inde et au Sri Lanka, Ganesh tient parfois un fruit dans sa main, une mangue ou un citron. On connaît, particulièrement au Népal, des représentations de Ganesh à plus de quatre bras et plus d’une tête, souvent reliées au tantrisme.

Ganesh est la plus souvent assis, sur un trône de lotus, la jambe gauche repliée, la jambe droite pendante, dans une posture décontractée. Mais il peut être représenté dansant : n’oublions pas que son père Shiva est Nataraja, le roi de la danse. On le trouve aussi parfois allongé sur un sofa, un livre ouvert devant lui.

Symbolisme
Ganapati est un des symboles de l’identité entre le macrocosme et le microcosme, entre le divin et l’humain. Cette symbolique se retrouve dans les tailles respectives de Ganesh, l’éléphant, le plus grand animal terrestre et son vâhana, la souris, un très petit mammifère.

Dans sa représentation, la partie inférieure est la partie humaine et la partie supérieure, la tête, est la partie éléphantine et divine. Il est un homme mais son esprit est à l’image du cosmos, il peut donc, par la puissance de la pensée, écarter les obstacles de l’ignorance et comprendre la nature de l’Univers.Il porte parfois un cobra royal en cordon ou sous forme de ceinture. Quand il est porté sur la tête, c'est un symbole de protection.

Genèse
Les histoires qui expliquent comment Ganesh obtient sa tête sont nombreuses et diverses. Souvent dérivées du Shiva Purâna, elles racontent que Shiva, rentrant d’une longue période de méditation dans l’Himalaya, trouva un jeune homme barrant la porte de sa maison pour l’empêcher d’entrer tandis que Pârvatî prenait son bain. Le jeune homme était le fils que la (demi-)déesse s’était conçu, au moyen de la poussière et des onguents qu’elle avait raclé de sur sa peau, pour lui tenir compagnie durant sa solitude. Furieux de se voir interdire l’entrée de sa maison, Shiva sortit son épée et coupa la tête de son « fils » qui roula au loin et devint introuvable.

S’apercevant de cela, Pârvatî lui raconta toute l’histoire et, inconsolable, exigea qu’il redonne vie à son fils sur le champ. Shiva promit qu’il remplacerait la tête par celle de la première créature qui se présenterait. Un éléphant passa... Par cet acte, et bien que Ganesh ait été conçu sans lui, Shiva assume sa paternité. Cet épisode aurait, selon certains, une symbolique très précise : le fait qu'il faille "trancher la tête" pour accéder à la "Shakti", représentée par Parvati, c'est-à-dire que l'intellect doit se retirer pour contacter l'énergie divine.

Selon une légende tamoule de Kânchîpuram, la tête d’éléphant serait due au fait que lors des ébats ayant conduit à la conception de l’enfant divin, Shiva et Uma (Pârvatî) avaient adopté la forme d’un couple d’éléphants.

Dans une autre histoire, Pârvatî présenta leur fils à Shiva qui ouvrit son troisième œil et transforma sa tête en cendres. Brahmâ demanda alors de remplacer cette tête et comme un éléphant vint à passer...

Pour ce qui est de la défense cassée, on raconte qu’une nuit Ganesh tomba de son rat et se cassa une défense. En voyant cela la lune éclata de rire. Ganesh lui lança alors la défense brisée, et depuis ce jour lors des processions en l’honneur de Ganesh on évite de regarder la Lune.

The Snowman

2007-12-27T07:29:00.000-08:00

The Snowman is a children's book by English author Raymond Briggs, published in 1978. In 1982, this book was turned into a 26-minute animated movie by Dianne Jackson for the fledgling Channel 4. It was first shown on Channel 4 late on Christmas Eve 1982 and was an immediate success. The film was nominated for an Oscar for Best Animated Short in 1983. It has been shown every year since and has become a part of British and international Christmas popular culture. The cartoon version was scored by Howard Blake who wrote both music and lyrics of the song "Walking in the Air" and also composed and conducted the complete orchestral score for the film with his own orchestra, The Sinfonia of London.

The book and film have no words, instead telling the story through picture, action and music. This adds to their charm, as well as making them easy to publish in other languages.

The film's one song, "Walking in the Air," was written specially for it and performed by a St Paul's Cathedral choirboy, Peter Auty.

In a list of the 100 Greatest British Television Programmes drawn up by the British Film Institute in 2000, voted for by industry professionals, the film was placed 71st. It was voted 4th in UKTV Gold's Greatest TV Christmas Moments.

Plot
The Snowman is the tale of a boy who builds a snowman one winter's day. (The day appears to be either Christmas or New Year's Eve, but this is not explicitly stated.) That night, at the stroke of twelve, the snowman comes to life. The first part of the story deals with the snowman's attempts to understand the appliances, toys and other bric-a-brac in the boy's house, all while keeping quiet enough not to wake the boy's parents. The two then venture back outside and go for a ride on a motorcycle, disturbing many animals: pheasants, rabbits, a barn owl, a fox and a brown horse.
In the second part of the story, the boy and the snowman take flight — the song "Walking in the Air" appears at this point — and head towards the Korvatunturi, in Finland. They fly over the boy's town, over houses and large public buildings before flying past a pier and out into the ocean. The boy points out a ship below upon where a party appears to be taking place. On board is a red-haired man wearing a paper crown from a Christmas cracker and brandishing a bottle of brandy who spies them flying by and stares on open-mouthed before glancing inquisitively at the glass bottle. The boy and the snowman are then met by birds who fly by in a flurry of feathers. As they continue their journey they fly past a snow-covered coast as some sheep watch on from the cliffs. A little girl is gazing out of her bedroom window and reacts with joy and wonder when she sees them fly by. She picks up a Christmas card from the window sill beside her and looks at the picture on the front of Father Christmas on his sleigh being pulled by two reindeer. Further along the coast the boy and the snowman encounter a large whale who flicks his tail as they fly by, splashing them with cold oceanic water in the process. Then a dolphin playfully squirts water from its blowhole at the boy. Two penguins in the snow are distracted by the sight above them of a flying snowman and a boy leading them to crash into one another and fall to the ground. The two flyers come to rest at the Korvatunturi after flying through the aurora borealis and "Walking in the Air" comes to an end.

The two wander hand-in-hand into a snow-covered forest. Whilst at the Korvatunturi they attend a snowmen's party, at which the boy is the only human. They meet Father Christmas and his reindeer, and the boy is given a scarf with a snowman pattern.

The story ends after the return journey. Next morning the sun has come out, and the boy wakes up to find the snowman has melted. The viewer begins to wonder if the night's events were all a dream, but the boy discovers that he still has the scarf given to him by Father Christmas.

References in popular culture
The Snowman is also the basis for a commercial for the Christmas Irn-Bru advert in which the slightly edited song tells the story of a boy and a snowman flying though Edinburgh, over Loch Ness, and over Glasgow before The Snowman drops him into the snow near George Square due to the boy not giving the snowman a taste of the drink. Raymond Briggs was unhappy with this use of the character, later stating "It is galling to find that the innocent character one has created for young children is being used to promote junk food and drink, and also to decorate the packaging of lavatory paper." Referring to to the similar use of Paddington Bear in a TV advertisement for Marmite, Briggs added "It seems grotesque that Michael Bond and I have no say in the matter. Furthermore, we are then blamed for the crass exploitation, of which we knew nothing." [2] The Snowman also features in another television advert in Ireland, for the national postal service An Post.

Viz magazine printed a parody of The Snowman, featuring a snowman who was a surly, unshaven drunk who enjoyed horse racing and breaking into cars, accompanied by an eager young boy who he generally disliked.

* * *

Ferris wheel

2007-12-10T04:05:00.000-08:00

A Ferris wheel (also known as a big wheel) is a nonbuilding structure consisting of an upright wheel with passenger gondolas suspended from the rim.

Ferris wheels are a common type of amusement park ride and may also be found at urban parks and public places. Ferris wheels usually hold about 50-100 people.

History
The Ferris wheel is named after Rensselaer Polytechnic Institute graduate and Pittsburgh, Pennsylvania bridge-builder, George Ferris. He began his career in the railroad industry and then pursued an interest in bridge building. Ferris understood the growing need for structural steel and founded G.W.G. Ferris & Co. in Pittsburgh, a firm that tested and inspected metals for railroads and bridge builders.

Ferris designed and built the first 264 foot (80 meter) wheel for the World's Columbian Exposition in Chicago, Illinois in 1893. The wheel was intended as a rival to the Eiffel Tower, the centerpiece of the 1889 Paris exhibition. This first wheel could carry 2,160 persons; The Ferris wheel was the largest attraction at the Columbian Exposition standing over 250' tall and powered by two 1000 HP steam engines. There were 36 cars each the size of a school bus that accommodated 60 people each (20 seated, 40 standing). It took 20 minutes for the wheel to make two revolutions - the first to make six stops to allow passengers to exit and enter; the 2nd a single non-stop revolution - and for that, the ticket holder paid 50 cents. The wheel was moved twice after the 1893 Fair and was eventually destroyed (by controlled demolition) in 1904 after it was used at the St. Louis exposition of that year. At 70 tons, its axle was the largest steel forging of the time. It was 26 stories tall, only a quarter of the Eiffel Tower's height

The Travels of Peter Mundy, 1608-1667 describes and illustrates "Several sorts of Swinginge used in their Publique rejoyceings att their feast of Biram" in the Ottoman Balkans. Among means “lesse dangerous and troublesome” only for children was a Ferris wheel “like a Craine wheele att Customhowse Key” where the passengers swing on short swings, sometimes sitting sometimes hanging trapeze fashion. The illustration here is of a different Turkish design, apparently for adults.

Another famous Ferris wheel with a height of 65 meters (213 feet), dating back to 1897, is the Riesenrad in Vienna's Prater in the second district of Leopoldstadt. It was designed by Hubert Cecil Booth. See also World's Fair...

London, UK had its very own 'Gigantic Wheel' built at Earls Court in 1895, which was modelled on the original one in Chicago. This wheel stayed in service until 1906 by which time it had carried over 2.5 million passengers. It was built by two young Australian engineers named Adam Gaddelin and Gareth Watson and was the first of over 200 Ferris wheels that they built world-wide.

For the 1900 Paris Exposition a 'Grande Roue', of similar size and design to Ferris', was constructed and kept in operation until its demolition in 1937. The French wheel operated 40 cars (as opposed to Chicago's 36), and is clearly visible in photos of the 1900 exhibition. [1]

The London Eye, in London, England, measuring 135 meters high, had until very recently been the world's largest, but has since been eclipsed by the The Star of Nanchang [2]. Located in the Chinese city of Nanchang , Jiangxi Province , this new Ferris wheel measures 162 meters high. The London Eye remains the largest in the Western Hemisphere.

Observation wheels
Main article: Observation wheel
Recent large Ferris wheels have been marketed as "observation" wheels to differentiate them from the smaller Ferris wheels, but ironically are more similar to the original Ferris wheel than the smaller modern wheels.

The London Eye is in London, England. Its great popularity has led to a number of other cities, including Manchester, Birmingham and York (The Yorkshire Wheel), Moscow,Belfast, Nanchang, Las Vegas, Shanghai, Melbourne, Kuala Lumpur and Singapore erecting, or proposing to erect, similar wheels

Double and triple wheels
In the mid to late 1970s, coaster company Intamin AG invented a new twist on the common Ferris wheel. Using long arms to hold the wheels, they created a way to load and unload Ferris wheels more quickly. In 1976, 2 Sky Whirls opened at Marriott's Great America (IL, CA) and were the first triple wheels. Triple wheels were attached to three long arms mounted equal distance in a circle on a central tower. When loading/unloading passengers, the 3 arms would rotate until one arm was at the loading area and hydraulics would bring that arm/wheel to the ground.

A two-arm version titled "Zodiac" was also installed at Kings Island in Ohio as well as Hersheypark in PA titled "Giant Wheel." The double wheels were attached to a long, straight arm. The arm was mounted in the center on a central tower. When the hydraulics lowered one side, the other raised.

The Kings Island Zodiac was relocated to Australia's Wonderland but closed in 2004.

All models featured 8-10 passenger cages. The cages were attached to the wheels by chains. When the wheel was in the loading position, it was horizontal and all cages could be loaded at once. As the arm raised or rotated, the wheel moved to a vertical position and provided a typical Ferris-wheel ride, only much higher from the ground.

Another version of this ride existed at Magic Mountain in California titled "Galaxy." This ride was similar to the Zodiac, except the arms did not raise as far off the ground. The arms on this ride were shaped more in a "V", than a straight line, and the central tower was shorter. On each wheel were 4 smaller wheels that also rotated, providing a double vertical rotating movement.

A fourth version of the ride was installed and removed at Astroworld in Texas titled "Morowheel." It was also similar to the Zodiac model, but had the shorter tower/"V" arm configuration of the Galaxy.

Feu d'artifice

2007-11-30T06:00:00.000-08:00

Un feu d'artifice est un procédé pyrotechnique utilisant des explosifs déflagrants visant à produire du son, de la lumière et de la fumée. Les feux d'artifice sont souvent utilisé dans des spectacles pyrotechniques (fêtes nationales, événements, etc).

Historique
La poudre noire a été rapportée en Europe au XIIIe siècle par Marco Polo, de son long voyage en Chine. Elle a été depuis lors parallèlement utilisée pour la guerre et les fêtes. Jusqu'au XIXe siècle et l'avènement de la chimie moderne, les feux d'artifice étaient principalement jaunes ou blancs. En France, le premier vrai feu a été tiré sur la Place des Vosges, à Paris, alors Place Royale, pour le mariage d’Anne d’Autriche avec Louis XIII.

Principes des feux d'artifice
Les feux d'artifice font du bruit lorsqu'ils explosent, mais c'est principalement leur lumière et leur mouvement qui les rendent si attrayants. Le principe de base des feux d'artifice repose sur la combustion pyrotechnique, dérivé de la poudre noire originelle contenant un composé oxydant — nitrate, chlorate, perchlorate — qui libère de l'oxygène et un composé réducteur — le soufre et le carbone en mélange avec des métaux comme le silicium, le bore, le magnésium et le titane — qui sert de combustible.

Il y a tout d'abord l'incandescence des particules d'oxyde métallique, formées lors de la combustion, dont l'incandescence va du blanc rouge (aux alentours de 1000°C) jusqu'au blanc éblouissant (vers 3000°C). Cette explosion porte à haute température les composés métalliques qui donnent les couleurs.

La technique liée aux feux d'artifice s'appelle la Pyrotechnie.

Les pyrotechniciens créent à chaque fois une mise en scène de couleurs et de rythme, avec parfois de la musique, un thème, ou la création d'un paysage de feu. On ajoute parfois des jets d'eau ou des feux de Bengale.

La forme
Il existe plusieurs sortes de pièces pyrotechniques, chacune produisant un effet qui dépend de la composition ou de la structure de l'explosif. Les bombes, bouquets, embrasements, cascades, soleils ou le bouquet final, sont tous construits à partir du même principe.

Les pièces sont soit propulsées – fusées, à la disposition des amateurs – soit lancées par un mortier – plutôt réservé aux professionnels.

La pièce la plus populaire est la bombe. Elle est constituée d'une charge de poudre pour la propulser (la Chasse) et d'un dispositif d'allumage à retardement (l'espolette) et de billes de poudres (les étoiles). La disposition des étoiles autour de l'allumeur produit des effets différents donnant des pivoines, des palmiers, des marrons d'air et même des saules pleureurs. Aujourd'hui, afin que les bombes s'étalent encore plus dans le ciel, les écarteurs sont renforcés d'une charge explosive, expulsant ainsi les étoiles sur un rayon beaucoup plus grand. Il existe aussi des bombes à plusieurs étages ayant chacune leur compartiment de propulsion et d'étoiles. L'explosion de chaque compartiment allume le dispositif à retardement du compartiment suivant, donnant plusieurs explosions successives.

Le marron d'air ouvre généralement le spectacle. Il produit surtout un très fort bruit d'explosion.

Variante de la bombe, la comète, propulsée à l'aide d'un mortier, produit une traînée incandescente tout au long de sa trajectoire

Risques, dangers, pollutions, précautions
Les feux d'artifices sont assimilables à des explosifs. Des accidents parfois mortels sont régulièrement signalés, ainsi que des incendies de forêts ou des dégâts sur des bâtiments ou des camions, trains ou navires ou des locaux de stockage de feux d'artifice. Par exemple le 22 mars 2006, le porte-conteneurs coréen Hyundai Fortune a dû être évacué après un incendie en face du Yémen dans le golfe d'Aden. Quelques conteneurs emplis de feux d'artifices ont explosé suite à un incendie accidentel, produisant une brèche de 12 mètres dans la coque et expulsant d'autres conteneurs à la mer[1].
Les feux d'artifices contiennent aussi de nombreux produits classés toxiques et/ou polluants. Souvent tirés près de l'eau, leurs fumées pourrait avoir des impacts sur la santé des spectateurs et des écosystèmes, bien qu'il ne semble pas y avoir eu d'études poussées sur cette hypothèse, mais des indices sont apportés par les stations d'alerte et de mesure de la pollution de l'air. Par exemple, l'une des trois plus fortes concentrations horaires (le record) de particules fines (PM) mesurées à Montréal par le RSQA[2] (162 µg/m3) correspondait à une soirée de l’été 2002, où (à 22h) le vent soufflant dans une direction inhabituelle a poussé la fumée d'un feux d'artifice tiré sur l’île Sainte-Hélène vers une station de mesure de la pollution de l'air située à l’Est de Montréal[3]. Certains[4] craignent que des tirs répétés sur les mêmes sites ne finissent par contaminer les sols ou milieux aquatiques. Hafner Rudolf a en décembre 1989 en Suisse déposé une motion devant le parlement, rappelant que Certains composants des feux d'artifice appartiennent aux classes de toxicité 2 et 3 et polluent l'air et le sol et demandant des études et plus de précaution ou de réglementation notamment pour les usages de petits feux d'artifice par le grand public.
Les feux d'artifice sont aussi à l'origine de nuisances sonores en étant de plus en plus utilisés par des particuliers à d'autres occasions que les grandes fêtes nationales.

กำเนิดการชูสองนิ้ว

2007-11-26T07:00:00.000-08:00

การชู 2 นิ้ว หรือที่เรียกกันในภาษาอังกฤษว่า "V sign" นั้น เป็นที่รู้จักกันดีในความหมายของ "ชัยชนะ" คือ V แทนคำว่า Victory อย่างไรก็ตาม การชูสองนิ้วยังหมายถึง "สันติภาพ" และ "การดูถูกท้าทาย" ได้อีกด้วย

โดยหากเราไปแสดงอากัปกริยาด้วยการ ชูสองนิ้วแต่หันฝ่ามือเข้าหาตัวเอง ในสหราชอาณาจักร อย่าง อังกฤษ สกอตแลนด์แล้ว ถือว่าเป็นการแสดงท่าทางดูถูกต่อว่าอีกฝ่ายหนึ่งอยู่ โดยความหมายของการทำเช่นนี้นั้น จะเหมือนกับการที่เราไปทำท่า "ชูนิ้วกลาง" (The Finger) ให้คนอื่นเลยทีเดียว

ส่วนในประเทศสหรัฐอเมริกา การชู 2 นิ้วนั้นจะใช้กันในความหมายที่ว่า เป็นการแสดงสันติภาพมากกว่า โดยเริ่มได้รับความนิยมมาจากการที่ประชาชนออกมาเคลื่อนไหวเพื่อให้เกิดสันติภาพในช่วงทศวรรษที่ 1960

สำหรับประเทศในทวีปเอเชียนั้น ส่วนใหญ่จะใช้กันตอนถ่ายรูปโดยไม่ได้มีความหมายอะไรซ่อนอยู่เลย แต่ในเวลาต่อมา ผู้คนนอกทวีปเอเชียเริ่มหันมาชู 2 นิ้วตอนถ่ายรูปกันมากยิ่งขึ้น อันเป็นผลสืบเนื่องมาจากบรรดาการ์ตูนของญี่ปุ่นที่ไปได้รับความนิยมในประเทศอื่นๆ โดยบางคนเชื่อว่า การที่ชาวญี่ปุ่นนิยมชู 2 นิ้วนั้นต้องการสื่อถึงเรื่องสันติภาพ หลังจากที่ญี่ปุ่นโดนบอมบ์ด้วยระเบิดปรมาณูไป

ทั้งนี้ สำหรับจุดเริ่มต้นของการชู 2 นิ้วนั้นไม่มีการบันทึกเอาไว้อย่างแน่ชัดว่าเกิดขึ้นเมื่อไหร่ กระนั้น เป็นที่เชื่อกันมาอย่างยาวนานว่า จุดเริ่มต้นของการชู 2 นิ้วนั้น เริ่มจากพลธนูชาวเวลส์ ที่ต่อสู่ร่วมกับอังกฤษในการสู้รบที่หมู่บ้านอกินคอร์ต ทางตอนเหนือของฝรั่งเศส เมื่อวันที่ 25 ตุลาคม 1415 อันเป็นส่วนหนึ่งของสงครามร้อยปีระหว่างอังกฤษและฝรั่งเศส ซึ่งมีการกล่าวไว้ว่า ทหารฝรั่งเศสจะตัดนิ้วมือข้างขวาของพลธนูชาวเวลส์ที่ถูกจับตัวได้ไป 2 นิ้ว จนไม่สามารถยิงธนูได้อีก ด้วยเหตุนี้ บรรดาพลธนูชาวเวลส์ที่ยังไม่ถูกจับตัวจึงชูนิ้ว 2 นิ้วเป็นการดูถูกท้าทายทหารของฝรั่งเศส

(( song ))

2007-10-20T06:01:00.000-07:00

Bicyclette

2007-10-20T05:32:00.000-07:00

... มาปั่นจักยานกานเต๊อะพี่น้อง ...

Une bicyclette (aussi appelée un vélo ou bicycle en langage familier au Québec) est un véhicule terrestre composé de deux roues alignées (d'où elle tire son nom). La force motrice est fournie par un humain (le cycliste) en position assise ou couchée, par l'intermédiaire de pédales. La bicyclette est l'un des principaux moyens de transport dans de nombreuses parties du monde. Sa pratique, le cyclisme, constitue à la fois un usage quotidien, un loisir populaire et un sport.

L'ordre de grandeur habituel des vitesses de déplacement à bicyclette est de 16 à 32 km/h. Sur un vélo de course rapide, un cycliste raisonnablement entraîné peut atteindre environ 50 km/h sur un parcours horizontal, durant de courtes périodes. La plus grande vitesse jamais atteinte sur du plat, sans utiliser un écran aérodynamique, fut atteinte par le Canadien Sam Whittingham en 2002, constituant le record du monde avec 130 km/h, sur son vélo couché hautement aérodynamique. Ceci constitue le record toutes catégories pour les véhicules à propulsion humaine.

Par rapport à la marche à pied, le vélo est trois fois plus efficace à effort égal et entre trois et quatre fois plus rapide. On a également calculé qu'en termes de conversion en mouvement de l'énergie issue de la nourriture, il s'agit d'une forme de locomotion plus efficace que celle de n'importe quel organisme biologique (l’organisme biologique le plus efficace au kilomètre est le martinet et le second est le saumon).

Histoire
Il existe plusieurs prétendants à l'invention de la bicyclette ou de son précurseur.

Pierre et Ernest Michaux sont souvent cités, mais un autre Français, le mythique Comte Mede de Sivrac est probablement le plus cité, avec son célérifère daté de 1790. Le baron allemand Karl Drais von Sauerbronn est aussi cité avec sa Laufmaschine ou « machine à courir », qu'il présenta à Paris en 1817(Brevet d'importation français déposé par Louis-Joseph Dineur au nom du Baron Drais le 17/02/1818 : "Machine dite vélocipède").

Les premiers engins opérationnels qui ressemblaient à des bicyclettes furent inventés au début des années 1800.

La Draisienne de 1817 possédait deux roues alignées, reliées à un cadre en bois par des fourches, la roue avant pouvant pivoter latéralement. Cet engin connut un certain succès, en particulier au Royaume-Uni et aux États-Unis. La draisienne et les engins qui lui ressemblaient furent connus sous divers noms, comme hobby horse, dandy horse, biciped ou trottinette.

Elles tenaient plus de cette dernière, dans la mesure où le seul moyen de propulsion était de prendre appui au sol pour fournir une poussée. Dès 1837, Galloux, jeune serrurier parisien, adapte des "manivelles" sur la roue avant d'une draisienne; Pierre Michaux, "serrurier en voiture à façon", reprend et perfectionne en 1855 ou 1861 selon les sources, cette première pédale qu'il appelle "pédivelle" (Brevet français n°80 637 déposé par Pierre Michaux le 24/04/1868 : "Perfectionnement dans la construction des vélocipèdes") et en généralise la fabrication en créant son entreprise en 1865, la "Maison Michaux" qui devient "La compagnie Parisienne" en 1869.

Des engins similaires au vélocipède eurent beaucoup de succès après 1866, lorsque Pierre Lallement, ancien associé de Pierre Michaux, obtint un brevet américain pour une machine qu'il appela « bisicle ». Quelques-uns surnommèrent la machine boneshaker (« secoueuse d'os »), en raison de la conception des roues, en bois cerclées de fer. Les garnitures de roues en caoutchouc dur apparurent en 1869 et améliorèrent sensiblement le confort de l'engin. La roue avant devint plus grande, et la roue arrière diminua de taille. Ce genre de bicyclette connut un succès foudroyant. Le premier grand-bi, appelé Ordinary apparut en 1872. En Angleterre, il fut surnommé Penny Farthing (d'après la taille respective de ces deux pièces de monnaie).

Suite à la Guerre de 1870, un inventeur français eut l'idée d'utiliser les fourreaux de sabre devenus inutiles pour remplacer les tubes pleins. Ceci permit d'alléger considérablement l'ensemble.

En 1884, John K. Starley de la société the Coventry Sewing Machine Company (« société des machines à coudre de Coventry »), qui deviendra Rover, inventa la « bicyclette de sécurité » avec des roues de taille raisonnable et une transmission par chaîne. Le cycliste y est installé à l'arrière, ce qui rend presque impossible la chute de type « soleil » où le cycliste est catapulté par-dessus la roue avant (Brevet anglais n°1 341 déposé par John K. Starley le 30/01/1885 "Improvements in roller bearings for velocipedes, carriages, or like light vehicles or light machinery").

Un engrenage plus grand à l'avant (le plateau) qu'à l'arrière (le pignon) fait tourner la roue arrière plus vite que les pédales ne tournent, ce qui permet à ce type d'engin d'aller vite même sans une roue géante.

John Boyd Dunlop inventa le pneumatique en 1888 (Brevet français n°193281 déposé par John Boyd Dunlop le 1/10/1888 : "Garniture de jante applicable aux roues de véhicules"). Ceci contribua à améliorer encore le confort du cycliste.

Les bicyclettes de sécurité de 1890 ressemblaient déjà beaucoup aux bicyclettes actuelles. Elles avaient des pneumatiques de taille comparable à ceux d'un vélo moderne, des roues à rayons, un cadre en acier et une transmission par chaîne. La seule chose qui leur manquait était un système de changement de vitesses.

Dans les années 1890 ce nouveau modèle de bicyclette a élargi la cible des utilisateurs potentiels. De plus, les bicyclettes devinrent un produit industriel, réduisant leur prix à un point qui les rendait abordables aux ouvriers. Ceci conduisit à une « folie de la bicyclette », qui fut à l'origine d'une évolution sociale importante (voir ci-dessous).

En 1903, naît le Tour de France.

Les systèmes à plusieurs vitesses commencèrent à être utilisés dans les compétitions de vélo dans les années 1930.

Le vélocar apparaît dans les années 1930, vélo couché et ancêtre de la vélomobile.

Les dérailleurs se développèrent durant les années 1950.

Les vélomobiles renaissent à la fin des années 1980.

Dimensions sociale et historique
Sous sa forme à deux roues avec un cadre composé de deux triangles dos à dos, la bicyclette (quasiment identique à celle que nous utilisons maintenant) a procuré aux femmes une mobilité sans précédent, facilitant ainsi leur émancipation. Dans les années 1890 l'engouement pour le cyclisme chez les femmes a été à l'origine de la création d'une mode de vêtements comme les jupes-pantalons qui ont aidé les femmes à se libérer du corset et d'autres vêtements contraignants.

En ville, en Europe, mais surtout en Chine et dans certains pays d'Asie du Sud-Est, les bicyclettes ont réduit la concentration de population du centre-ville en donnant aux travailleurs un moyen d'effectuer des déplacements pendulaires entre des habitations individuelles en banlieue proche et les lieux de travail de la ville. Le recours aux chevaux a également diminué dans la même période. La bicyclette, combinée aux congés, permit aux gens de voyager dans leur pays d'origine, avec une grande autonomie, et sans polluer et occuper autant d'espace qu'avec la voiture.

La bicyclette a été utilisée par différentes armées dans des régiments d'infanterie cycliste.

D'un point de vue historique, le développement de la bicyclette moderne a eu deux implications majeures.

Premièrement, la fabrication industrielle des bicyclettes avec cadre en double triangle dos à dos a nécessité la mise au point de techniques avancées de travail du métal pour la production des cadres, et de composants comme le roulement à billes et les engrenages. Ces techniques ont permis plus tard de développer des pièces mécaniques qui furent utilisées dans les premières automobiles et en aéronautique. Un exemple d'une telle évolution est celui des frères Wright, qui ont fait leurs débuts en tant que fabricants de bicyclettes.

La seconde implication du développement de l'usage du vélo fut l'organisation sur le plan politique des cyclistes et des amateurs de bicyclette, sous forme de groupes de pression, pour promouvoir auprès des institutions la création d'un réseau routier revêtu, bien entretenu et cartographié.

Tant le modèle d'organisation de ces groupes de pression que celui des routes elles-mêmes facilita plus tard le développement de l'usage d'un autre véhicule à roues : l'automobile. Dans certaines sociétés occidentales, la bicyclette fut reléguée après la Seconde Guerre mondiale au rang de jouet pour les enfants, et il en fut ainsi durant plusieurs années, notamment aux États-Unis. Dans certains pays occidentaux, en particulier aux Pays-Bas et en Allemagne, la bicyclette continua d'être utilisée couramment comme moyen de transport.

Toutefois, l'intérêt pour le vélo s'est progressivement accru dernièrement, principalement pour son usage en tant qu'instrument de remise en forme, de loisir et de sport de compétition. De plus, une proportion croissante de la population l'utilise comme un moyen de transport pour de courtes distances, surtout dans des villes densément peuplées où la circulation est congestionnée, et où les coûts d'usage et de stationnement de l'automobile comme la demande en qualité environnementale ont rendu l'usage de l'automobile moins intéressant. Cette tendance s'est accélérée avec le processus de vieillissement de la population des banlieues proches de nombreuses villes. De plus en plus de villes construisent maintenant des aménagements cyclables comme des pistes ou des bandes cyclables le long des rues, pour faciliter et favoriser l'usage du vélo tant comme moyen de locomotion au quotidien que comme loisir. Des tableaux comparatifs restent à publier.

La bicyclette est toujours l'un des véhicules individuels les plus utilisés dans de nombreux pays en voie de développement. L'image de la ville asiatique fourmillant de vélos est un cliché fréquemment rencontré, bien qu'en réalité la bicyclette ait tendance à y avoir de moins en moins de succès.

Selon le magazine The Economist, l'une des raisons principales de la prolifération de bicyclettes fabriquées en Chine sur les marchés extérieurs à ce pays serait la tendance des Chinois à préférer de plus en plus l'automobile et les deux-roues motorisés.

En France, notamment dans les grandes villes, et comme dans les pays qui utilisent beaucoup le vélo, le vol est assez fréquent, ce qui a conduit à la mise en place de meilleurs moyens d'anti-vols. Ainsi aux Pays-Bas (comme en France, en Scandinavie et en Allemagne) une institution vérifie la fiabilité des anti-vols [2].
D'autres moyens de transport tentent de s'adapter à la cohabitation avec la bicyclette en fournissant des moyens favorisant la complémentarité des modes : système de transport de vélos sur les bus, dans les trains, etc. Pour réduire les risques de vol, de nombreux parcs à vélos s'équipent d'arceaux ou de mini-garages à vélos (consignes à vélo).

อาจารย์ศิลป์ พีระศรี

2007-09-26T11:42:00.000-07:00

ศาสตราจารย์ ศิลป์ พีระศรี
ครูศิลป์ชาวอิตาลีที่คนไทยควรรู้จัก

ศาสตราจารย์ศิลป์ พีระศรี นามเดิมว่า คอร์ราโด เฟโรจี (Professor Corrado Ferocil) เป็นชาวนครฟลอเรซ์ ประเทศอิตาลี เกิดเมื่อวันที่ 15 กันยายน พ.ศ. 2435 (และได้รับการกำหนดให้เป็นวัน ศิลป์ พีระศรี) ณ ตำบล San Giovanni บิดาชื่อ นาย Artudo Feroci มารดาชื่อ นาง Santina Feroci มีอาชีพค้าขาย

เข้าศึกษาในระดับชั้นประถมเมื่อปี พ.ศ. 2441 ภายหลังจบหลักสูตร 5 ปี เข้าศึกษาในโรงเรียน มัธยมอีก 5 ปี และเนื่องจากชื่นชอบศิลปะมาตั้งแต่วัยเยาว์ โดยเฉพาะผลงานของ ไมเคิล แองเจโล ประติมากรเอกของโลกซึ่งเป็นชาวฟลอเรนซ์เช่นกัน จึงตัดสินใจศึกษา ต่อทางด้านศิลปะใน โรงเรียนราชวิทยาลัยศิลปะแห่งนครฟลอเรนซ์

จบหลักสูตรวิชาช่าง 7 ปี รับประกาศนียบัตรช่างปั้น ช่างเขียน ต่อมา เข้าสอบคัดเลือกรับ ปริญญาบัตร เป็นศาสตราจารย์ ได้รับเกียรตินิยม อันดับหนึ่งจากจำนวนผู้เข้าสอบทั้งหมด มีความรอบรู้ทางด้านประวัติศาสตร์ศิลป์วิจารณ์ศิลป์ และปรัชญา โดยเฉพาะมีความสามารถทาง ด้านศิลปะ แขนงประติมากรรม และจิตรกรรม ซึ่งในขณะนั้นมีอายุเพียง 23 ปี

ในสมัยหนึ่ง รัชกาลที่ 6 มีพระประสงค์จะหาช่างปั้นมาช่วยปฎิบัติราชการเพื่อฝึกฝนให้คนไทย สามารถปั้นรูป ได้อย่างแบบตะวันตก และมีความรู้ถึงเทคนิคต่าง ๆ ในงานประติมากรรมด้วย จึงได้ติดต่อกับรัฐบาลอิตาลี ขอคัดเลือกนักประติมากรที่ชื่อเสียง เพื่อเข้ามาปฎิบัติราชการ กับรัฐบาลไทย

ศาสตราจารย์คอร์ราโด เฟโรจี ได้ทราบข่าวจึงยื่น ความจำนง พร้อมภาพถ่ายผลงานเข้าคัดเลือก เพื่อแข่งขันกับศิลปินอิตาเลียน จำนวน 200 คน และในที่สุดก็ได้รับเลือก รัฐบาลไทยรับ ศาสตราจารย์คอร์ราโด เฟโรจี เข้าเป็นข้าราชการ ในตำแหน่ง ช่างปั้นกรมศิลปากร กระทรวงวัง เมื่อวันที่ 14 มกราคม พ.ศ. 2466 เมื่ออายุย่างเข้าวัย 32 ปี โดยได้รับเงินเดือนเดือนละ 800 บาท ค่าเช่าบ้าน 80 บาท

ต่อมาใน ปี พ.ศ. 2469 ศาสตราจารย์ คอร์ราโด เฟโรจี ได้ดำรงตำแหน่งเป็นอาจารย์ ช่างปั้นหล่อ แผนกศิลปากรสถานแห่งราชบัณฑิตยสภา ได้รับเงินเดือนเดือนละ 900 บาท แล้วย้ายมาเป็น ช่างปั้น สังกัดอยู่ในกองประณีตศิลปกรรม กรมศิลปากร กระทรวงธรรมการ

ราวปีพ.ศ. 2477 เนื่องจากทางราชการเห็นความสำคัญของการศึกษาศิลปะตามแนวตะวันตก จึงได้ขอให้ ศาสตราจารย์คอร์ราโด เฟโรจี เป็นผู้วางหลักสูตรการศึกษาให้มีมาตรฐานเดียวกัน กับโรงเรียนศิลปะในยุโรป ท่านจึงเริ่มวางหลักสูตรวิชาจิตรกรรม และประติมากรรม ขึ้นในระยะเริ่มแรกชื่อ "โรงเรียนประณีตศิลปกรรม" (ซึ่งต่อมา โรงเรียนประณีตศิลปกรรม ได้เปลี่ยนชื่อไปเป็น "โรงเรียนศิลปากรแผนกช่าง" ในปี 2480

โดยศาสตราจารย์ คอร์ราโด เฟโรจี ได้วางหลักสูตรอบรมกว้าง ๆ และทำการสอนให้แก่ผู้ที่สนใจ ในวิชา ประติมากรรมทั้งภาคทฤษฏี และภาคปฎิบัติ โดยผู้ได้รับการอบรมรุ่นแรก ๆ ส่วนมากสำเร็จการศึกษามาจากโรงเรียนเพาะช่าง อาทิ สาย ประติมาปกร, สุข อยู่มั่น, ชิ้น ชื่อประสิทธ์, สวัสดิ์ ชื่นมะนา และแช่ม แดงชมพ ผู้ที่มาอบรม ฝึกงานกับศาสตราจารย์คอร์ราโด เฟโรจี (สมัยนั้นเรียกกันว่า "อาจารย์ฝรั่ง") ไม่ต้องเสียค่าใช้จ่าย และค่าธรรมเนียมใด ๆ ทั้งสิ้น เพราะทางราชการมีนโยบายส่งเสริม ช่างปั้น ช่างหล่อ ให้มีคุณภาพ และมีมาตรฐาน

ซึ่งต่อมาบุคคลเหล่านี้ได้มาเป็นผู้ช่วยช่าง และบางคนก็เข้ารับราชการ ช่วยแบ่งเบาภาระงาน และช่วยทำให้กิจการปั้นหล่อของ กรมศิลปากร เจริญขึ้นอย่างรวดเร็ว

และการเริ่มเปิด สอนศิลปะของศาสตราจารย์คอร์ราโด เฟโรจี ให้แก่ข้าราชการ และคนไทย ที่รักทางช่างศิลป นี้เอง เป็นผลให้ประเทศไทยมีช่างศิลปที่สามารถทำงานได้ตามความ ต้องการของทางราชการ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2480 เป็นต้นมา
ในช่วงปลายสงครามโลกครั้งที่ 2 (ในช่วงปี 2485) ประเทศอิตาลี ยอมแพ้แก่ฝ่ายพันธมิตร เป็นผลให้ชาวอิตาเลียนในประเทศไทย ต้องตกเป็นเชลยของเยอรมันกับญี่ปุ่น รัฐบาลไทยจึงขอ ควบคุม ตัวศาสตราจารย์ คอร์ราโด ไว้เอง จากนั้นหลวงวิจิตรวาทการ ได้ดำเนินการขอโอน สัญชาติจากอิตาเลียน มาเป็นสัญชาติไทย และเปลี่ยนชื่อให้เป็น "นายศิลป์ พีระศรี" เพื่อคุ้มครองไว้ไม่ให้ต้องถูกเกณฑ์ ไปเป็นเชลยศึกให้สร้าง ทางรถไฟสายมรณะและสะพานข้าม แม่น้ำแคว เมืองกาญจนบุรี

ผลงานออกแบบ และประติมากรรมของท่านมีจำนวนมากมาย เช่น

- อนุสาวรีย์พระพุทธยอดฟ้าจุฬาโลก ร. 1 ขนาด 3 เท่าของพระองค์ ที่เชิงสะพานพุทธฯ
- อนุสาวรีย์ท้าวสุรนารี จังหวัดนครราชสีมา

- อนุสาวรีย์ของสมเด็จพระมงกุฎเกล้าเจ้าอยู่หัว สวนลุมพินี

- อนุสาวรีย์พระเจ้าตากสินมหาราช วงเวียนใหญ่

- อนุสาวรีย์สมเด็จพระนเรศวรมหาราช อำเภอดอนเจดีย์ สุพรรณบุรี

- พระพุทธรูปพระประธานในพุทธมณฑล จังหวัดนครปฐม

- ประติมากรรมที่อนุเสาวรีย์ชัยสมรภูมิ อนุเสาวรีย์ประชาธิปไตย และอนุเสาวรีย์อื่น ๆ เป็นต้น

และงานชิ้นสุดท้ายซึ่งยังไม่ทันเสร็จก็ถึงแก่กรรมเสียก่อน คือ งานปั้นพระบรมรูปพระบาทสมเด็จเพระเจ้าอยู่หัวภูมิพลอดุลยเดช

และงานทางด้านวิชาารชิ้นสุดท้ายคือ การวินิจฉัยจิตรกรรมฝาผนังสกุลช่างนนทบุรี

ศาสตราจารย์ ศิลป์ พีระศรี ถึงแก่กรรมที่โรงพยาบาลศิริราช เมื่อปี พ.ศ. 2505 รวมสิริอายุได้ 70 ปี

แม้ว่าท่านจะจากไปนานแล้วก็ตาม แต่ผลงานและคำสอน ของท่านยังคง อยู่ในความทรงจำ ของชาวศิลปากร ซึ่งท่านเป็นผู้ก่อตั้งวางรากฐานมหาวิทยาลัยมาแต่แรกเริ่ม บรรดาลูกศิษย์ ทั้งรุ่นแรก ๆ และรุ่นหลังต่างกล่าวเป็นเสียงเดียวกันว่า

"อาจารย์ฝรั่ง" ผู้นี้ นอกจากเป็น อาจารย์ผู้ตั้งใจ และมุ่งมั่นในการประสิทธิ์ประสาทความรู้ทางด้านศิลปให้กับศิษย์ ทุกคนอย่างไม่มีปิดบัง หรือหวงวิชาใด ๆ แล้ว ยังเป็น "ครู" ผู้อุทิศกายใจ ดูแล เอาใจใส่ เพื่อชี้แนะ ทั้งวิถีการดำรงชีวิต และแนวทางศิลป์ที่ถูก ที่ควรให้กับศิษย์ทุกคนอีกด้วย

ศาสตราจารย์ ศิลป์ พีระศรี จึงนับเป็นปูชนียบุคคลคนหนึ่งของไทย ที่ได้สร้างคุณูปการ ในทางศิลปะ จนเป็นที่รู้จักกว้างขวาง และคนไทยรุ่นหลังควรได้รู้จัก

มีคำบอกเล่าเกี่ยวกับแนวคิด การทำงาน และความทุ่มเทชีวิตต่อศิลปะ และราชการไทยของ อาจารย์ศิลป์ โดยลูกศิษย์หลายต่อหลายคน ไว้ในหนังสือ "อาจารย์ศิลป์กับลูกศิษย์"

ไว้อย่างน่าสนใจ อาทิเช่น คำบองเล่าของ เขียน ยิ้มศิริ ศิษย์รุ่นแรกของศาสตราจารย์ศิลป์

"...อาจารย์ศิลป์ เป็นคนตรงต่อเวลามาก และใช้เวลาให้เป็นประโยชน์ต่อราชการไทยจริง ๆ แม้ถึงเวลารับประทานอาหารกลางวันท่านก็ไม่ออกไปข้างนอก ท่านเอาอาหารมาจากบ้าน รับประทานเสร็จ พักผ่อนเพียง 15 นาที แล้วก็ทำงานต่อไป ไม่มีหยุดพักดื่มน้ำชา อย่างชาวยุโรปทั่วไป ดื่มแต่น้ำเปล่าเมื่อเวลากระหายเท่านั้น อุปนิสัยเช่นนี้ ส่อให้เห็นว่า ท่านเป็นผู้มีความตั้งใจจริงต่อการทำงาน และมีความสำนึกในความรับผิดชอบอย่างสูง...”
์
"...เมืองไทยก่อนตกอยู่ในเงื้อมมือของภัยสงคราม ได้มีการจัดงานฉลอง รัฐธรรมนูญกันเป็นประจำ ศาสตราจารย์ศิลป์ได้แนะนำให้รัฐบาลจัดงานประกวดภาพเขียน ภาพปั้น ส่งเสริมหลักหกประการ และความสำคัญของการมีรัฐธรรมนูญแห่งชาติไทย นับว่าท่านมิได้ ทำงานเฉพาะที่ได้รับมองหมายเท่านั้น แต่ยังได้ทุ่มเทชีวิตจิตใจ และความคิดที่จะส่งเสริม ให้เกิดการตื่นตัวในการศึกษา และนิยมงานศิลปในหมู่ศิลปิน และประชาชนทั่วไป อาจกล่าวได้ว่า ความคิดของท่านเป็นทางหนึ่งของการเผยแพร่งานศิลป สมัยปัจจุบันของศิลปินไทย ซึ่งทำให้เกิด มีงานแสดงศิลปกรรมแห่งชาติขึ้นเป็นประจำอยู่ทุกวันนี้...”

"...การปฏิบัติหน้าที่ราชการในแก่รัฐบาลไทยนั้น ศาสตราจารย์ศิลป์มิได้มุ่งหน้า แต่จะนำเอาหลักการ และความชำนิชำนาญในแบบอย่างของศิลปตะวันตกมาอบรมสั่งสอน และส่งเสริมให้เกิดความนิยมในหมู่คนไทยเท่านั้น แต่ท่านได้ศึกษาศิลปของไทยด้วย สิ่งที่ท่านได้ค้นพบจากการค้นคว้าของท่าน

ไม่ว่าจะเป็นเรื่องที่เกี่ยวกับ วิวัฒนาการของงานศิลปชนเผ่าไทย ในยุคต่าง ๆ หรือเกี่ยวกับคุณค่า และลักษณะศิลป ในรูปแบบต่าง ๆ ของไทยก็ตาม ท่านได้พยายามที่จะถ่ายทอดให้แก่ผู้อื่น และสนับสนุนให้คนไทยสนใจศึกษา และเห็นคุณค่าศิลปประจำชาติ พยายามรักษษไว้มิให้ สูญสลายไป

ท่านได้เขียนบทความเกี่ยวกับศิลป ของไทยไว้เหลายเรื่อง รวมทั้งบทความ ที่จะเป็นการชี้ให้เห็นถึงคุณค่าต่อจิตใจ และประโยชน์ของศิลปที่มีแก่สังคม อีกมาก อาจกล่าวได้โดยมิผิดพลาดว่า ศาสตราจารย์ศิลป์ พีระศรี ได้ทุ่มเททั้งกาย และวิญญาณเพื่อ เสริมสร้าง ฟื้นฟูความนิยมในศิลปให้เกิดขึ้นในหมู่ชาวไทย อย่างยากที่จะหาใครเปรียบได้ ท่านเกิดมาเพื่อเมืองไทยโดยแท้ แม้มิได้มีสายเลือดเป็นคนไทย...”

หรือจากคำบอกเล่าของศิษย์รุ่นหลัง ๆ ที่ว่า

"....ศาสตราจารย์ศิลป์ พีระศรี ท่านให้การอบรมแก่ศิษย์ทั้งภาคทฤษฎี และปฏิบัติโดยมิได้ เหน็ดเหนื่อย เป็นผู้ที่มีความขยันขันแข็ง ท่านมาทำงานแต่เช้าก่อนเวลา 8.00 น. และกลับบ้าน หลังเวลา 18.00 น. ทุกวัน ตั้งใจถ่ายทอดวิชาอย่างจริงจัง ทำให้ศิษย์ทุกคนมีความขยัน หมั่นเพียร ใครเกียจคร้านท่านจะไม่พูดด้วย ท่านชอบที่อยู่ใกล้ศิษย์เสมอ ปกตินอกจากท่าน จะมิเคยลาป่วย หรือลาหยุดแล้ว ในทางตรงกันข้ามยังมาทำงานตั้งแต่เช้ายันค่ำ

ท่านทำงานไม่หยุด ทั้งงานประติมากรรม อนุสาวรีย์ของส่วนราชการ และงานสอนที่ท่านทุ่มเท ท่านเคารพต่อราชการ ไม่เคยใช้เวลาราชการและไม่เคยทำงานพิเศษเป็นส่วนตัวแสวงหา รายได้เพื่อเลี้ยงชีพเพิ่มพูนรายได้นอกจากเงินเดือนราชการ ความขยันหมั่นเพียร ของท่าน ควรค่าแก่การเคารพ ในเกียรติยศ ของท่าน...”

และเพื่อเป็นอนุสรณ์แก่ ศาสตราจารย์ศิลป์ พีระศรี ผู้เป็น "บิดาแห่งศิลปะสมัยใหม่ของประเทศไทย" พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติ ศิลป์ พีระศรี อนุสรณ์ จึงถูกจัดตั้งขึ้น โดยตัวตึกตั้งอยู่ด้านซ้ายของอาคาร ที่ทำการกรมศิลปากร ซึ่งในอดีตเป็นสถานที่สำหรับ ใช้ทำงานศิลปะ และสอนนักศึกษา

ปกติแล้ว วันที่ 15 กันยายน ในสมัยที่ศาสตราจารย์ศิลป์ ยังมีชีวิตอยู่ จะถือเป็นวันที่ศิษย์โรงเรียน ศิลปศึกษาทุกคนต่างรอคอย เพราะคือโอกาส การได้ร่วมงานวันเกิด ของผู้เป็นครูศิลป์ ที่บ้านพัก ของท่าน ซอยสายลม ถนนพหลโยธิน ศาสตราจารย์ศิลป์ จะอยู่ร่วมงาน เล่านิทาน ร้องเพลง และหยอกล้อกับศิษย์ดังปฏิบัติต่อลูกหลาน

จวบจนปัจจุบัน วิทยาลัยช่างศิลป สำนึกในบุญคุณของท่านผู้ริเริ่มวางรากฐาน และก่อตั้งวิทยาลัย ช่างศิลป จึงได้จัดกิจกรรมรำลึกศาสตราจารย์ศิลป์ พีระศรี ในวันเกิดของท่านคือ วันที่ 15 กันยายน มาตลอดทุกปี และตั้งเป็นวัน "ศิลป์ พีระศรี" เพียงแต่วันนี้ไร้ ร่างเจ้าของวันเกิด เหลือไว้ก็แต่คำสอน และสถานศึกษาศิลปะ ตลอดจนคุณความดีที่ไม่มีใครลืม “ศิลปะยืนยาว ชีวิตสั้น”

Vincent van Gogh

2007-09-10T09:19:00.000-07:00

Vincent van Gogh (30 mars 1853 à Groot-Zundert aux Pays-Bas - 29 juillet 1890 à Auvers-sur-Oise) est un peintre et dessinateur néerlandais.

Son œuvre, presque inconnue à sa mort, annonce le fauvisme et l'expressionnisme.

Biographie
Sa jeunesse
Vincent van Gogh est le fils d'un pasteur calviniste, il naît le 30 mars 1853 à Groot-Zundert, un petit village néerlandais dans l'ouest du Brabant-Septentrional.Sa mère, Anna-Cornélia Carbentus, est la fille d'un relieur de la cour. La famille Van Gogh est d'ancienne bourgeoisie, déjà notable au XVIe siècle et XVIIe siècle. Vincent est l'aîné de six enfants. C'est "Théo", de quatre ans plus jeune que lui, qui a la préférence et deviendra plus tard le précieux soutien moral et financier que révélera leur correspondance.

Son oncle, qui est associé à la galerie d'art Goupil & Cie, l'y fait entrer en 1869. Il travaille à La Haye, puis à Londres et à Paris, avant son licenciement en 1876. Il se sent alors appelé par une vocation spirituelle et commence des études de théologie qu'il abandonne pour devenir prédicateur laïc. Il obtient une mission d'évangéliste en Belgique, auprès des mineurs du Borinage, dans la région de Mons. Il y devient un prédicateur solidaire des luttes contre le patronat.

Sa traversée du Borinage commença à Pâturages, en 1878. Il y est accueilli par un pasteur qui l'installa chez un colporteur au n° 39 de la rue de l'Église. Il part ensuite pour Wasmes, dans une maison que très vite, il jugera trop luxueuse et qu'il ne tardera pas de quitter pour une cabane. Il consacre tout aux mineurs et à leur famille. Il va même jusqu'à descendre à 700 mètres dans les fosses. Lors d'un coup de grisou, il sauve un mineur. Mais ses activités ne tardent pas à être désapprouvées, on n'accepte pas sa fonction de « prêtre ouvrier » et cela le choque. Il s'installa ensuite à Cuesmes, dans la maison située au n° 3 de la rue du Pavillon. Accusé d'être un meneur, Vincent Van Gogh échoue mais il gardera l'image de la misère humaine et une partie de son œuvre montre la condition des plus humbles.

Le peintre
Van Gogh commence son apprentissage en copiant des lithographies et des gravures sur bois en s’inspirant des œuvres de Millet, artiste pour lequel il conserva jusqu’à la fin une véritable vénération. Il est soutenu matériellement par Théo, alors employé de Goupil à Bruxelles puis, à partir de 1873 à La Haye. En 1881, à Etten, où ses parents résident, il dessine des portraits, des sujets paysans d’après nature mais surtout des paysages d’une grande richesse calligraphique et dignes de la tradition extrême-orientale. Il étudie le dessin à Anvers et commence la peinture à l'huile, en 1882.

En conflit familial avec son père qui finit par le chasser de sa maison, et victime d’un second échec sentimental, Vincent s’installe un temps à La Haye. Il y reçoit des leçons de peinture de son cousin Anton Mauve et pratique alors essentiellement l’aquarelle et étudie la perspective. Les vingt mois qu'il passe à La Haye (entre 1882 et 1883) semblent décisifs pour l’artiste, où il réalise sa volonté de rompre avec les conventions morales de son milieu social, et son impossibilité de mener une existence normale. De nombreuses lectures, Honoré de Balzac, Victor Hugo, Émile Zola ou encore Charles Dickens, viennent enrichir sa vision du monde, et le renforcent dans ses convictions sociales.

De septembre à décembre 1883, Vincent séjourne en solitaire dans la province de Drenthe, au nord des Pays-Bas, où il s'acharne à travailler pour accomplir sa destinée de peintre. C'est l'unique remède qu’il trouve à un profond sentiment de détresse. Au terme de cette nouvelle expérience, il décide de rejoindre sa famille installée depuis peu à Nuenen, dans le Brabant-Septentrional, dans le presbytère paternel.

C'est dans ce petit village du Brabant que le talent de Van Gogh va définitivement se révéler, de puissantes études de paysans au travail à la pierre noire, mais également quelque deux cents tableaux à la palette sombre, et aux coups de brosse expressifs, viennent alors confirmer son talent de dessinateur et de peintre, et aboutissent aux Mangeurs de pommes de terre, œuvre majeure qui révèle sa sensibilité inquiète et véhémente. Techniquement son œuvre présente encore bien des maladresses, néanmoins la période de Nuenen est rachetée par une inspiration sincère et sa volonté d'un témoignage humain exemplaire, révélateurs des idéaux de Van Gogh et de sa problématique intérieure. À cette même époque, Zola était critique d'art et Joris-Karl Huysmans se rêvait peintre.

À Anvers de nouveau (de novembre 1885 à février 1886), il est impressionné par les Rubens et à la révélation des estampes japonaises, qu’il commence à collectionner dans cette ville. C’est aussi dans la capitale flamande que l'artiste inaugure sa fameuse série d’autoportraits, sur le registre de l’humour macabre.

Disneyland Paris

2007-09-02T04:25:00.000-07:00

Le Parc Disneyland ou Disneyland Park[1] est un parc à thèmes de la Walt Disney Company situé en France, en Seine-et-Marne à Marne-la-Vallée, qui a ouvert ses portes le 12 avril 1992. Il fait partie du complexe de loisirs Disneyland Resort Paris anciennement Euro Disney Resort.

Le parc à thèmes s'est d'abord appelé Euro Disneyland jusqu'en 1994 puis Disneyland Paris jusqu'en 2002 où il acquis son nom actuel de Parc Disneyland. Ces changements successifs de nom symbolisent aussi la difficulté du parc à trouver son identité et sa fréquentation. Le parc n'appartient pas directement à la Walt Disney Company mais à Euro Disney Associés SNC détenu par Euro Disney SCA.

Le nom Disneyland Paris, utilisé par la majorité des fans, reste toutefois le plus explicite pour le différencier des autres Royaumes enchantés de Disney.

Il s'agit du deuxième site touristique le plus visité en France, après Notre-Dame de Paris, avec 12,2 millions de visiteurs par an.

Main Street USA
Située derrière la gare du Disneyland Paris Railroad, c'est la rue principale du parc avec des boutiques et des restaurants. Le visiteur arrive sur la place de Town Square. Le thème est plus récent de 10 ans par rapport à Disneyland, d'où la présence de lampes électriques au bout de la rue. Un élément insolite est l'utilisation de la silhouette de la gare ferroviaire de Disneyland pour la façade du bâtiment située à droite sur Town Square et qui sert de garage et écurie pour les véhicules de Main Street.

L'Emporium se situe comme dans les autres parcs Disney à gauche et le photographe à droite. Ensuite les boutiques s'agencent comme dans les autres parcs. Un fait intéressant montrant l'attention portée à l'art culinaire est la présence d'un restaurant à chaque angle des deux derniers blocs des la rue. Le Walt's et le Market House Deli au niveau de la rue transversale puis le Casey's Corner (à gauche) et le Victoria's Home-Style Restaurant (ex Gibson Girl Ice Cream Parlour) (à droite) avec leurs terrasses sur la grande place du Château.

Au bout de l'avenue se situe Central Plaza, la place centrale du parc. En temps normal, un parterre de fleurs décore le centre du "rond point". A Noël, une scène recouvre le parterre, et sur les parterres au alentours, une boule de Noël géante et transparente est posée sur de la fausse neige, sur chaque parterre : Central Plaza est renommée pour l'occasion en Jardin des Contes. Durant la saison intitulée Magie de l'Eté, un gros logo représentant Jiminy Cricket est installé (sauf durant l'été 2007). Lors de la saison d'Halloween, une citrouille géante (qui est en fait un centre de maquillage) est posée. Cette année, à l'occasion du 15ème anniversaire de Disneyland Resort Paris, une scène (similaire à celle du Jardin des Contes) dorée sera installée pour la Bougillumination.

Mais le pays est aussi unique car c'est le seul Main Street où l'on peut passer derrière les boutiques. De chaque côté de la rue se trouve une rue couverte : à gauche la Liberty Arcade et la Discovery Arcade à droite côté Discoveryland.

Frontierland
Ce pays est celui du Far West. Le visiteur est invité à découvrir la vie dans la ville minière de Thunder Mesa. Les attractions de ce pays sont donc toutes des lieux de cette ville.

L'entrée se fait par le Fort Comstock, un fort en rondin qui sert aussi d'exposition sur Davy Crockett, Legends of the Wild West . Sur la gauche se trouve le saloon hébergeant le spectacle de The Lucky Nugget Saloon et le Last Chance Cafe. Sur la droite, le General Store appelé Thunder Mesa Mercantile Building côtoient trois boutiques d'articles liés au Far West.

Derrière une petite place s'ouvre les Rivers of the Far West. Deux chemins longent les rives de cette rivière. Celui de gauche mène à la maison hantée, Phantom Manor.

Sur le chemin du manoir se trouve l'embarcadère de Thunder Mesa Riverboat Landing à partir duquel on peut naviguer sur la rivière à bord d'un des deux bateaux à aubes, Molly Brown ou Mark Twain. Plus loin au bord de la rivière un petit cimetière au pied de Phantom Manor offre une vue magnifique sur la montagne de Big Thunder Mountain mais aussi sur un ensemble rocheux inspiré des concrétions sulfuriques entourant les geysers comme à Yellowstone. Un squelette de dinosaure (vraisemblablement un allosaure) et deux geysers agrémentent les bassins d'eau aussi surnommés pieds de mammouths.

Sur une île au milieu de la rivière s'élève la Big Thunder Mountain figurant la mine de Thunder Mesa. Il est nécessaire pour embarquer à bord du Big Thunder Mountain Railroad qui est une montagne russe (taille minimale: 1,02 m) de longer la rivière par le chemin de droite. Le visiteur peut également s'arrêter à la Rustler Roundup Shootin' Gallery juste avant l'entrée de la mine pour s'entraîner au tir à la carabine.

Face à l'entrée de la mine, l'atmosphère change et évoque le Mexique avec le restaurant Fuente del Oro Restaurante. Ce lieu servit à l'ouverture du parc de scènes pour des apparitions de Zorro.

Le chemin continue en contournant l'entrée de la mine jusqu'au fin fond de Frontierland où se trouve le Frontierland Depot du Disneyland Paris Railroad. Le long du chemin le visiteur trouvera une grange hébergeant le Cowboy Cookout Barbecue, puis un petit sentier menant au Pueblo Trading Post et au Pocahontas Indian Village, aire de jeu construite en 1996 au bord de la rivière à côté de l'ancien embarcadère des Indian Canoes, disparu en 1994. Plus loin au pied de la gare Frontierland Depot, le Critter Coral est un semblant de ferme éducative pour les enfants ; en face le Chaparral Theater propose différents spectacles comme Tarzan, la rencontre durant la saison estivale et Mickey et la Magie de l'Hiver en automne et en hiver.

Adventureland
Cette partie du parc a pour thème l'aventure exotique. L'entrée se fait depuis la place centrale par Adventureland Bazaar. C'est un souk inspiré des Contes des Milles et Une Nuit et des aventures de Simbad le marin. Son contenu changea plusieurs fois depuis sa construction. À l'origine, une ruelle pleine d'objets artisanaux et trois boutiques : La reine des serpents, L'échoppe d'Aladin et Les trésors de Scheherazade ; puis transformation de La reine des serpents en salon de thé en 1996, puis création du restaurant Agrabah Café en 1999, emblobant la ruelle et L'échoppe d'Aladin. En face une petite attraction sur Aladdin, le Passage enchanté d'Aladdin, a ouvert ses portes en 1994. Le parc Disneyland Paris est le seul à avoir avec ce souk une section sur le Moyen-Orient en dehors de l'Arabian Coast de Tokyo DisneySea (EPCOT possède aussi un pavillon du Maroc).

Face au bazar, la boutique la Girafe Curieuse évoque l'Afrique et un petit pavillon accueille le Café de la Brousse. Le thème est complété un peu plus loin par le restaurant Aux épices enchantées rebaptisé Hakuna Matata en 1995 .

Le reste du land s'articule autour de la rivière encerclant les deux îles d'Adventure Isle.

L'île sud est surmontée par le gigantesque Disneyodendron (arbre) de la Cabane des Robinson, d'après le film sur les robinsons suisses. Sous l'arbre, un réseau de galeries nommé Le Ventre de la Terre

De l'autre côté de l'île se trouve le restaurant Colonel Hathi's Pizza Outpost,dont le nom d'origine est Explorer's club, qui est une tentative de réutilisation du concept développé pour les Enchanted Tiki Room mais sans la partie attraction. À côté de ce restaurant fut ajoutée en 1994 la première montagne russe avec un looping, Indiana Jones et le Temple du Péril.

La seconde île adopte les thèmes de Peter Pan dont l'attraction de Fantasyland se situe non loin. Ainsi le bateau pirate du Capitaine Crochet (un restaurant nommé Captain Hook's Galley occupe le pont inférieur) mouille au pied de Skull Rock, un rocher en forme de tête de mort. Derrière ce rocher, s'ouvre un autre réseau de galeries, nommé Ben Gunn's Cave en hommage à L'Île au trésor. Au dessus des souterrains, un point d'observation et un Rocher-Qui-Bascule permettent de divertir les plus jeunes.

Un pont suspendu relie les deux îles par les hauteurs tandis qu'un pont flottant agrémenté d'une épave (indiqué comme étant celle des robinsons suisses) fait de même sur l'arrière au pied du Temple du Péril.

À l'extrême nord d'Adventureland se trouve un fort en pierre évoquant les Caraïbes. Il abrite l'attraction Pirates des Caraïbes, le restaurant Blue Lagoon et la boutique Le coffre du capitaine.

Fantasyland
Fantasyland est le pays des contes de fées. On y retrouve de nombreux héros de dessins animés Disney.

Le château marque l'entrée principale de ce pays. Mais on peut le rejoindre à pied depuis Adventureland, Discoveryland ou en train avec la Fantasyland Station. Au pied du château, sur la place centrale, un théâtre de plein air propose des spectacles pour les plus jeunes comme Winnie l'Ourson. Il est sobrement appelé Théâtre du Château, qui a précédemment accueilli le spectacle "Winnie l'Ourson et ses Amis", et qui sert maintenant de lieu de rendez-vous pour certains personnages Disney.

Le château possède, ce qui est une première pour Disney, des douves et des souterrains visitables. Le pont-levis est aussi incurvé au lieu d'être droit.
Au premier étage du château se trouve une galerie racontant l'histoire de la Belle au Bois dormant au travers de fresques, de tableaux, de vitraux et d'objets d'art. Elle donne sur une vue aérienne de la place marchande de Fantasyland. La galerie est accessible depuis un escalier imitant un arbre. Deux boutiques se partagent le rez-de-chaussée du château, l'une dédiée à Noël, et l'autre aux objets en cristal. C'est dans cette dernière qu'un escalier descend dans les profondeurs du château. Elles hébergent un dragon semi endormi de 27 m de long, un audio-animatronic.

Dans le bâtiment situé à l'ouest se trouve plusieurs attractions : Blanche-Neige et les sept nains et Les aventures de Pinocchio ainsi que deux boutiques et un restaurant.
Le bâtiment situé à l'est accueille quant à lui plusieurs boutiques et un restaurant. L'Auberge de Cendrillon est située au pied du château dans une cour du bâtiment à l'est. L'entrée est marquée par un carrosse argenté en forme de citrouille, presque issu du film.Ce carrosse, faisant partie d'une parade, à été offert par le parc Walt Disney World comme cadeau d'ouverture. Entre les deux bâtiments, s'élève un carrousel, le Carrousel de Lancelot. Devant le manège se trouve une pierre avec une épée enfichée dedans, afin de rejouer la célèbre scène où le futur Roi Arthur l'extrait Excalibur.

Fantasyland est ensuite coupée en deux par un cours d'eau provenant d'Adventureland. Côté château c'est l'Europe continentale avec la France, l'Allemagne et l'Italie. Au nord du ruisseau c'est l'Angleterre qui occupe une grande place mais une section évoquant le Benelux a été ajoutée en 1994. Deux "îles" occupent le centre du land.

Sur la gauche, se trouve Dumbo's Flying Elephants avec des éléphants volants tandis que sur la droite, les Mad Hatter's Tea Cups, les célèbres tasses du Chapelier Fou sont couvertes d'un auvent en verre évoquant les œuvres de Baltard. L'attraction possède un aspect très intéressant de nuit.

Derrière Dumbo se trouve la section anglaise de Fantasyland. On y retrouve Peter Pan's Flight avec à l'entrée une tour rappelant Big Ben. Derrière le Toad Hall's Restaurant est l'une des rares évocations du film Le Crapaud et le Maître d'école de 1949.

Juste à côté se trouve la gare du Disneyland Paris Railroad avec en dessous le Fantasyland Theater qui a précédemment accueilli "Le Noël de Mickey", "Disney Magic Music Days" et depuis juillet "Winnie l'Ourson et ses amis"

Derrière les Mad Hatters' Tea Cups s'étend un important labyrinthe : l'Alice's Curious Labyrinth avec le château de la Reine de Cœur. Triste anecdote pour les enfants, le toboggan du château a été condamné pour causes d'accidents fréquents.

Plus loin sur la droite débute la section sur le Benelux, avec le moulin du Old' Mill. Entre le moulin et le labyrinthe, un chemin passe sous la voie de chemin de fer. Il a été ajoutée en 1994 en même temps que l'attraction des Pirouettes du Vieux Moulin construite au dos du moulin. Le chemin permet d'accéder aux deux attractions imbriquées :

Casey Jr - Le petit train du cirque est le nom du train dans Dumbo qui ici traverse les champs de la Hollande et passe à côté du château miniature de la Belle et la Bête.
Le pays des contes de fées de son nom d'origine est une croisière en bateau avec des décors miniatures illustrant les principaux contes de fées.
Cette double attraction reproduit celle existante à Disneyland mais en mettant à jour les contes.

De 2001 à 2005, l'espace situé le long du labyrinthe et le chemin pour la section sur le Benelux accueillent à la période de Noël des chalets comme un marché de Noël. Un autre existe aussi dans Disney Village.

Dans la suite du bâtiment est se trouve une évocation de l'Italie avec un restaurant "Bella Notte" et un glacier "Fantasia Gelati". Entre les deux une zone boisée devait accueillir une attraction sur la Belle et la Bête mais jamais construite.

En face de "Fantasia Gelati" se trouve, d'un coté, It's a Small World, une attraction souvent appelée familièrement "Le pays des poupées".De l'autre coté, dans la zone boisée, une attraction sur La Petite Sirène aurait du voir le jour mais le projet ne fut jamais abouti.

C'est à côté de cette attraction que débutent ou finissent les parades.

Fait insolite, le porche situé sur la route de la parade entre le théâtre du château et la pizzeria Bella Notte s'est vu retirer son arche en 1999 afin de faire passer des chars surmontés de personnages Disney gonflables, la Parade ImagiNations. L'arche ne fut jamais remise.

Discoveryland
Discoveryland était lors de l'ouverture du parc en 1992 un nouveau concept de Tomorrowland. Cette section voulait rendre hommage aux grands visionnaires européens comme Jules Verne ou H.G. Wells. Pour plus de détails, voir les concepts de Disneyland Paris

À l'entrée du land se trouve des rochers évoquant du basalte volcanique émergeant de bassins avec des fontaines. Ils sont là afin de donner une "énergie cinétique" et forcer le visiteur à poursuivre son chemin.

Le premier bâtiment à gauche de l'entrée accueille une boutique et une attraction. L'attraction était de 1992 à 2005 le Visionarium, un cinéma à 360° évoquant les grands visionnaires et faisant en autre rencontrer Jules Verne et HG Wells à l'Exposition Universelle de Paris en 1900. Elle a fermé ses portes pour faire place à Buzz Lightyear's Laser Blast le 8 Avril 2006.

Ensuite le chemin s'élargit pour donner place à l'Orbitron, un manège de fusées surmonté d'un énorme mobile simulant des planètes. Sur la gauche s'ouvre l'entrée de Vidéopolis, une salle de spectacle de 1350 places accueillant depuis avril 2004 La Légende du Roi Lion.La partie haute de la salle sert également de restaurant fast-food. Un dirigeable nommé Hypérion d'après les Walt Disney Studios de l'avenue Hyperion, évoque le film L'île sur le Toit du Monde (Disney 1974). La salle compte trois entrée-sorties. La principale est celle côté Orbitron avec le dirigeable et les guichets du restaurant. Mais à l'opposé une sortie donne sur l'autre partie de Discoveryland. Au centre du bâtiment un hall permet de rejoindre directement les premiers rangs de la salle. Il fut utilisé pour une exposition technologique (sponsorisée par Philips) jusqu'en 1998 puis deux salles de jeux, Arcade Alpha et Arcade Beta.

En face, de l'autre côté d'Orbitron, l'attraction Autopia étale ses routes que l'on peut parcourir en voiture miniature.

Derrière l'Orbitron, s'élève l'imposant édifice de Space Mountain. Le thème de l'attraction, ouverte en 1995, était De la Terre à la Lune jusqu'en 2005 où il fut remplacé par Space Mountain : Mission 2, ce deuxième thème, a pour but de visiter l'univers jusqu'à ses limites. Le premier thème faisait écho au Visionarium en s'inspirant du roman De la Terre à la Lune de Jules Verne.

Au pied de la montagne, un lagon accueille Les mystères du Nautilus une reproduction du Nautilus sortie de l'adaptation par Disney en 1954 du roman Vingt mille lieues sous les mers, aussi de Jules Verne.

Derrière Space Mountain, le thème "Vernien" change pour être plus "actuel".

Un pavillon ressemblant à une station satellite futuriste héberge la boutique Star Traders. Sur la gauche un X-Wing marque l'entrée de l'attraction Star Tours. Plus loin sur la gauche au pied du X-Wing, une rampe ajoutée fin 1992, permet de rejoindre la gare de Discoveryland Station du Disneyland Paris Railroad.
Un chemin fut percé en 1995 pour rejoindre Fantasyland, côté It's a Small World. Mais comme il coupe le chemin de la parade, il est fermé plusieurs fois par jour.

À droite de Star Traders se trouve l'Imagination Institute, un organisme imaginaire accueillant la cérémonie de l'inventeur de l'année. C'est l'attraction Chérie, j'ai rétréci le public. Elle remplace depuis 1999, la défunte attraction Captain Eo avec Michael Jackson.

Juste après se trouve une pizzeria basée sur l'univers de Toy Story, le Buzz Lightyear's Pizza Planet. Ensuite le chemin continue de faire le tour de Space Mountain et revient au lagon du Nautilus

เมดูซ่า

2007-08-28T08:03:00.000-07:00

เมดูซ่า - Medusa เป็นคำที่มีมานานมากแล้ว ที่ยังคงเป็นรากศัพท์ไว้ในหลายๆภาษาโบราณ เช่น ในภาษาสันสกฤต คือ "เมธา ในภาษากรีก คือ Metis และในภาษาอียิปต์โบราณคือคำว่า Met หรือ Maat มีแหล่งกำเนิดจากตำนานของประเทศลิเบีย ที่นำเข้ามารวมในตำนานกรีกทีหลัง เป็นที่นับถือของชาวลิเบียโบราณว่าเป็น เทพแห่งงู หรือเจ้าป่าเจ้าเขาผู้มีอำนาจดุร้าย ในยุโรปสมัยโบราณยุคหิน งู ยังไม่ได้เป็นสัญญลักษณ์ของความชั่วร้าย ซึ่งเป็นทัศนคติตามคริสตศาสนาที่เกิดขึ้นมาภายหลัง หากเป็นสัญญลักษณ์ของพลังอำนาจเหนือธรรมชาติ และก็อาจเป็นไปได้ที่ว่า เมดูซ่า เจ้าแม่ผู้ทรงพลังจากสังคมโบราณ เป็นเค้าเงื่อนที่ชาวอินเดียนำไปผูกเป็น เจ้าแม่ทุรคา หรือ กาลี ก็ได้

เมดูซ่า นั้น แต่เดิมทีหลายพันหลายหมื่นปีมาแล้วก็คงเป็น เจ้าป่าเจ้าเขาที่มีอำนาจ มีผมขอดหยิกหยักถักเป็นเปียเล็กๆทั่วทั้งหัวแบบชาวอัฟริกัน (แบบที่เรียกว่า dreadlocks) ที่ดูคล้ายงูในสังคมดึกดำบรรพ์ ที่ยังนับถือยกย่องให้ผู้หญิงเป็นใหญ่ ภายหลังที่สังคมกรีกกลายมาให้ผู้ชายเป็นใหญ่ ภาพพจน์ของ เมดูซ่า ก็ค่อยๆเปลี่ยนไป เนื่องจากเทพบุรุษเข้ามาแทนที่เทพสตรี ในสังคมกรีก ในช่วงพันปีแรกของอาณาจักรกรีก จนมาถึงประมาณ ๖๐๐ ปีก่อนคริสตศตวรรษ วิหารบูชา เมดูซ่า ก็ถูกทำลายลงไปไม่เหลือซาก ชาวกรีกคงเอามาผูกเป็นตำนานให้เป็นนางมารร้ายไปในภายหลัง ชื่อของเธอ ก็กลายไปเป็นเพียงตำนานแห่งความพ่ายแพ้ ที่ถูกฆ่าโดย เพอร์ซีอุส แล้วชาวกรีก ก็ถ่ายทอดพลังอำนาจของ เมดูซ่า มาให้ เทพอะธีน่า ผู้เป็นเทพสตรีตัวอย่างของสังคม ที่ชาวกรีกต้องการใช้เป็นแบบอย่าง คือรักษาพรหมจรรย์ และรับใช้ครอบครัว ยึดมั่นในความซื่อสัตย์จงรักภักดีและเทิดทูน เทพเซอุส พระบิดา เหนือตนเอง ตามตำนานกรีกนั้น เมทิส แม่ของเมดูซ่าและพี่น้องอีกสองสาว ทั้งเมดูซ่าและพี่สาวแต่เดิมนั้น เป็นสาวงามมาก ต่อมา เมทิส แม่ของนาง ถูก เทพเซอุส ข่มขืน แล้วกลืนลงท้องไป เมทิส เป็นเจ้าแห่งปัญญา และสามารถแปลงร่างต่างๆได้ เซอุส จึงอาศัยพลังปัญญาและเวทย์มนต์ของ เมทิส มาเพิ่มอำนาจให้ตัวเอง ช่วยให้ เซอุส มีอำนาจยิ่งใหญ่กว่าเทพทั้งปวง และยังสามารถแปลงร่างได้ดังใจนึก ไปเอาสตรีมากมายเป็นภรรยาได้ในภายหลัง พลังของ เมทิส สำลักออกทางหน้าผากของเซอุส กลายเป็นเทพธิดา อะธีน่า ผู้ได้รับมรดกทางปัญญาจาก เมทิส ผู้เป็นแม่ ตั้งแต่เกิดมา อะธีน่า ก็ถือ เมดูซ่า เป็นศัตรูคู่แค้นที่จักต้องพิฆาตให้ดับสิ้น เพราะในบรรดาพี่น้อง มีแต่เมดูซ่า ผู้เดียวที่เป็นมนุษย์ พี่สาวชาวกอร์กอนทั้งสองร่วมท้องแม่ของเธอ มีสถานะเป็นเทพ จึงฆ่าไม่ตาย อะธีน่า จึงหันมาหาทางทำลาย เมดูซ่า แต่ผู้เดียวในบรรดาลูกแม่เดียวกันทั้งหมด วันหนึ่งใน วิหารอะธีน่า ที่ชาวกรีกสร้างไว้บูชาสักการะแต่ละเทพเป็นวิหารๆไป เทพอะธีน่า เป็นเทพอุปถัมภ์ของสาวพรหมจารี ที่สตรีพรหมจรรย์ชาวมนุษย์มักไปบูชา สาวงาม เมดูซ่า ที่มีชายมากหลายหมายปอง ก็ไปบูชา เทพอะธีน่า ยังวิหารตามปกติ เทพโพไซดอน ได้ประจักษ์เห็นความงามของนางแล้ว ก็ต้องการครอบครองโดยใช้กำลังขืนใจ อะธีน่า จึงได้โอกาสใส่ความว่า เมดูซ่า บังอาจลบหลู่นางด้วยการสู่สมในวิหารอันศักดิ์สิทธิ์ แล้วฉวยโอกาสสาบ เมดูซ่า ให้กลายเป็นมารร้ายน่าเกลียดน่ากลัว และสาปให้ผมอันสวยงามลือชื่อของนาง กลายเป็นงูเต็มหัว จากสาวงามเลื่องชื่อ ต้องมากลายเป็นมารร้ายที่น่าชิงชังขยะแขยง จนใครที่ได้เห็น จะต้องกลายเป็นหินไป เมดูซ่า ทั้งชอกช้ำ ทั้งอับอาย ก็แปรความเจ็บช้ำที่ได้รับให้กลายเป็นความเคียดแค้นชิงชัง ต้องการทำร้ายหมายมาดทุกชีวิตที่ขวางหน้า โดยทำให้กลายเป็นหินไปจากการมองหน้าของนาง เป็นการตอบโต้ความอยุติธรรม ที่ทำให้นางต้องรับ ชะตากรรมอันโหดร้าย เมดูซ่า จึงกลายเป็นมารร้าย ผู้เป็นที่กล่าวขวัญถึง มากที่สุดในตำนาน กรีก มีทั้งภาพสลัก รูปปั้นต่างๆของเมดูซ่าตามวิหารต่างๆมากมาย

ผู้ที่ฆ่า เมดูซ่า ได้คือ เพอร์เซอุส เมื่อ เพอร์ซีอุส ตกหลุมรัก โพลีเดคเทส ก็ต้องออกล่าหา เมดูซ่า เพื่อตัดหัวมาตามสัญญาที่ให้ไว้กับ เทพอะธีน่า ซึ่งรอคอยหาคนมากำจัด เมดูซ่า ให้อยู่นานแล้ว เพราะความเป็นเทพของนาง ทำให้ไม่สามารถไปแสดงอำนาจพาลได้ถนัด ยังต้องอาศัยเหตุผลข้ออ้าง และน้ำมือคนอื่นไปกำจัดศัตรูให้ กี่คนๆมาแล้วที่ต้องการไต่เต้าสร้างวีรกรรม ที่ได้กลายเป็นหินไปหมด ทันทีที่ เพอร์ซีอุส มาเข้าทางตน อะธีน่า ก็กุลีกุจอปรากฏตัวขึ้นทันที เพื่อช่วยให้ทุกอย่างดำเนินไปตามแผนกำจัด เมดูซ่า ของนางโดยราบรื่น อะธีน่า จึงช่วยบอกทางให้ เพอร์ซีอุส ไปยัง ซามอส อันเป็นที่พำนักของ นางกอร์กอนสามพี่น้อง เทพอะธีน่า ก็ได้ประทานโล่ห์ที่เป็นเงามันวับเหมือนกระจก แล้วช่วยให้ภาพปรากฏของนางมารทั้งสาม เพื่อ เพอร์ซีอุส จะได้เห็นว่าหน้าตาเป็นอย่างไร และเตือน ไม่ให้มองหน้าเมดูซ่าตรงๆ เพราะจะทำให้กลายเป็นหินไปเสียก่อน จากนั้น อะธีน่า ก็ให้อนุชา คือ เทพเฮอร์มีส (ที่ชาวโรมันเรียกว่า เมอร์คิวรี่ นั่นเอง) ซึ่งก็เป็นเทพบุตรของ เซอุส อีกผู้หนึ่ง ไปนำ ดาบโค้ง ของโครนัสมาให้

เพอร์ซีอุส เพื่อใช้ฆ่า เมดูซ่า เพื่อให้เป็นหลักประกันว่า เพอร์ซีอุส จะปฏิบัติการได้สำเร็จ ก็ต้องอาศัยของวิเศษอื่นๆอีก อะธีน่า จึงช่วยบอกอุบายรายละเอียด และชี้ทางให้ เพอร์ซีอุส ไปหานางแม่มดสามพี่น้องแห่ง เกรยี ผู้เป็นแม่เฒ่ามาตั้งแต่เกิด นางทั้งสามมีตาเพียงดวงเดียว และมีฟันเพียงซี่เดียว ต้องแบ่งกันใช้ แต่ก็ทะเลาะเบาะแว้งแย่งตาแย่งฟันกันมาชั่วชีวิต เพอร์ซีอุส จึงอาศัยความชุลมุนจากการแก่งแย่งนั้น เข้าไปขโมยดวงตาและฟันพวกแม่มดเกรยีมา เพื่อบังคับให้นางทั้งสามบอกทางไปหานางนิ้มฟ์ผู้ใจดีแห่งอุตรทิศ แล้วจึงจะคืนตาและฟันให้ เมื่อ เพอร์ซีอุส รู้ทางแล้ว ก็ไปหา นางนิมฟ์ผู้ใจดี ผู้ให้ยืมรองเท้ามีปีกที่ทำให้เหาะได้ หมวกวิเศษที่ทำให้ล่องหนได้ และกระเป๋าวิเศษเพื่อไว้ใส่หัวเมดูซ่า เมื่อได้ของวิเศษต่างๆแล้ว เพอร์ซีอุส ก็เข้าไปยังถ้ำของนางมารกอร์กอนสามพี่น้อง เมื่อไปถึงก็พบว่า เมดูซ่า กำลังนอนหลับกับพี่สาวทั้งสอง เพอร์ซีอุส ก็ได้ อะธีน่า ที่ตามมาช่วยอยู่ตลอดเวลา ช่วยถือโล่ห์ให้ จากภาพเงาของเมดูซ่าในโล่ห์มันวับ เพอร์ซีอุส ก็ตัดหัว เมดูซ่า ขาดแล้วเก็บใส่ถุงวิเศษทันที เลือดไหลนอง ออกจากคอของ เมดูซ่า ก่อกำเนิดเกิดออกมาเป็น ม้ามีปีก เพกาซัส แล้ว เมดูซ่า ก็จบสิ้นความระทมทุกข์ทรมาน จากชีวิตอันโหดร้ายของเธอ ส่งผลให้ เพอร์ซีอุส กลายเป็นวีรบุรุษอมตะ ผู้ปราบมาร ของชาวกรีกไป

Crayon mine

2007-08-21T08:59:00.000-07:00

Le crayon mine, souvent appelé crayon à papier, ou dans le nord de la France crayon de bois, crayon-bois ou crayon gris, ou dans l'est de la France crayon de papier, est utilisé dans de nombreux domaines. Le fait qu'il soit facile d'effacer ses traits à l'aide d'une gomme est l'une des raisons de son succès.

Il est constitué d'au moins deux parties :

un centre en graphite mélangé à de l'argile, appelé mine, servant à laisser des traces ;
une protection en bois protégeant la mine de la cassure et les doigts de l'utilisateur de traces noires.
Le crayon mine a été mis au point par Nicolas-Jacques Conté en 1795 pour remplacer un graphite pur (appelé plombagine) provenant d'Angleterre. Parfois, à une de ses extrémités, se trouve une petite gomme permettant quelques effacements.

Avant la généralisation de l'invention de Conté, le crayon était un tube métallique fendu et muni d'une petite bague coulissante pour maintenir la mine, ceci aux deux extrémités, ce qui permettait d'utiliser deux mines différentes (plombagine et craie blanche, ou sanguine, sépia, etc). Par la suite, pour le dessin technique ou de précision, le crayon mine a été remplacé par le portemine utilisant des mines aux diamètres calibrés de 0,3, 0,5 ou 0,9 mm (pour les principaux formats).

Dureté des mines
H signifie hard (« dur » en anglais, que l'on pourrait traduire par « sec ») ;
B signifie black (« noir » en anglais) ;
HB signifie hard black (c'est-à-dire « moyen ») ;
F signifie fine point (« pointe fine »). Il s'agit du véritable milieu, HB étant en fait un peu plus gras.
Cette classification a été créée par Lothar Faber vers 1839 ; elle est très courante en France. On trouve également une codification numérique utilisée dans de nombreux pays.

Plus le crayon est sec (H), plus sa trace sera légère ; plus le crayon est gras (B), plus sa trace sera noire. La version la plus répandue est le HB. En dessin, on utilise généralement du HB, facile à effacer, puis l'on renforce les ombres au moyen de crayons plus gras. Les mines les plus dures sont surtout utilisées en dessin technique.

La dureté est en liaison directe avec la proportion d'argile contenu dans la mine : plus celle-ci est importante, plus la mine porte du côté "H" : l'argile est une charge (maigre), le graphite joue simultanément le rôle de liant (gras) et de pigment.

Il existe aussi des crayons en graphite sans bois, appelés mine de plomb ou mine de graphite.

Types de crayons

Crayons de couleurs
Les crayons de couleurs utilisent des mines faites de pigments mélangées à de l'argile et de la gomme ou de la résine. Ils sont apparus au début du XXe siècle et leur emploi s'est généralisé dans la seconde moitié du siècle.

Généralement, ceux-ci sont en bois, mais par souci de sécurité, des crayons « sans bois », et des crayons de cire ont fait leur apparition. Destinés aux plus jeunes, ils permettent une meilleure prise en main (grâce à un format « large » adapté) et évitent les échardes.

Ils sont, le plus souvent, destinés à l'usage du coloriage à l'instar du stylo-feutre.

Les crayons de couleurs font aussi partie de la trousse de l'écolier et sont, à ce titre, souvent associés à la jeunesse et à l'école.

Crayon aquarelle
Les crayons aquarelles sont des crayons de couleurs constitués de mines miscibles dans l'eau, ils sont utilisés secs ou dilués dans l'eau, seuls ou dans les techniques mixtes avec la gouache et l'aquarelle. Les traces de crayons allongés d'eau se diluent et donnent l'aspect de l'aquarelle.

Crayon pastel
Les crayons pastel ont une mine dont la constitution est celle du pastel sec mais rendue moins friables par l'adjonction d'une plus importante quantité de gomme arabique. Ils s'emploient seuls ou en complément de la technique du pastel sec et aussi dans des technique mixtes, notamment avec la gouache.

Crayon fusain
Les crayons fusains sont constitués de mines en fusain aggloméré, comme pour les crayons graphites, ils sont plus ou moins tendre, leur dureté varie entre 4h à 4b. Ils permettent un travail plus précis que les bâtons de fusain.

ที่มาของ"สัญญลักษณ์ร้านตัดผม"

2007-08-17T12:37:00.001-07:00

สัญลักษณ์ไฟหมุนที่ร้านตัดผม เรียกว่า "บาร์เบอร์ โพล" (barber pole) ถือกำเนิดขึ้นในทวีปยุโรป ยุคที่ช่างตัดผมรวมอยู่ในอาชีพหมอฟันและศัลยแพทย์ หรือจะว่าผ่าตัด ถ่ายเลือด ทำฟัน เป็นภาระหน้าที่อย่างหนึ่งของช่างตัดผมก็ได้

เป็นเช่นนั้นอย่างเป็นทางการตั้งแต่ พ.ศ.1639 ที่ประเทศฝรั่งเศส ด้วยฝีมืออาร์คบิชอปแห่งร็วง เมืองหลวงของแคว้นนอร์มังดี ท่านสั่งห้ามบุรุษไว้หนวดเคราโดยเด็ดขาด ทำให้กิจการตัดผมและโกนหนวดเครามีความจำเป็นมากขึ้น แล้วใครจะมีของมีคมเท่าศัลยแพทย์เล่า

กระทั่งภายหลังเมื่อการแพทย์มีความชัดเจนในสาขาของตนยิ่งขึ้น อาชีพศัลยแพทย์กับช่างตัดผมจึงถึงแก่กาลต้องแยกจากกันโดยสิ้นเชิง เหลือเพียงสัญลักษณ์ที่เกิดขึ้นด้วยความบังเอิญตกทอดเป็นมรดกจากหมอผ่าตัดถึงช่างผัดผม

เรื่องก็เพราะ ครั้งยังทำงานทูอินวัน ระหว่างการผ่าตัดถ่ายเลือดผู้ป่วย คุณหมอจะพาดแถบผ้าพันแผล 2 เส้น รอไว้ เส้นหนึ่งสำหรับพันรอบแขนผู้ป่วยก่อนถ่ายเลือด เส้นหนึ่งไว้พันแผลภายหลังงานเรียบร้อย นานเข้าแถบผ้าพันแผล 2 เส้น ก็เป็นภาพเจนตาจนเป็นที่เข้าใจตรงกันทั่วไปว่าเป็นร้านคุณหมอ (ที่รับตัดผมด้วย)

จากแถบผ้าพันแผลวิวัฒน์เป็นเสาทาสีเลียนแบบ ติดตั้งอย่างถาวรภายนอกร้าน มองคล้ายเกลียวริบบิ้น 2 สี เรียก "เกลียวริบบิ้นสีขาวแดงสองเส้นพันรอบแท่งเสา" ว่า บาร์เบอร์ โพล จากยุโรปไปถึงอเมริกา ช่างตัดผมอเมริกันรักชาติเติมสีน้ำเงินเข้าไปในบาร์เบอร์ โพล ด้วย เป็นสีแดง ขาว น้ำเงิน ตามสีธงชาติสหรัฐอเมริกา

บาร์เบอร์ โพล กลายเป็นสื่อสัญลักษณ์สากลของร้านตัดผมในที่สุด เห็นปุ๊บรู้ปั๊บว่าเป็นร้านตัดผม โดยไม่ต้องคอยมองหาป้ายชื่อร้าน ทั้งยังบอกให้ทราบด้วยว่าร้านเปิดทำการหรือไม่ หากไฟหมุนเปิดอยู่แสดงว่าร้านเปิด เข้าไปใช้บริการได้ หากไฟปิดคือร้านปิด ตรงไปร้านอื่นได้เลย

ต้นทางของวัฒนธรรมไฟหมุนหน้าร้านตัดผมจึงคือเมืองร็วง แคว้นนอร์มังดี ประเทศฝรั่งเศส ซึ่งปัจจุบันเป็นสถานที่ท่องเที่ยวที่สำคัญแห่งหนึ่งของฝรั่งเศส โดดเด่นด้วยมหาวิหารนอเตรอดาม สร้างเสริมต่อเติมด้วยสถาปัตยกรรมหลายยุคหลายสมัยจากศตวรรษที่ 12 ถึงศตวรรษที่ 19 และเป็นเมืองที่ฝังศพวีรบุรุษชาวฝรั่งเศสในยุคกลาง เฉพาะอย่างยิ่งเป็นที่ฝังพระหทัยของพระเจ้าริชาร์ดใจสิงห์ (Richard the Lion Heart) กษัตริย์อังกฤษผู้ประทับอยู่ในฝรั่งเศสมากกว่าอังกฤษ

Pocky

2007-08-16T09:38:00.000-07:00

Pocky (ポッキー, pokkii?) (Japanese pronunciation IPA: /pokːiː/) listen (help·info) is a Japanese snack food produced by the Ezaki Glico Company of Japan. It was first sold in 1965, under the name Chocoteck, and consists of a biscuit stick coated with chocolate. Pocky was an instant hit among Japanese teenagers, and brought in sales of 30 billion yen in its first two years. The name was changed to "Pocky", after the Japanese onomatopoetic word for the sound Pocky makes when bitten, pokkin (ポッキン). The original was followed by "Almond Pocky" in 1971, with an almond coating, and "Strawberry Pocky" in 1977. Today, the product line includes such variations as milk, mousse, green tea and coconut flavored coatings, and themed products such as "Decorer Pocky", with colorful decorative stripes in the coating, and "Men's Pocky", a dark (bittersweet) chocolate and "mature" version.

Pocky is very popular in Japan. In bars, it is sometimes served in a glass of ice water. It also has a significant presence in other East Asian countries such as China and South Korea. In Europe, Pocky is renamed Mikado after the game Mikado. In the United States and Canada, Pocky can be found in Asian supermarkets (such as Mitsuwa) and the international section of most large supermarkets, such as Wegman's, as well as Wal-Mart Supercenters and anime convention dealers' rooms. In Malaysia, Pocky was renamed as Rocky, perhaps to avoid a vulgar word in Malay with similar pronunciation. Pocky has recently been marketed in America by LU, a company of the Danone Group, although it is also marketed by Ezaki Glico's American division, Ezaki Glico USA Corporation. In Australia, Pocky is usually sold in Japanese convenience markets along with other Japanese foods and products.

Outside of Japan, Pocky is fairly popular among Japanophiles and anime fans. Its constant association with the Engrish phenomenon and the oddness of some of its versions (like the "Men's Pocky" bittersweet flavor), as well as the several Pocky parodies seen on many anime/manga series, contribute to the snack's reputation.

Pocky flavors
Pocky can be found in dozens of varieties. The most popular flavors include chocolate, strawberry, and almond. Some of the more unusual flavors include the seasonal flavors of honey (spring) and kiwifruit mango (summer). There is also the bittersweet version of chocolate Pocky called Men's Pocky. There are also regional flavors of Pocky such as grape (Nagano), yubari melon (Hokkaido), giant mikan (lemony, sold in Kyūshū), powdered tea azuki bean (Kyoto), Kobe wine (Kobe). There are also such flavors as banana, coffee, caramel, marble royal milk tea, melon, milk, cream cheese, berry, sweet potato, coconut, almond crush, pineapple, pumpkin, pizza and hazelnut.

Some other unique Pocky flavors include kurogama (black sesame), kinako (soy bean flour), and green tea, which are popular Asian cuisine items cleverly incorporated into dessert flavours.

Special variations of Pocky include Decorer Pocky (which features extra decorative icing) and Mousse Pocky (which features extra thick, mousse-like icing).

A related product is Pretz, which is a savoury version of Pocky that features flavours like tomato and salad.

"ร่ม" ถือกำเนิดมาได้อย่างไร

2007-08-15T09:51:00.001-07:00

เวลาฝนตกจะนึกถึงอะไรเป็นสิ่งแรก ใช่แล้วคนส่วนใหญ่ก็จะนึกถึงสิ่งของสิ่งหนึ่งที่เรียกว่า ต้องมีมาคู่เวลาฝนตกเลย ก็คือ "ร่ม" นั้นเอง อย่างน้อยก็ช่วยเราไม่ให้เปียกฝนได้ระดับนึงแหละ ทำให้เราเดินทางไปไหนได้สะดวกขึ้น แต่ใครจะรู้บางว่า “ร่ม” ที่เรากางอยู่น่ะ จริงๆแล้วในสมัยก่อนหรือยุคเริ่มแรกเขาไม่ได้มีไว้กันฝนหรอกนะ

"ร่ม” หรือที่เรียกว่า “Umbrella” มีรากศัพท์มาจากคำว่า “Umbra” ซึ่งเป็นภาษาละติน แปลว่า “บังแดด” ร่มถือกำเนิดขึ้นในดินแดนเมโสโปเตเมีย ประมาณ 3,500 ปีมาแล้ว ซึ่งดินแดนแถบนี้จะมีพื้นที่เป็นทะเลทรายเกือบทั้งหมด นานๆจะมีฝนตกลงมาสักที ร่มจึงใช้ในการกันแดดมากกว่ากันฝน

จนเมื่อราว 1,200 ปีก่อนคริสต์กาล ในสังคมอียิปต์เชื่อกันว่า ท้องฟ้าคือร่างกายของเทพธิดานามว่า “นัต” ซึ่งปกคลุมโลกดุจร่มอันมหึมา มนุษย์จึงได้คิดสร้างร่มขึ้นไว้เป็นตัวแทนของเทพธิดานัต เพื่อใช้ปกป้องคุ้มครองผู้ที่อยู่ใต้ร่มเงา ที่ส่วนใหญ่จะเป็นผู้สูงศักดิ์ โดยเฉพาะกษัตริย์

ต่อมา ชาวกรีกได้รับเอาวัฒนธรรมการกางร่มมาจากอียิปต์ ในยุคแรกๆนั้นจะมีความเชื่อว่าผู้ที่จะกางร่มได้นั้นจะต้องเป็นผู้ที่มีอำนาจเท่านั้น แต่ระยะหลังความเชื่อนี้เริ่มจางลง ทำให้คนธรรมดาก็สามารถที่จะเดินกางร่มได้ แต่การกางร่มก็จำกัดอยู่เฉพาะในวงของสตรีเท่านั้น ซึ่งวัสดุที่ใช้ในการทำร่มส่วนใหญ่คือ กระดาษ ต่อมาบรรดาผู้หญิงก็เริ่มที่จะเรียนรู้วิธีการทำร่มแบบใหม่ ที่นอกจากจะกันแดดได้แล้ว ยังสามารถกันฝนได้ด้วย โดยการใช้น้ำมันทาลงบนร่มกระดาษให้ทั่ว ซึ่งร่มก็จะสามารถกันน้ำได้

จนถึงคริสต์ศตวรรษที่ 18 ผู้ที่กางร่มส่วนใหญ่ก็ยังคงเป็นผู้หญิง เพราะเนื่องจากว่าผู้ชายกลัวที่จะโดนสบประมาทว่าอ่อนแอ จึงไม่ค่อยมีใครนิยมกางร่มเท่าใดนัก จนในปี ค.ศ.1750 โจนาส แฮนเวย์ ชายชาวอังกฤษ เป็นชายคนแรกที่ลุกขึ้นมาพกร่ม ท่ามกลางเสียงเย้ยหยันของคนรอบข้าง แต่เขาไม่สนใจ และยังยืนยันว่าจะพกร่มต่อไป จนกระทั่งการพกร่มเป็นที่ยอมรับของคนอังกฤษไม่ว่าจะเป็นหญิงหรือชายก็ตาม จนกระทั่งถึงทุกวันนี้
รู้อย่างนี้แล้วชายคนไหนที่ไม่ค่อยกล้าพกร่ม ก็ควรที่จะเปลี่ยนความคิดซะใหม่นะคะ เพราะว่านอกจากฝนจะทำให้เปียก แล้วอาจจะไม่สบาย เป็นไข้หวัดได้นะจ๊ะ ส่งผลกระทบต่อการเรียน และการงานของอีกด้วย ยังไงก็ดูแลรักษาสุขภาพกันด้วยนะจ๊ะ

วันแม่ ^^

2007-08-12T11:01:00.000-07:00

อุ่น ใดๆ โลก นี้ มิ มี เทียบ เทียม

12 สิงหา วันแม่

วันนี้เอาดอกมะลิไปให้แม่ ให้น้องเล่นกีตาร์เป็นดนตรีประกอบจาได้ซึ้งๆ

แต่ไม่เลย เพราะว่าดีดมั่ว - -" เขิลกานไป เกิ้กๆ

วันนี้แม่ใช้อะไรเราก้อไม่บ่น ( เฉพาะวันนี้ ) 555+

เพื่อนๆทามไรให้แม่กานยัง รีบๆทำล่ะ ฟิ้วววว ~~....

วันนี้มีความสุข วันอังคารขี้เกียดไป ร.ร. !!

หนูร้ากกกกแม่ ฮิ้วววววววว ^^

L O V E M O M

Les Simpson

2007-08-08T09:03:00.000-07:00

Les Simpson (en anglais : The Simpsons) est une série d'animation américaine créée en 1989 sous la plume acérée de Matt Groening. La première diffusion a eu lieu le 17 décembre 1989 sur le réseau américain Fox. En France, la série a été diffusée depuis le 15 décembre 1990 sur Canal+, à partir du 9 janvier 1993 sur France 3 et depuis le 2 janvier 2006, sur W9[1]. M6 la diffuse tous les samedis et dimanches depuis le 19 mai 2007. En Belgique Les Simpson est diffusé sur Club RTL. Au Québec, la série est diffusée sur Télétoon (chaîne officielle des Simpson québécois) et sur TQS (saisons 1 à 9 seulement — ancienne chaîne officielle des Simspon québécois).

Le thème
Springfield, petite ville typiquement américaine. Ce nom a été choisi parce qu'il y a de nombreuses villes le portant aux États-Unis, mais ce n'est pas l'une d'elles en particulier. Il y a là le supermarché, les écoles, la mairie, le poste de police, le bar, le centre commercial, la centrale nucléaire… et la famille Simpson. Les Simpson sont une caricature satirique de la famille américaine moyenne, Matt Groening s'étant basé sur sa propre famille pour camper chacun des membres de la famille Simpson, dont il a pris les prénoms mais pas forcément les traits de caractère. Les thèmes abordés sont souvent les mêmes : la cupidité, la jalousie, la gourmandise, la religion. Ces thèmes sont toujours abordés avec humour, gentillesse et générosité.

Le dessin est, de prime abord, repoussant : personnages jaunes[2] aux gros yeux globuleux, ne possédant que quatre doigts à chaque main[3], dessin aux perspectives maladroites et rectilignes, animation apparemment approximative. Autre particularité, les personnages n'ont pas d'ombre (sauf à de rares exceptions du scénario), c'est pourquoi ils donnent parfois l'impression de « flotter » dans le décor. Une fois franchi le cap d'acceptation du dessin, on finit par s'attacher aux personnages de cette famille et on peut finir par les trouver beaux.

On peut reprocher à la série d'être souvent grossière, parfois vulgaire. Cependant, c'est la gentillesse et la bonté qui priment, même si la morale est très souvent mise à mal.

Même si la famille Simpson n'a pas d'opinion politique prononcée, plusieurs indices disséminés çà et là au cours des épisodes mènent à penser que, à l'exception d'Homer dont l'opinion varie beaucoup, ils sont plutôt démocrates ; il est à noter que la FOX, qui produit et diffuse la série, est une chaîne de télévision ouvertement républicaine…

Tous les épisodes sont émaillés de références cinématographiques, picturales ou musicales. Certains décors, certaines scènes, certaines musiques sont tirés de films ou séries télévisées connus. Il faut être très attentif à chaque épisode pour les découvrir. Un peu à l'instar des apparitions d'Alfred Hitchcock dans ses films.

Si le thème principal créé par Danny Elfman est très connu, chaque épisode possède une bande originale composée et dirigée par Alf Clausen et interprétée par un orchestre de trente-cinq musiciens. Alf Clausen a été récompensé de nombreuses fois pour ses partitions.

Le générique
Générique de début
Sur une musique composée par Danny Elfman (Edward aux mains d'argent, l'Étrange Noël de Monsieur Jack, Les Contes de la crypte,Spiderman…), on voit toujours le même début (vue plongeante de la ville, poursuite de personnages de lieu en lieu…) mais avec trois variantes à chaque épisode : l'entrée dans la salle de classe où Bart, puni, écrit des lignes au tableau. À chaque épisode, la punition est différente et est toujours en rapport avec son comportement nuisible envers les autres. Ensuite, le solo de saxophone de Lisa. Lorsque Maggie passe par la caisse, le prix qui s'affiche est 847,63 USD. Puis, en fin de générique, l'entrée dans le salon de la famille Simpson où l'on voit le canapé et les personnages arrivant d'une manière à chaque fois différente... Le générique a été remodelé quatre fois au cours de la série. Lorsque l'épisode est plus long que la moyenne, le générique est tronqué, passant de la vue plongeante sur Springfield à la salle de classe puis directement à l'entrée de la voiture dans le garage. À noter aussi que, pour le trois centième épisode, Bart a détruit le tableau avec une hache.

Les épisodes spéciaux d'Halloween ont également un générique spécial : Bart est un zombie comme le reste de la famille. Dans l'épisode Kill Gil récemment diffusé aux États-Unis, le générique a été refait pour Noël, toute la ville est enneigée, il y a des décorations, les gens sont habillés chaudement et Bart fait du snowboard. D'autres variantes du générique existent, mais restent plus anecdotiques. Notamment celui où Bart est obèse.

La famille Simpson
et les côtes de porc grillées avec sa sauce aux pommes, le tout arrosé de bière Duff. Il est le responsable de la sécurité du secteur 7G[6] à la Centrale nucléaire de Springfield. Il déteste son voisin Ned Flanders mais, pourtant, il lui viendra quelquefois en aide (lorsque son magasin « Le Palais du Gaucher » (Leftorium ou « le Gauchérium », dans la version québécoise) était au bord de la faillite, il lui a amené des dizaines de clients). Lors d'un épisode, on apprend qu'Homer était très intelligent lorsqu'il était jeune, mais il s'était entré vingt-quatre crayons de cire dans le nez et un est resté bloqué dans son cerveau.
Marjorie (dite Marge) Bouvier, épouse d'Homer Simpson, la mère, choucroute bleue sur la tête, être sensible et sensé, c'est elle qui régit toute cette belle petite famille. Élément modéré de la famille, il lui arrive parfois de déraper. Elle a une âme d'artiste.
Bartholomew Jo-Jo Simpson, dit Bart, le fils terrible. Il a 10 ans. Il est considéré comme le cancre et le délinquant de la famille. Pourtant, il a un grand cœur. Il est l'ami des minorités. Ses idoles ? Krusty le clown et « Radioactive Man ». Il adore suivre à la télévision les aventures d’Itchy et Scratchy avec sa sœur. Son pire cauchemar : Tahiti (Sideshow) Bob qu'il a fait emprisonner après un vol au Kwik-E-Mart, mais ce dernier aura l'occasion de lui sauver la vie par la suite. Dans l'épisode Please Homer Don't Hammer 'Em on apprend qu'il est allergique aux crevettes.
Elisabeth Marie Simpson, dite Lisa, la petite sœur de Bart, le génie de la famille. Âgée de seulement 8 ans, très en avance, c'est l'être le plus sensé, le plus adulte de la famille. Elle joue du saxophone. Son rêve ? La paix dans le monde et avoir un poney qu'elle appellerait Princesse et qu'elle monterait tous les jours…
Margaret Simpson, dite Maggie, la petite dernière, qui a déjà 1 an. Elle passe son temps à sucer sa tétine. Elle ne parlera que très rarement, une fois pour prononcer le mot « papa », mais toujours en l'absence de témoins ; à la fin du générique du film Les Simpson - Le Film, on l'entend clairement demander : « Une suite ? ». Il est à noter qu'elle est experte dans le maniement des armes à feu ayant notamment blessé M. Burns ou encore le gang de Gros Tony.
Abraham Simpson dit Abe, le père d'Homer. A de fréquents trous de mémoire, il lui arrive de ne plus se souvenir qui est son fils… Il a aussi des accès irrépressibles de sommeil (narcolepsie) survenant plusieurs fois par jour et durant quelques secondes.
Patty et Selma Bouvier, sœurs aînées de Marge, et vraies jumelles, jalouses et méchantes, fumeuses invétérées, aussi séduisantes qu'une porte de prison, elles travaillent au bureau des permis de conduire. On découvre au fil des épisodes que Patty Bouvier[7] est homosexuelle, ce qui explique pourquoi elle n'a jamais eu de petit ami.
Petit Papa Noël (France) ou Le P'tit Renne au nez rouge (Québec), c'est un ancien chien de course qui sera recueilli par les Simpson dès le premier épisode. Il est aussi stupidement intelligent que la famille.
Boule de Neige, le premier chat, écrasé par le frère du maire Quimby.
Boule de Neige II, le deuxième chat, qui aura vécu douze ans (car il sera écrasé par le docteur Hibbert), de couleur noire comme ne l'indique pas son nom.
Boule de Neige V, le chat actuel, qui aura succédé à Boule de Neige III et Coltrane et qui sera rebaptisé Boule de Neige II pour économiser le prix d'une nouvelle gamelle.
Mona Simpson : on l'a longtemps crue morte jusqu'à ce que l'on découvre qu'elle avait entamé des poursuites à cause d'une rencontre avec le propriétaire de la centrale nucléaire, Charles Montgomery Burns plusieurs années auparavant. Durant l'enfance d'Homer, dans les années 1960, Mona s'est de plus en plus impliquée dans le mouvement hippie et a participé à plusieurs actions politiques. Alors que Mona est restée inconnue pendant la majeure partie de sa vie, on sait que, pendant plusieurs années, elle a vécu dans une communauté de hippie où elle a peint une fresque murale dédiée à son fils Homer. Elle a continué à s'occuper de lui de loin, lui envoyant des colis chaque semaine. Cependant, aucun d'eux n'a jamais été livré et sont restés en souffrance à la Poste pendant des années.

Les habitants de Springfield
Charles Montgomery Burns, âgé de 107 ans, mais son âge varie en fonction des épisodes. Dans les premiers épisodes, il était plus jeune mais d'apparence prématurément vieillie, cf. l'épisode Simpson et Dalila dans la saison 2, personnage froid, avide de pouvoir, patron de la centrale nucléaire de Springfield. Il est incapable de se souvenir du nom et des faits d'Homer Simpson. Il a un penchant pour Marge, qu'il embauchera et se fera peindre nu par elle.
Waylon Smithers Jr., second de M. Burns, secrètement amoureux de son patron. Il subit les pires humiliations infligées par ce dernier. C'est le plus grand collectionneur de poupées Malibu Stacy. Dans tous les épisodes, il porte le nom de Waylon Smithers, mais dans un épisode où Homer retrouve un cadavre qui l'a traumatisé plus jeune, on apprend que Smithers Senior travaillait pour Burns et qu'il est mort en empêchant une explosion du réacteur nucléaire.
Maurice Szyslak dit Moe, patron de la Taverne de Moe, lieu de rassemblement de tous les pochards de Springfield. Personnage solitaire et schizophrène, il se fait régulièrement avoir par les blagues téléphoniques de Bart. Il a un faible pour Marge.
Barney Gumble, pilier de bar, éructant constamment, ami d'Homer. Bien peigné, il est sobre ; cheveux en bataille, il est ivre. Ayant arrêté de boire, il consomme, depuis, une quantité impressionnante de double café moka. Malgré son effort d'abstinence il s'est remit à boire.
Apu Nahasapeemapetilon, d'origine indienne, il gère le supermarché Kwik-E-Mart, ouvert 24 heures sur 24, 7 jours sur 7. Il est végétalien. Il est le père d'octuplés et sa femme se prénomme Manjula. Il possède un doctorat en informatique obtenu grâce à sa création, le premier jeu de morpion avec intelligence artificielle. Il est un immigré semi-clandestin mais il obtiendra la citoyenneté dans l'épisode J'y suis, j'y reste où un référendum est voté : « Pour ou contre l'expulsion des immigrés clandestins. »
Dr Julius Hibbert, médecin de famille qui rigole tout le temps, il change de style en fonction de l'époque et a pu notamment adopter celui de Mister T ou encore être affublé d'une coupe afro digne des plus grandes heures de l'époque disco.
Clancy Wiggum dit chef Wiggum, chef de la police de Springfield et père de Ralf. Il est complètement incompétent, voire inculte.
Herschel Schmoeckel Krustovski dit Krusty le clown, animateur d'une émission pour les enfants, on ne compte plus les produits dérivés de son personnage, il est souvent mêlé à des affaires frauduleuses et à la mafia de gros Tony. On peut aussi noter qu'il est juif.
Pr John Frink dit professeur Frink, inventeur génial, c'est un des habitants les plus célèbres de Springfield. Il travaille avec des singes et possède l'observatoire. Dans un épisode, il dit à Lisa : « Je ne peux pas descendre d'ici car un autre scientifique va venir prendre ma place et voler l'observatoire. »
Robert Underdunk Terwilliger dit Tahiti Bob (Sideshow Bob dans les versions originale et québécoise), premier partenaire de Krusty, a été envoyé en prison, suite à un vol au Kwik-E-Mart où il s'était déguisé en Krusty, grâce à Bart Simpson. S'est juré de le lui faire payer. C'est le cauchemar vivant de Bart et il a tenté de le tuer à maintes reprises.
Cecil Terwilliger, le frère de Sideshow Bob à qui il voue une rancœur éternelle après son éviction en tant qu'assistant de Krusty.
Melvin Van Horne alias Tahiti Mel (Sideshow Mel dans les versions originale et québécoise), nouveau partenaire de Krusty depuis l'arrestation de Tahiti Bob. Caractérisé par un personnage au vocabulaire très riche et un os pris dans les cheveux.
Itchy et Scratchy, héros du dessin animé Itchy et Scratchy Show présenté lors de la diffusion du Krusty le Clown Show dont les deux personnages sont Itchy, une souris démoniaque, et Scratchy, un chat qui finit toujours en morceaux.
Milhouse Van Houten, meilleur ami de Bart. Garçon solitaire et chétif dont les parents divorceront au cours de la série. Il a quelques talents cachés comme celui de parler couramment l'italien (c'est lui qui l'enseignera à Lisa).
Ralph Wiggum, fils du chef Wiggum. Il est déficient mentalement.
Sherry et Terry, jumelles et filles du chef du nucléaire, là où travaille Homer Simpson, les pires ennemies de Bart Simpson.

"ถูกนินทาว่าร้าย คิดอย่างไรจึงจะหายทุกข์"

2007-07-30T02:30:00.000-07:00

"ถูกนินทาว่าร้าย คิดอย่างไรจึงจะหายทุกข์"

1. เป็นธรรมดาของโลก

ให้คิดว่านี่เป็นธรรมดาของโลก ไม่เคยมีใครสักคนบนโลกนี้ที่รอดพ้นจากคำนินทา เพราะแม้แต่พระพุทธเจ้าของเรา ขนาดท่านเป็นผู้ที่ประเสริฐบริสุทธิ์สูงสุด แต่ท่านก็ยังไม่พ้นถูกคนพาลกล่าวโจมตีว่าร้ายจนได้ แล้วนับประสาอะไรกับเราที่เป็นแค่คนธรรมดาสามัญที่ยังมีทั้งดีและชั่วจะรอดพ้นปากคนนินทาไปได้ คิดอย่างนี้แล้วจะได้สบายใจว่า การถูกนินทานี่เป็นแค่เรื่องธรรมดา เกิดขึ้นมาพร้อมกับโลก (โลกธรรม) และ ยังคงมีอยู่ต่อไปตราบชั่วฟ้าดินสลาย

2. ให้มีจิตใจมั่นคงดุจภูผา

ถ้าเรามีความบริสุทธิ์ใจ ทำการงานด้วยความตั้งใจปรารถนาดี แต่แล้วก็ยังไม่พ้นถูกคนนินทา กล่าวร้ายว่าอย่างนั้นอย่างนี้ ก็ขอให้เรามีความมั่นใจในความดีของเรา อุปมาภูผาหินแท่งตันไม่หวั่นไหวในลมพายุฉันใด บัณฑิตผู้มีจิตใจหนักแน่นในความดี ย่อมไม่หวั่นไหวในคำสรรเสริญ และ คำนินทาแม้ฉันนั้น

3.ให้มีจิตเมตตาสงสารผู้นินทา

ให้คิดด้วยความเมตตากรุณาว่า คนที่นินทาเรานั้น ย่อมกระทำไปด้วยความอิจฉาริษยา เขาจะต้องเผาลนจิตใจของเขาให้ร้อนรุ่มเสียก่อน จึงจะสามารถพูดนินทาว่าร้ายคนอื่นออกมาได้ ให้คิดเมตตาสงสาร แทนที่จะไปโกรธเคืองเขา

อนึ่ง คนที่ชอบกล่าววาจาส่อเสียด หรือ ชอบนินทาว่าร้ายผู้อื่น โดยปรกติเขาย่อมเป็นผู้หามิตรสหายที่ใกล้ชิดไม่ค่อยได้ เพราะไม่เคยมีใครไว้วางใจคนที่ชอบนินทาว่าร้ายผู้อื่น ให้คิดเห็นใจเขาในฐานะที่เขาต้องเป็นผู้อยู่ในโลกนี้ด้วยความรู้สึกโดดเดี่ยว เพราะเขาย่อมหาเพื่อนแท้ไม่ได้

4. คิดหาประโยชน์จากคำนินทา

คนที่คิดกล่าวร้ายเรา บางทีเขาต้องไปนั่งคิดนอนคิดหาจุดอ่อนในตัวของเรา เพื่อเอามาพูดโจมตี บางทีจุดอ่อนเหล่านี้ตัวเราเองก็มีอยู่จริงแต่ทว่าเราไม่รู้ตัวมาก่อน นี้เป็นประโยชน์มาก เพราะเราสามารถนำข้อมูลเหล่านี้มาพัฒนาปรับปรุงตนเองได้ ดังนั้นเราจึงควรที่จะขอบคุณคนนินทาเรา เพราะเขาอุตส่าห์ไปนั่งคิดนอนคิดช่วยค้นหาข้อมูลมาช่วยให้เราปรับปรุงตนเอง

5. คิดวิเคราะห์ให้เห็นปัญหาสังคม

สังคมไทยเป็นสังคมที่มีความสัมพันธ์ในแนวดิ่ง คือเน้นเรื่องการใช้อำนาจครอบงำกันและกัน จึงมีการปลูกฝังสอนให้คิดแข่งดีแข่งเด่น คิดเหนือผู้อื่น สอนให้อยากเป็นใหญ่เป็นโต (มานะ) มาตั้งแต่โบราณ (คาดว่าไม่ต่ำกว่าห้าร้อยปี คือตั้งแต่สมัยอยุธยาตอนต้น) ทำให้คนไทยเรา เวลาเห็นใครทำดี ก็มักจะเกิดความริษยาโดยไม่รู้ตัว คือทนไม่ได้ที่จะเห็นคนอื่นดีกว่าตน

สังคมที่มีความสัมพันธ์ในแนวดิ่งเช่นนี้ ผู้คนจึงมักจะชอบนินทาว่าร้ายกันและกันเป็นเรื่องธรรมดา ถ้าคิดวิเคราะห์ได้เช่นนี้แล้วก็สบายใจ ไม่ต้องไปเดือดเนื้อร้อนใจอะไรมาก ให้ถือว่าการที่เราถูกนินทานี้ก็เป็นส่วนหนึ่งของปรากฏการณ์ทางสังคมก็แล้วกัน มันเป็นเช่นนั้นเอง

ในอนาคตไม่แน่ หากมีการศึกษาเรื่องพุทธธรรมกับสังคมไทยกันอย่างจริงจัง บางทีเราอาจจะสามารถเปลี่ยงแปลงความสัมพันธ์ทางสังคมจาก แนวดิ่ง ให้เป็น แนวราบ คือ คนไทยมีความเสมอภาคกัน ไม่ถืออำนาจเป็นใหญ่ แต่ถือความถูกต้องดีงามเป็นใหญ่ เมื่อถึงเวลานั้นสังคมที่เต็มไปด้วยการนินทาว่าร้ายก็จะลดน้อยลงไปเองตามธรรมชาติ แล้วภาษิตยอดฮิตที่ว่า สังคมเสื่อมถอยเพราะคนดีท้อแท้ หรือ ทำดีแต่อย่าเด่นจะเป็นภัย จะได้เลิกใช้กันเสียที

มีสาระดีมะ .... ดีเนอะๆ

Guitare

2007-07-28T05:39:00.000-07:00

La guitare est un instrument à cordes pincées joué avec les doigts ou avec un plectre (ou médiator). La vibration des cordes est amplifiée par la résonance du corps, le manche servant à modifier la hauteur des notes.

Il existe différents types de guitares, (acoustique, électrique, électro-acoustique...), tous issus de la guitare classique, et qui partagent des caractéristiques et des techniques de jeu communes tout en apportant une richesse sonore propre à cette famille d'instruments. La guitare est un instrument dont la popularité, déjà établie aux siècles derniers, s'est accentuée avec la diffusion internationale des rythmes anglo-saxons au XXe siècle (Jazz, Blues, Pop, Rock).

Origines
Les premières traces connues d'instruments similaires à la guitare remontent à -3000 environ en Perse. Étymologiquement, le mot « guitare » est une combinaison de deux mots : Guit qui provient du sanskrit Sangeeta signifiant « musique », et la seconde partie tar, purement perse et qui signifie « accord » ou « corde ». Le sanskrit était initialement une langue officielle des Aryens, habitants de l'Iran et du Nord-Ouest de l'Inde. Malgré des sonorités proches, le mot « guitare » n'est pas dérivé du mot sitar, qui désigne un instrument à cordes, mais est certainement passé par le mot grec kithara (ϰιθάϱα), et de façon certaine par l'arabe qîtâra, puis l'espagnol guitarra.

La guiterne était un instrument populaire durant le quatorzième siècle. Elle est restée en usage jusqu'à la moitié du dix-septième siècle. La guiterne était jouée avec un plectre, avait un corps plat, le corps et le manche étaient construits d'une même pièce de bois. La gittern avait habituellement quatre cordes simples.

Pour le célèbre guitariste espagnol Paco de Lucía, l'inventeur de la guitare telle qu'on la connaît s'appelle Zyryab. Né à Bagdad, il a vécu à la fin du VIIIe siècle à la cour de Cordoue. Il a ajouté une cinquième corde au Oud (le luth arabe) et a fondé une école de musique qui eut une influence considérable sur la musique arabo-andalouse.

C'est le luthier espagnol Antonio de Torres, en 1874, qui donna à la guitare la forme et les dimensions de la guitare classique actuelle. De nombreuses déclinaisons ont été créées au XXe siècle (folk, jazz, électrique) à partir de cette guitare Torres.

Éléments constitutifs d'une guitare
La tête
Située, comme son nom l'indique, à l'extrémité du manche, c'est sur elle que viennent s'attacher les cordes. Leur tension peut être modifiée pour les accorder à l'aide des mécaniques, un système de vis sans fin actionnées par des clefs, qui entraînent de petits rouleaux sur lesquels s'enroulent les cordes. Celles-ci passent ensuite par le sillet de tête, petite barre généralement en os (ou en plastique pour les guitares de qualité inférieure), dans laquelle sont creusées de petites rainures qui guident chaque corde vers le manche au sortir de la tête.

Il existe aussi des guitares à double manche. Ces deux manches montés parallèlement permettent de changer d'accordage pendant un morceau tout en conservant la même guitare, et peuvent même être utilisées en simultané. C’est ainsi que s'en sert par exemple le guitariste polonais Adam Fulara, notamment lors de ses interprétations en tapping de Bach à la guitare. Il existe aussi des guitares double manche dont l'un est simple et l'autre monté avec 12 cordes.

Il existe également des modèles électriques sans tête. La mode à été initiée au milieu des années 80 par la firme Steinberger. L'accroche et l'accordage des cordes se font au niveau du cordier.

Le guitariste pince les cordes de la main droite et bloque les cordes avec les doigts de sa main gauche. Les gauchers inversent la position de la guitare, ainsi que celles des cordes (sauf certains comme Albert King ou Jimi Hendrix), pour garder les graves vers le haut : le manche est alors à droite. Outre le déplacement des cordes, d'autres modifications sont nécessaires sur une guitare acoustique pour gaucher : le barrage (petite barre en bois renforçant la table) de la table d'harmonie est en effet différent du côté des graves et des aigus, et doit être retourné.

Il faut toutefois noter que certains estiment qu'un gaucher peut tout à fait jouer sur une guitare montée pour un droitier, comme c'est le cas pour d'autres instrumentistes (violonistes, etc.).

Le manche
Le manche est une pièce essentielle, puisqu'il sert au guitariste à déterminer quelles notes il va jouer, et de quelle manière (et parfois à les jouer directement, grâce à des techniques comme le legato). Sur une guitare classique, le manche est relié au corps par le talon, pièce de bois collée qui peut adopter des formes différentes suivant les luthiers. Avec les guitares électriques, sont apparus les manches vissés, moins chers à produire et plus faciles à réparer mais qui peuvent altérer les qualités sonores de l'instrument. Certains fabricants, notamment Gibson Guitar Corporation, continuent donc à utiliser la technique du manche collé sur leurs modèles haut de gamme, telle la Les Paul de chez Gibson. Cette technique garantit un meilleur sustain au son de la guitare.

La plupart des guitares sont montées « à gauche », c'est-à-dire qu'en position de jeu, le manche se place à la gauche du musicien. Cependant, il existe aussi des instruments inversés destinés aux gauchers, appelés « guitares gaucher ».

Par convention, la corde la plus grave se trouve en haut du manche et la plus aiguë en bas, dans une configuration classique de droitier. Cette convention se répercute aussi sur l'appellation des mains : en général on appelle « main droite » celle qui gratte les cordes au-dessus de la caisse, la « main gauche » étant celle qui plaque les accords et les notes sur le manche, quelles que soient effectivement les mains qui réalisent ces actions.

D'autre part, les manches des guitares à cordes métalliques (électriques et folk) sont en général équipés d'un "truss rod", barre métallique traversant le manche afin de l'aider à résister à la tension très importante exercée par les cordes. Ce truss rod est le plus souvent réglable, ce qui permet au guitariste d'adapter la forme de son manche à ses préférences personnelles, mais aussi aux différents tirants de cordes, voire au vieillissement du bois.

Les cordes
Généralement au nombre de six, les cordes vibrent et produisent les notes. Elles sont généralement montées, c'est-à-dire fixées à la tête et au chevalet, dans l'ordre croissant des notes qu'elles produisent « à vide » (sans appui des doigts sur la touche). Chaque corde a un diamètre différent : plus le diamètre est faible, plus la corde est fine et plus le son est aigu. La corde la plus fine - et donc la plus aigüe - est appelée « chanterelle ».

Les cordes possèdent des caractéristiques de souplesse et de résonance différentes selon la matière utilisée (essentiellement nylon, bronze, nickel ou cuivre aujourd'hui, et boyaux de mouton avant l'invention du nylon). Le choix des cordes est fondamental pour la qualité du son comme pour le plaisir du jeu : les cordes en nylon produisent en effet un son plus chaud (c'est-à-dire privilégiant les fréquences graves) que les cordes en métal, lesquelles sont plus sonores et produisent un son plus brillant (privilégiant les fréquences aigües). On les distingue également par leur tirant, ou coefficient de souplesse. En général, plus une corde a un tirant faible plus elle est souple, mais plus le son produit est faible. Les guitares électriques, dont le son est amplifié artificiellement, ont souvent des tirants très faibles par rapport aux guitares acoustiques.

Guitare acoustique
Guitare classique à six cordes
C'est le modèle le plus courant, comportant trois cordes aiguës généralement en nylon et trois cordes basses en soie, filées et gainées de métal.

Les cordes en nylon existent depuis 1940, date à laquelle elles ont commencé à remplacer les cordes en boyau. Le nylon est en effet bien moins sensible aux changements d'hygrométrie et de température. De plus, sa solidité permet des tensions importantes et donc un volume sonore bien plus élevés.

La tessiture de la guitare classique, c'est-à-dire l'étendue des notes pouvant être jouées, de la plus grave à la plus aiguë, est, comme le montre l'illustration ci-dessous, de trois octaves et une quinte. La touche, est plate. Les mécaniques à vis sans fin - qui ont remplacé les chevilles à partir du XIXe siècle - sont intégrées à la tête comme sur un violon. Le manche, quant à lui, est généralement divisé en douze cases, la touche – qui compte sept cases supplémentaires sur la table d'harmonie – comportant dix-neuf cases au total.

Il est à noter que les partitions pour guitares classiques sont écrites une octave au dessus du son réel émis par la guitare. Par exemple le la de référence à 440 Hz se note sur la portée dans la deuxième interligne. Or il sera au final joué comme un la à 220 Hz, et ce afin d'éviter les changements intempestifs de clef.

La nomenclature usuelle indique la taille des guitares ainsi :

1/4 pour une longueur de cordes de 40 cm et un âge moyen de 5 à 6 ans.
1/2 pour une longueur de cordes de 48 cm et un âge moyen de 7 ans.
3/4 pour une longueur de cordes de 58 cm et un âge moyen de 8 à 9 ans.
7/8 pour une longueur de cordes de 63 cm correspondant à une personne de petite taille.
4/4 pour une longueur de cordes de 65 cm correspondant à une personne de taille ordinaire.

Guitare électrique
Apparue dans les années 1930 pour compenser le manque de volume sonore des guitares par rapport aux autres instruments des orchestres de Jazz, la guitare électrique est équipée d'un ou plusieurs micros simples ou doubles (voir plus haut) qui transmettent le son à un amplificateur. Ce système permet non seulement d'obtenir un son beaucoup plus puissant, mais également de retravailler ce son et d'y ajouter divers effets, le plus connu étant la saturation.

Libérée par ses micros de nombreuses contraintes, telles que la présence obligatoire d'une caisse de résonance de taille suffisante, la guitare électrique peut adopter les formes les plus variées. Elle comporte le plus souvent six cordes métalliques dont trois (ou quatre, en Jazz) sont filées, mais des modèles à douze cordes (arrangées par paires) existent, ainsi que de nombreuses autres déclinaisons. Le manche peut être divisé en 21 cases (Fender Stratocaster), 22 (Gibson Les Paul) ou plus (24 pour la Paul Reed Smith).

On trouve également des guitares électriques à sept cordes (la corde supplémentaire, plus grave, étant accordée en si), employées dans le metal et popularisées par Steve Vai, plus rarement à huit cordes (employées notamment par le groupe Meshuggah), ainsi que des guitares à deux manches (utilisée notamment par Jimmy Page) permettant de coupler en un seul instrument une guitare six cordes et une douze cordes, ou encore une acoustique et une électrique, une guitare et une basse ... On trouve de nombreux autres genres de guitares, plus marginaux : à manches multiples (jusqu'à huit !), à corps carré, en forme de V ...

Il existe de très nombreux types de guitares électriques, qui appartiennent toutes à l'une des trois familles suivantes :

les guitares à corps plein ou solid body, très populaires dans le Rock et la Pop, sont, comme leur nom l'indique, dépourvues de caisse de résonance. Très polyvalentes, ces guitares sont égalemement moins encombrantes, et leur son n'est pas parasité par les effets induits par une caisse de résonance à haut volume, tel que la rétroaction acoustique appelée à tort larsen. On peut citer parmi les modèles les plus célèbres les Fender Telecaster, Fender Stratocaster et Gibson Les Paul.
les guitares demi-caisses ou quart de caisse, sont équipées d'une caisse de résonance de taille limitée, en général dotée d'ouïes sur les côtés de la table d'harmonie. Avec ou sans poutre centrale, elles ont un son plus « chaud » et sont préférées dans le Rock 'n' Roll et le Blues. Elles sont néanmoins parfois sujettes aux larsen, et supportent mal les saturations très importantes. Les Gibson ES-335 sont parmi les modèles les plus connus.
les guitares à caisse, ou guitares archtop (voir plus haut), sont équipées de micros doubles et utilisées essentiellement en jazz, car elles offrent un son plus rond.

Guitare basse
Couramment appelée basse, cette variante de la guitare électrique est apparue dans les années 1950 pour pallier le manque de puissance sonore des contrebasses dans les orchestres de Rock and Roll. C'est un des rares instruments conçus dès l'origine pour être amplifiés : la majorité des basses sont donc électriques.

Elle a le plus souvent quatre cordes (mais on trouve des modèles de cinq à douze cordes, indépendantes ou doublées) avec un manche plus long et des cordes plus grosses que sur les autres types de guitare, ce qui donne un son beaucoup plus grave, en général d'une octave. L'accordage traditionnel d'une basse est le même que celui de la contrebasse, c'est-à-dire celui des quatre cordes les plus graves d'une guitare, mais une octave au-dessous. La basse électrique est employée massivement dans le Rock, le Blues et leurs dérivés, ainsi que par certains musiciens de Jazz comme Jaco Pastorius, Victor Wooten ou Marcus Miller (bassiste de Miles Davis).

Il existe aussi des basses acoustiques, dérivées de l'instrument électrique original, mais la majorité d'entre elles pèchent par leur manque de puissance sonore, du à une caisse de résonance trop petite. Une caisse de résonance de plus grande taille rendrait l'instrument très encombrant.

Il existe cependant une énorme guitare basse acoustique principalement utilisée au Mexique par les groupes de mariachis. Appelé guitarron, cet instrument peut avoir quatre ou six cordes, le modèle à six cordes étant le plus courant.

Vocabulaire
hauteur ความสูง, ระดับเสียง
rythmes คลื่น จังหวะดนตรี
luthier ผู้ประดิษฐ์กีตาร์
resonance เสียงก้อง ความก้อง

Sakura

2007-07-24T02:29:00.000-07:00

Sakura (japonais, kanji : 桜 ou 櫻, hiragana : さくら, katakana : サクラ ) est le nom japonais des cerisiers ornementaux du Japon (dont Prunus serrulata) ainsi que de leurs fleurs. La cerise (appelée 桜んぼ sakuranbo) vient d'une autre espèce de Prunus.

Symbolique du Sakura
Le sakura a toujours été un symbole de beauté éphémère au Japon et est étroitement associé aux samouraïs et aux bushi. La vie était considérée comme belle et courte, un peu comme une fleur de cerisier.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, le sakura était un symbole servant à motiver le peuple japonais. Les pilotes nippons le peignaient sur les flancs de leur avion avant de partir pour une mission suicide, en tant que symbole de beauté et de nature éphémère. Le gouvernement encourageait les Japonais à croire que l'âme des soldats morts au combat se réincarnaient en fleurs de cerisier. Aujourd'hui encore, les militaires et les policiers utilisent ces fleurs comme emblèmes, drapeaux et insignes à la place de classiques étoiles.

Influence culturelle
La floraison de ces cerisiers a de tout temps inspiré les artistes japonais : l'empreinte culturelle de cet évènement est omniprésente dans la littérature (notamment dans les manga et les anime) et la peinture japonaises, les danses traditionnelles, le théâtre et la religion (bouddhisme, shintoisme).

De même, le sakura est très présent dans la musique (par exemple, le groupe Kagrra associe souvent ses chansons ou l'ambiance de ses concerts au cerisier). Il existe au moins une chanson populaire intitulée Sakura, initialement prévue pour être jouée par un shakuhachi (flûte de bambou) ; on compte également de nombreux morceaux de J-Pop portant ce titre.

Les sakura sont représentés de manières très diverses sur les kimonos, les articles de papeterie et la vaisselle.

"Sakura" est aussi un prénom féminin très courant.

Cultivars
Il existe de très nombreux cultivars de Sakura se différenciant par le nombre de pétales, la couleur des fleurs et des jeunes feuilles, la période de floraison ou le port de l'arbre.

La variété préférée des Japonais est le Somei Yoshino (japonais : 染井吉野). Ses fleurs sont d'un blanc presque pur teinté du rose le plus pâle particulièrement au niveau de la tige. En général, les pétales de ces fleurs tombent (ou plutôt "se dispersent", 散る chiru en japonais) une semaine avant que les feuilles n'apparaissent ; c'est pourquoi, ils semblent blanc du tronc à la cime. Cette variété tient son nom du village de Somei (maintenant partie intégrante de l'arrondissement tokyoïte de Toshima). Elle a été développée du milieu jusqu'à la fin du XIXe, entre la fin de l'époque d'Edo et le début de l'ère Meiji. Le Somei Yoshino est si largement associé au cerisier que les jidaigeki (films historiques) et autres œuvres de fiction représentent cette variété au début de l'époque d'Edo, voire bien avant ; de telles mises en scène sont donc purement anachroniques.

Les yamazakura, yaezakura, et shidarezakura sont d'autres variétés de cerisier du Japon. Le yaezakura a de grandes fleurs avec plus de 5 pétales denses et rose foncé. Le shiradezakura, ou "cerisier pleureur", possèdent des branches qui tombent comme celles du saule pleureur et portant des cascades de fleurs roses.

Le Laboratoire de Dexter

2007-07-22T03:48:00.000-07:00

Le Laboratoire de Dexter (Dexter's Laboratory) est une série télévisée d'animation américaine en 221 épisodes de 10 minutes, créée par Genndy Tartakovsky, produite par Hanna-Barbera (de 1996 à 1998) puis Cartoon Network Studios de (2001 à 2003) et diffusée entre le 28 avril 1996 et le 26 septembre 2003 sur le réseau Cartoon Network. En France, la série a été diffusée à partir du 5 septembre 1999 sur France 3 dans l'émission Les Minikeums et sur Cartoon Network depuis 2000. Au Québec, la série a été diffusée à Télétoon.

Personnages

Dexter : 8 ans, rouquin, petit par son âge et par sa taille mais aussi très intelligent. Il a un immense laboratoire secret caché derrière l'étagère de sa chambre dont ses parents ignorent complètement l'existence et il y passe littéralement la plus grande partie de son temps libre à y inventer ou bien des portails interdimensionnels, des machines à remonter le temps, des télépodes, des machines à rétrécir ou agrandir, etc. Nous noterons d'ailleurs que toutes ses inventions sont développées avec des budgets quasiment illimités.
Il est habillé en permanence de sa blouse blanche de ses grosses lunettes (se déformant et indiquant par la même occasion ses sentiments) et de ses gants violets (protection bactériologique) trahissant sa peur de se faire mal. La relation qu'a Dexter pour ses parents est exactement celle d'un enfant de 10 ans avec des parents dit normaux.

Dee Dee : 11 ans, sœur aînée de Dexter, débordante d'énergie, passant son temps à appuyer sur les boutons d'autodestruction du laboratoire de son frère non pas par méchanceté mais par naïveté. Blonde, avec des jambes occupant à peu près les deux tiers de sa hauteur, Dee Dee est aussi passionnée par les poneys, et sa chambre est une zone à haut risque selon Dexter, car toute rose et emplie de peluches. Malgré l'énervement profond que Dee Dee créé à Dexter en ne cessant de danser dans son laboratoire ou de détruire ses inventions, un lien fort et profond les lie et Dexter s'avoue et avoue plusieurs fois à sa sœur qu'il ne peut se concentrer dans un laboratoire trop silencieux (Cf. épisode Bienvenue à Friandises Land).
Mandark : 12 ans, l'ennemi juré de Dexter, aussi intelligent, disposant de son propre laboratoire, mais plus grand que Dexter, il est amoureux de Dee Dee et essaye désespérément de localiser le laboratoire de Dexter. On notera également que la physionomie de Mandark (Jambes très longues, corps minuscule et tête imposante) est la même que celle de Dee Dee, ce qui pourrait expliquer son amour pour celle-ci.

Maman : mère stéréotypée de Dexter et de Dee Dee, se promenant toujours avec ses gants de nettoyage passés à ses mains. Elle semble d'une naïveté extrême et très douce et gentille mais ne supporte pas que son fils refuse de lui obéir et l'on peut à ses moments là assister à une "explosion" de colère de quelques secondes avant qu'elle ne recourvre ses habitudes doucereuses.

Papa : père stéréotypé de Dexter et de Dee Dee, adore la pêche, le sport, lire son journal et manger les brioches de sa femme. Tout comme cette dernière, il ne brille pas par son intelligence ni sa déduction et ne semble pas non plus connaître l'existence du laboratoire secret (bien que certains épisodes tendraient à nous faire penser que les parents de Dexter savent qu'il existe. Mais la règle communément admise est que seuls Dexter, Dee Dee et Mandark connaissent l'existence du laboratoire.) On s'étonne également souvent de l'immense inattention des parents de Dexter qui ne remarquent pas que leur maison est régulièrement endommagée, voire totalement détruite (le laboratoire est par ailleurs anéanti au moins à trois reprises, une fois par autodestruction, la seconde fois écrasé par la Lune et la troisième fois à la suite de jeux avec sa soeur Dee Dee dans l'épisode Au jeu comme à la guerre) Par ailleurs, le lancement de sondes spatiales depuis le laboratoire (qui nécessite parfois le basculement entier de la maison) ne semble pas déranger plus que cela les parents de Dexter.

KFC

2007-07-15T08:22:00.000-07:00

KFC (abréviation de Kentucky Fried Chicken), ou PFK (Poulet Frit du Kentucky) au Québec, est une chaîne de restauration rapide américaine basée à Louisville dans le Kentucky. Fondée par le Colonel Sanders au milieu du XXe siècle, elle appartient désormais au groupe Yum! Brands, Inc. et est connue notamment pour ses recettes à base de poulet. Aujourd’hui présent à travers plus de 14 000 restaurants, dont 79% sont gérés en franchise, dans 80 pays[2], KFC est la chaîne de fast food de poulet la plus connue au monde. Elle sert chaque jour près de 8 millions de clients dans le monde entier.

Histoire
Né à Henryville, dans l'Indiana, Harland Sanders est depuis son plus jeune âge passionné par la cuisine. Après avoir exercé de nombreux métiers pendant sa jeunesse, il décide en 1940 de servir ses propres recettes aux clients de la station service qu'il possède à Corbin dans le Kentucky. Fort de son succès, il ouvre un motel-restaurant qu'il est contraint de fermer quelques années plus tard en raison de la construction d'une nouvelle autoroute inter-états à l'emplacement de son affaire. Il part alors sillonner l'Amérique à la recherche d'un restaurant qui accepterait de lui acheter ses poulets, jusqu'en 1952 où il ouvre son premier Kentucky Fried Chicken en franchise. Sa jeune société va dés lors commencer à croître, jusqu'à compter 600 points de vente à travers l'Amérique[3], mais il s’en sépare en 1964, la vendant au futur gouverneur du Kentucky, John Y. Brown, Jr. Il va alors jusqu'à sa mort s'atteler à promouvoir sa marque, devenant ainsi son porte-parole et ambassadeur officiel. Depuis la chaîne a été rachetée de nombreuses fois et appartient désormais à Yum! Brands, Inc., l'ancienne filiale du groupe PepsiCo.

L'abréviation du nom Kentucky Fried Chicken en KFC a été introduite par la société en 1991. Bien qu'aucune explication officielle n'ait jamais été fournie, on retient trois hypothèses concernant ce changement. La première serait que la chaîne ne voulait pas être identifiée uniquement à son poulet puisqu'elle proposait également d'autres plats et condiments qu'elle désirait faire connaître. La seconde accuserait la connotation péjorative du mot fried (frit), souvent gage de mauvaise qualité. Enfin, la dernière mettrait en cause le simple fait qu'une version raccourcie du nom de la chaîne sonnerait plus jeune. Récemment la compagnie a commencé à réintroduire le nom de Kentucky Fried Chicken en le citant dans ses publicités, et l'apposant sur certains de ses produits

Produits
En plus du poulet frit, KFC propose à son menu des plats d'accompagnement. On peut par exemple commander dans les restaurants américains de la salade de chou blanc à la mayonnaise, de la purée de pomme de terre, des pâtisseries, des épis de maïs, des tourtes, des hamburgers, des travers de porc, des haricots verts, des ailes de poulet, des Poulet Pop-Corn (bouchées de poulet frit servies dans un cornet en carton), des sandwichs et des desserts [5]. La carte de la chaîne n'est en revanche pas tant diversifiée dans les autres pays du monde. En France par exemple, KFC ne propose en guise d'accompagnements que du maïs, de la salade tomate mozzarella, des frites, des Fresnos (bâtonnet de piment frit fourré aux herbes), des hamburgers et des desserts[6]. KFC prépare également des spécialités exclusives dans certains pays comme c'est le cas avec la poutine au Québec.

Parfois, les innovations d'un pays en matière de menu peuvent être adoptées par les restaurants KFC du monde entier. Ainsi la direction de Singapour introduisit la première le Colonel's Filet en 1988, le Hot & Crispy Chicken en 1990 et le Zinger trois années plus tard[7]. Depuis la fin des années 1990, la compagnie sert les Popcorn Chicken, ses bouchées de poulet frit célèbres en Amérique. Elles furent abandonnées suite aux plaintes de clients qui disaient ne manger presque que la peau du poulet, puis réintroduites au début des années 2000. En mai 2006, KFC introduisit aux États-Unis la Famous Bowl, un bol rempli avec de la purée de pomme de terre ou du riz, de la sauce au jus, du maïs, des bouchées de poulet frit et du fromage. Avant de la commercialiser, des études de marché furent préalablement réalisées au restaurant de Louisville à l'automne 2005. En 2007, la chaîne ajouta à sa carte un nouveau hamburger : le Fish Snacker, un sandwich au colin d'Alaska[8].

Aux États-Unis, les produits KFC sont les plats les plus demandés pour le dernier repas des condamnés à mort

La recette secrète
La recette secrète aux 11 herbes et aromates aurait été inventée et développée pendant 9 années par le colonel Sanders dans son restaurant à Corbin. Cette légende est largement utilisée par la marque comme moyen de promotion tout comme pour le mythe de la composition du Coca-Cola. Elle assure en effet qu'il s'agit d'un des secrets les mieux gardés dans le milieu des entreprises et qu'elle est encore utilisée de nos jours dans les restaurants KFC[10]. La feuille sur laquelle est inscrite la recette serait gardée dans un coffre à Louisville et même le président-directeur général du groupe n'en connaîtrait pas l'exact contenu.

Le poulet frit KFC serait cuisiné dans un autocuiseur et non pas dans une friteuse classique, ce qui confèrerait, d'après la chaîne, une saveur unique à la viande. Pourtant, l'animateur américain Alton Brown démontra dans son émission intitulée Good Eats que le fait d'utiliser une CocotteMinute ne faisait que réduire le temps de cuisson du poulet, sans lui apporter aucun goût particulier. Le colonel Sanders aurait donc d'après lui utilisé un autocuiseur seulement afin de servir ses clients plus vite, leur épargnant ainsi les 45 minutes d'attente nécessaires pour faire frire un poulet dans de l'huile bouillante.

En 1985, le journaliste William Poundstone écrivit un livre nommé Big Secrets (Grands Secrets), dans lequel il analyse et révèle la composition de la recette secrète. Poundstone explique qu'il a du étudier les différents brevets déposés par le Colonel et déposer des annonces dans des journaux étudiants afin d'appeler les employés de KFC à partager leurs connaissances. Il en est arrivé à la conclusion que le poulet de Sanders serait différent car il aurait utilisé une quantité d'huile supérieure à la quantité normale et commencerait à cuire le poulet à 200°C la première minute pour après baisser la température à 120°C jusqu'à la fin de la cuisson. Un laboratoire d'analyse lui révéla également que les "11 herbes et aromates" ne seraient en fait que du sucre, de la farine, du sel, du poivre noir, et du glutamate monosodique. D'après le journaliste, il est fort probable que la véritable recette du Colonel ait été modifiée durant les années qui ont suivi la vente de sa société, afin de produire le poulet à moindre frais, Sanders lui-même s'étant indigné de la baisse de qualité de son affaire.

Campagnes publicitaires
Les premières publicités pour KFC mettaient généralement en scène le colonel Sanders qui dégustait son poulet tout en parlant de sa recette secrète et de l'authenticité de sa marque. Elles insistaient également sur les valeurs familiales et traditionnelles, invitant les téléspectateurs à tous se retrouver autour du poulet KFC[11].

Après la mort du colonel en 1980, la chaîne fit appel à Will Vinton pour réaliser une série de publicités humoristiques basée sur le principe de l'animation de pâte à modeler. La plupart montrait un poulet stylisé censé représenter la mauvaise qualité des autres marques concurrentes[12]. La marque fut également le sponsor de pilotes de Nascar tels que Darrell Waltrip, Neil Bonnett, et Terry Labonte pendant la NEXTEL Cup.

Elle réitèrera l'opération en 1997 en devenant le sponsor de Rich Bickle, membre de de l'équipe Darrel Waltrip Motorsports, pour le tournoi Brickyard 400.

À la fin des années 1990, une nouvelle version stylisée du colonel Sanders apparut sur les enseignes de la marque. Les publicités commencèrent à mettre en scène une version animée du colonel, doublé par l'acteur américain Randy Quaid. Représenté d'humeur jovial, il chantait, dansait et tapait sur l'écran de télévision, promouvant ses produits auprès des téléspectateurs.

Aujourd'hui il est plus rare de voir apparaître ce personnage à la télévision américaine, les réclames pour KFC étant plutôt orientées sur la satisfaction des clients à manger le célèbre poulet. Elles utilisent toutes une reprise de la chanson "Sweet Home Alabama" de Lynyrd Skynyrd.

En 2006, KFC créa la plus grande enseigne publicitaire jamais construite à ce jour. D'une superficie totale de 8128,75 m², le nouveau logo de la chaîne est visible depuis l'espace grâce au satellite GeoEye situé à plus de 250 km d'altitude[14]. Avec 3000 heures de travail, la réalisation consista surtout à poser côte à côte des carrés peints de 30 cm de côté, comme un gigantesque puzzle. Le tout se chiffre alors ainsi : 6.000 pièces rouges, 14.000 carrés blancs (sur fond blanc), 12.000 jaunes, 5.000 beiges et 28.000 noirs[15]. À quelques kilomètres seulement du fameux site 51, cette enseigne aux proportions démesurées est censée marquer un renouveau de la marque qui prévoit la rénovation de ses 14 000 unités au cours des 5 prochaines années

Le 15 novembre de la même année, la chaîne lança un grand concours appelant à trouver le message caché sur le logo géant afin de gagner un hamburger gratuit[17]. Il s'agissait en fait du célèbre slogan Finger Lickin' Good inscrit sur un panneau tenu par un faux Sanders se tenant au niveau de la cravate du colonel géant.

L'enseigne se servit aussi du jeu vidéo pour promouvoir ses produits. Ainsi on pouvait retrouver dans le jeu de Dreamcast Crazy Taxi un restaurant KFC.

Il n'est pas rare de trouver aux États-Unis des établissements KFC couplés avec un ou plusieurs autres restaurants du groupe Yum!. Ils se comportent comme des fast-food classiques, mais proposent aux clients un menu composé de recettes de chaque marque.

KFC en France
Présent dans l'hexagone depuis 1991, KFC France SAS est dirigé depuis 2003 par Ivan Schofield et réalise en 2007 un chiffre d'affaires de 78,7 millions d'euros par an[19]. Son siège social est situé à Nanterre, aux côtés des quartiers généraux des autres marques du groupe Yum!. KFC France emploie plus de 1.800 personnes qui servent près de 20.000 clients par jour. Ses restaurants sont ceux qui réalisent les chiffres d’affaires moyens les plus importants d’Europe.

90% des poulets servis dans les restaurants KFC français proviennent de la Communauté Européenne et 10% du Brésil. Le principal fournisseur de la chaîne est le groupe breton Doux

Histoire
C'est en 1991 que KFC ouvre son premier restaurant dans un centre commercial Carrefour de Villiers en Bière [22]. L'année suivante l'enseigne ouvre le premier KFC parisien dans le quartier des Halles et la marque va continuer à se développer en France en ouvrant 5 nouveaux établissements. Mais le groupe PepsiCo, alors propriétaire de la marque, décide de se séparer de sa branche restauration et arrête ainsi l'expansion de l'enseigne en France. En 1997, le spin-off du groupe permet à KFC d'intégrer TRICON qui décide de reprendre son développement sur le territoire français en 1999. En 2001 la marque dispose de son propre réseau en national et investit dans dix nouvelles unités[23]. Les années suivantes, KFC France continuera à se développer notamment sur Paris et la région parisienne. Elle possède aujourd'hui 50 restaurants à travers la France et prévoit 100 nouvelles ouvertures d'ici 2009/2010[24]. 2006 a été une année clé pour KFC, elle marque le début d’un vaste plan de modernisation sur 5 ans de la chaîne qui se lance dans une démarche à long terme d’harmonisation des services proposés dans ses 50 restaurants en France[21]. Le premier établissement à avoir été "remodelé" est celui des Halles, porte-drapeau de la marque dans l'Hexagone.

สำนวนไทย

2007-07-10T08:39:00.000-07:00

คำถามต่อไปนี้ตรงกับสำนวนไทยว่าอะไร?

"

"

วัวอะไรเดินไม่ได้?
เฉลย : วัวลืมตีน

เก้าอี้ตัวหน้ามี 4 ขา ตัวหลังมีแค่ 3 ขา ถ้าต้องนั่งตัวหลังเรียกว่าอะไร?

เฉลย : ตกที่นั่งลำบาก

เกลืออะไรอีกไม่นานก็บินได้แล้ว?

เฉลย : เกลือเป็นหนอน…อีกไม่นานก็กลายเป็นแมลงวันบินปร๋อ

สัตว์อะไรอยู่บนไอศกรีม?

เฉลย : คางคก…ก็ 'คางคกขึ้นวอ (ลล์)' ไง…(ไอศกรีมวอลล์)

อะไรใหญ่กว่าภูเขา?

เฉลย : เส้นผม...เพราะ เส้นผมบังภูเขามิดเลย ;-)

ทำไมผีต้องค้างคืนที่โรงแรม?

เฉลย : เพราะ…ผีลืมหลุม กลับไม่ถูกอ่ะ

หนูอะไรไม่เคยเสียสาว?

เฉลย : หนูไม่ยอม (ซะอย่าง)

หมาหางด้วนเจอที่ไหนมากที่สุด?

เฉลย : ที่วัด…เพราะหมาพวกนี้โดน 'ตัดหางปล่อยวัด'

ปากอะไรน่าสงสารที่สุด?

เฉลย : ปากกัดตีนถีบ

สำนวนไทยเรียกเกย์กลับใจที่หันไปชอบผู้หญิงอย่างเดียวว่าอะไร?

เฉลย : พวก 'ได้หน้าลืมหลัง'...อ้ะจึ๋ย!

เมื่อไร 10 น้อยกว่า 1?

เฉลย : เมื่อ 'สิบปากว่า ไม่เท่าตาเห็น'

ตำรวจไทยฝีมือดีที่สุดคือใคร?

เฉลย : 'ละม่อม' เพราะเห็นข่าวว่า 'จับได้โดย

Harley-Davidson

2007-07-08T04:35:00.000-07:00

Harley-Davidson est un fabricant de motocyclettes basé à Milwaukee (Wisconsin), États-Unis d'Amérique. L'entreprise a été fondée en 1903.
Ces motos ont un style, un caractère moteur et une sonorité particulière qui suscitent la fidélité chez les clients de la marque. Les motards qui ne participent pas à ce culte les trouvent dépassées car elles ont souvent un look de machine de collection mais elles sont bien plus modernes qu'on ne le pense.

Histoire
Fondation
L'entreprise Harley-Davidson eut un début modeste en 1903 quand William Harley, alors âgé de 21 ans, et Arthur Davidson (20 ans) construisirent un prototype de bicyclette motorisée dans un garage minuscule.
Dans les deux premières années ils ne produisirent que trois motocyclettes. Le modèle était la « Silent Grey », un monocylindre à soupape d'admission automatique et dépourvue de boîte de vitesses. Puis ils fondèrent officiellement la société le 28 août. Le dessin du cadre fut changé et la production de cette année-là fut de trois engins.
En 1906, elle ouvrit son premier atelier avenue Juneau, qui est toujours le lieu du siège social. La production augmenta régulièrement (la Silent Grey Fellow est vendue 200 $)

En 1907 Walter Davidson devient le premier président de la Harley-Davidson Motor Compagny. William Harley est nommé ingénieur en chef. Arthur Davidson est en charge de la partie commerciale alors que William Davidson dirige l'atelier. La taille de l'entreprise double. Les actions sont également réparties entre les quatre fondateurs. 18 employés travaillent pour la Motor Co. Elle reçoit sa première commande d'une force de Police.
En 1908, Harley Davidson fait ses débuts en compétition : Walter Davidson, âgé de 32 ans, s'engage pour l'endurance de « New York 's Catskill Mountain » avec sa Silent Grey Fellow personnelle. Il remporte en juin la course avec le score parfait de 1 000 points devant 62 autres participants. Le week-end suivant, Walter gagne un Economic Run à Long Island en parcourant 188 miles avec un gallon d'essence. Suite à ces victoires, les concessionnaires voient les ventes s'envoler. Le monocylindre délivre 4 cv et atteint 45 mph (75 km/h environ).
Bill Harley, de retour de l'université, étudie un moteur plus puissant : au lieu de créer un tout nouveau bloc, il greffe directement sur la Silent Grey Felow un deuxième cylindre. Bill utilise une bielle en fourche qui s'associe dans le même plan à la bielle du monocylindre sur le vilebrequin. Le V Twin Harley est né !
Milwaukee inaugure un système de numérotation faisant de l'année 1904 l'année zéro de la production. Les modèles 1908 sont donc appelés "model 4".
La police de Chicago passe une commande de Harley-Davidson. (Production : 450 exemplaires)
En 1909, Harley Davidson propose à la vente son tout premier bicylindre. Il est déjà en V et calé à 45°. Il produit 7 cv Les soupapes d'admission ne sont plus poussées mais culbutées comme sur le monocylindre. Le V-Twin atteint 60 mph(96 km/h environ). C'est alors la moto la plus rapide du marché. Seulement 27 V-twin trouveront preneur, alors que 1 100 monocylindres sont vendus. Le bicylindre sera retiré de la vente car il n'est pas équipé d'un tendeur de courroie, contrairement au monocylindre. Le tendeur de courroie fait alors office d'embrayage. Privée de cette pièce, la moto est un calvaire : il faut couper le moteur à chaque arrêt puis la redémarrer en pédalant !
En 1910, la Harley-Davidson Motor Compagny utilise pour la première fois le fameux logo dit "Bar and Shield". Le monocylindre de 492 cm3 produit désormais 4,34 cv sous la dénomination "model 6 ". Cette moto pèse moins de 100 kg.
En 1911, le bicylindre est fiable et utilisable au quotidien. H-D propose désormais des pièces de rechange.
Le succès de l'entreprise commence à attirer l'attention et la concurrence (150 en 1911).
1912 fut une grande année dans l'évolution de la marque : Le modèle X8E de 61 ci est un succès grâce à l'embrayage placé dans le moyeu de la roue arrière par Bill Harley. Il est appelé "Free Wheel control". Il est commandé de la main gauche par un imposant levier. Fin 1912, Harley-Davidson propose au choix la courroie en cuir ou une chaîne. Plus de 200 concessionnaires sont répartis dans le pays.
En 1913, l'atelier, devenu une usine mesurait 28 000 m² (300 000 pieds carrés). L'entreprise domine le marché avec une production de 12 904 machines.

Époque de la Première Guerre mondiale
En 1917, les États Unis d'Amérique entrent en guerre. Les forces armées demandent des motos. Elles avaient déjà été utilisées dans des escarmouches avec Pancho Villa mais ce serait le premier conflit avec une utilisation massive, puisque 20 000 machines y seraient affectées.
En 1920, Harley-Davidson était officiellement le plus grand fabricant de motos au monde. Les motos de la marque étaient distribuées dans 67 pays pour un total de 28 189 machines.
En 1921, une Harley-Davidson fut la première à gagner une course à une moyenne supérieure à 160 km/h (100 miles/heure)
Dans les années 1920, plusieurs améliorations furent faites : notamment un frein sur la roue avant en 1928 et la cylindrée augmentée. Le réservoir d'essence en goutte d'eau fut introduit en 1925.

Époque de la Seconde Guerre mondiale
L'une des deux sociétés fabriquant des motos à avoir survécu à la grande dépression fut Harley-Davidson. La société produisit encore de grandes quantités de motos des modèles WLA/WLC, XA, UA,etc... pour les forces armées Américaines et Alliées pendant la Seconde Guerre mondiale. Elle reprit ensuite la production civile, connaissant aussi des succès en compétition.

Dans les années 1970, Harley-Davidson évolue peu et se cantonne à ses modèles, sans changer de conception durant de nombreuses années. Le coût et le prix deviennent élevés pour des performances qui étaient très inférieures à celles des nouveaux concurrents japonais. Néanmoins, en 1977, Harley-Davidson surprend tout le monde en présentant la 1000 XLCR Cafe Racer. Mais elle n'aura pas le succès attendu.
Quelques années plus tard, la firme récidivera avec le modele XR 1000, directement dérivé de la compétition, et là encore, se sera l'échec commercial, notamment en raison d'un prix de vente prohibitif pour l'époque, plus de 6000 $.
Au milieu des années 1970, AMF acheta la société et augmenta la production mais cette stratégie entraîna une qualité moindre. Les ventes déclinèrent et l'entreprise fut sur le point de faire faillite. Le nom lui-même devint l'objet de moqueries comme à peine capable et le titre goret (hog) devint autant affectueux que péjoratif. AMF vendit l'entreprise à un petit groupe d'investisseurs qui ralentirent la production, introduisirent des techniques de productions innovantes et améliorèrent la qualité. Plutôt que de se battre contre les Japonais sur leur terrain, cette nouvelle direction accentua le côté rétro mais apporta une excellente réputation à la firme.
Une Harley-Davidson devient alors objet de collection qui garde sa valeur si elle est bien entretenue, surtout pour un gros modèle.
La vente d'objets portant le logo et des accords de licence avec des entreprises fabriquant des camions légers à plateau (série F) comme Ford assurent une publicité forte et des revenus intéressants.

Modèles
Les modèles de châssis sont représentés par une lettre : F pour grosse cylindrée, X pour petite, FL pour grosse avec la fourche Hydraglide et FX pour la petite avec une fourche ordinaire.
La ligne Sporster (qui a débuté en 1957 pour contrer l’offensive anglaise menée principalement par Triumph) : 883, 883 Custom, 1200 Roadster (double disque avant) et 1200 Custom. Ces deux derniers ayant une puissance de 70 ch pour un couple de 109 Nm à 3 300 tr/min. Les modèles 2007 sont à présent équipés d'une injection électronique qui améliore la régularité du couple et la consommation.
La marque Buell a été fondée par un ancien ingénieur de Harley-Davidson, Erik Buell. Elle se distingue par une architecture très sportive, avec amortisseur et échappement sous un moteur de sportster amélioré, notamment par l'adjonction, sur certains modèles (X1), d'une injection électronique, allant de 900 à 1 200 cm³. Le modèle le plus récent XB12S et Ss a une puissance de 100 ch.
Il est à signaler que depuis 2002, les Buell sont équipées de moteurs exclusifs à Buell : un monocylindre de 500 cm³ installés sur le modèle « Blast » et un bicylindre 900cm³ installé sur la XB9. Ce dernier à ensuite été porté à 1200cm³ sur les modèle XB12. Ces moteurs Buell conservent l'architecture originale issue du moteur du sportster mais n'ont plus grand chose de commun avec le sporster dont sont toujours équipées les Harley Davidson.
Cette marque a été rachetée par Harley-Davidson.

2007-07-08T04:16:00.001-07:00

Reggae

2007-07-06T09:10:00.000-07:00

Le reggae est l'une des expressions musicales jamaïcaines les plus connues et les plus populaires qui est devenue, à la faveur de son succès international un style musical incontournable porteur d'une culture qui lui est propre.

À l'origine du reggae
« Il y d'abord le mento, notre musique locale traditionnelle. Le ska, le rocksteady et le reggae ont pris au mento le jeu à contretemps de la guitare rythmique, et aussi certaine chansons transformées. Si on essaie d'établir des relations entre les musiques, et de voir quelles continuités existent d'une période à une autre, on peut isoler le jeu à contretemps de la guitare, que l'on peut entendre dans le mento avec le banjo, le ska, et qui correspond aussi au contretemps dans le rythm & blues et en particulier dans le piano boogie-woogie. C'est le " beat " entre les temps, c'est le Tin-Cutin'-Cutin' -Cutin', c'est le un ET deux ET trois ET…Tu le retrouves dans toutes nos musiques, le reggae, le calypso, le mento, la musique de la Martinique, de la Guadeloupe, tu le retrouves dans le hi-life, mérengue. De plus cette attirance vers l' "after-beat " se retrouve dans les églises, avec les rythmes des tambourins, des claquements des mains … Une grande part du mento provient de la musique populaire. Mais nous avons aussi des traditions folk très fortes, qui pénètrent dans la musique à différentes étapes de son développement. Par exemple tu as la musique Burru, le tambour traditionnel africain sur lequel les gens font des chansons sur les évènements locaux. Ces chansons sont celles qu'ils chantent en creusant dans les champs, des diggin'songs… »
Linton Kwesi Johnson

Le reggae est apparu à la fin des années 1960. Il est fruit de nombreuses rencontres et de métissages : évolution du ska et du rocksteady, il trouve ses racines dans les musiques traditionnelles caribéennes comme le mento et le calypso, mais est aussi très influencé par le rythm&blues, le jazz et la soul music (la musique américaine est alors très en vogue en Jamaïque). À ces influences s'ajoute celle de musiques africaines et du mouvement rasta et des chants nyabinghi, qui utilisent les Burrus africains (tambours) apportés par les esclaves en Jamaïque. Ce métissage ne s'arrêtera pas là, aujourd'hui nombre de styles s'inspirent, intègrent ou reprennent le style reggae, de par le monde. Le reggae est aujourd'hui une musique universelle, comme le souhaitait celui qui fut son principal ambassadeur, Bob Marley.

Si le terme apparaît dans les années 1973 dans la presse occidentale, son origine est obscure. Il pourrait venir du mot d'anglais jamaïcain, "streggae", qui désigne une personne mal ou trop peu habillée, et de là, les prostituées[1]; ce mot aurait été modifié par une radio jamaïcaine de l'époque . D'autres explications existent, comme celle qui en fait la contraction des expressions “regular guy”, “regular people”, en somme une musique faite pour “l'homme de la rue” (citation Bob Marely, interview [réf. nécessaire]). Pour le chanteur Bob Marley, le terme aurait des racines espagnoles et désignerait la « reine des musiques » (« la musica del rey »)[2]. Selon d'autres sources, il serait la contraction et l'altération du terme anglais « raggamuffin » (littéralement « va-nu-pieds ») [3] ou peut-être de rege-rege « querelle ». Autre hypothèse, « reggae » désignerait une tribu de langue bantou originaire du lac Tanganyika[4]. Derrière toutes ces étymologies possibles, se dessinent les particularités d'un genre musical fait d'héritages, de brassages, d'appropriations et de confrotation à la dure et rugueuse réalité. Enfin, dernière explication, la plus simple et sûrement la plus séduisante, le terme « reggae » découlerait de la spécificité de son rythme - « a ragged rythm » un « rythme déguenillé » ou « irrégulier » - comme le soutient le guitariste de studio Hux Brown

Tout aussi problématique est la question de la paternité du reggae en tant que genre musical proprement dit ; paternité qui, contrairement au rocksteady, est très controversée : certains attribuent le premier disque de reggae aux Maytals avec Do the Reggay en août 1968. Cependant, si Toots est certes le premier à utiliser le mot "reggae" dans une chanson, d'autres morceaux au tempo un peu plus rapide que le rocksteady ont déjà préfiguré le style au cours de l'année 1968. Ainsi Pop-a-Top de Lynford Anderson annonçait déjà, début 1968, un nouveau style de rythme, bien plus rapide. D'autres compositions se disputent le titre de premier reggae, dont le Bang A Rang de Stranger Cole et Lester Sterling (pour Bunny Lee), le Nanny Goat de Larry Marshall et Alvin (sous la direction de Jackie Mittoo, pour Studio One), la première version méconnue du Soul Rebel de Bob Marley, et le No more heartache des Beltones.

Cette première phase d'évolution du reggae, que l'on qualifie de période du "early reggae", est caractérisée par un tempo plus rapide, et l'accélération du jeu à contretemps déjà présent avec le ska et le rocksteady. Puis le tempo ralentira, la basse se fera plus lourde encore, mais le reggae gardera cette base rythmique basse/batterie prédominante et ce mouvement chaloupé qui lui est propre.

Lee « Scratch » Perry est également à l'origine d'un des premiers succès reggae de 1968, Long Shot (interprété par les Pioneers, avec les jeunes frères Aston « Family Man » et Carlton Barrett à la basse/batterie), où il utilise une rythmique particulièrement rapide. Scratch travaille alors pour Joe Gibbs et le quittera pour ne pas avoir été crédité pour son travail sur ce morceau [réf. nécessaire]. - Il reprendra ce morceau à son compte en se lançant dans la production, avec son propre label "upsetter" (énerveur). "People Funny Boy" fera un carton en Angleterre. - Scratch utilisera par la suite des pratiques innovantes qui transformeront le reggae, comme l'introduction de bruitages (l'origine du sample). Il fondera également le légendaire studio Black Ark où seront enregistrés, entre autres, Bob & The Wailers, The Congos, Max Romeo, Junior Murvin.

Styles et caractéristiques
Le reggae peut-être caractérisé par :
généralement, l'utilisation de la guitare basse, de la guitare éléctrique, de la batterie, et du scraper ou son équivalent le jawbone qui vient en fin de mesure, et qui accompagnent des chants lourds d'émotion et qui souvent, expriment le rejet pour une "culture dominante".
son rythme four beat, binaire, assez lourd, avec l'accent par la basse et batterie les temps faibles, en particulier troisième temps (connu sous le nom de one drop),
ce que l'on qualifie souvent de contretemps, mais qui l'est pas - car ses accords Modèle:Mot manquant sur le second et quatrième temps - marqué la guitare rythmique ou le clavier (connu sous le nom skank).

L'évolution du reggae
Dès sa naissance, en Jamaïque, le reggae évolue :

1968 - 1970 : le early reggae : tempo rapide, dû aux influences du mento local encore très rythmé, prédominance de la basse
1970 - 1972 : le reggae one-drop : tempo medium, rythme plus lent
1972 : le roots rock reggae : tempo plus lent, prédominance de la basse plus forte encore
1985 : le early digital : rythmique rapide, composée en partie de samples

C'est à partir de 1972, avec le succès de Bob Marley & The Wailers puis d'autres groupes comme les Gladiators et Black Uhuru que le reggae prend une dimension internationale. Dès lors, il pourra non seulement continuer à évoluer en Jamaïque, mais aussi reprendre son métissage à travers le monde.

Du Reggae instrumental au dub
La musique dub est dérivée du reggae. Au début des années 1970, les ingénieurs du son King Tubby et Errol Thompson approfondissent les recherches d'invention d'Augustus Pablo dans le domaine du reggae instrumental. Ceci consiste à effectuer un travail des morceaux présents sur la face A des vinyles, et que l'on place en face B. La face A étant le morceau original et la face B la version dub. Le style se caractérise alors par son accentuation rythmique, lourde et dépouillée, une basse très présente et une mélodie squelettique. On y ajoute des effets comme des échos, de la réverbération qui permettent aux toasters (disc-jockey du reggae) de développer leurs improvisations dans les sound-systems.

Cette mouvance jamaicaine est reprise dans les années 1980 par des Sounds Systems anglais (Aba Shanti I par exemple) qui y rajoutent une bonne dose d'instruments électroniques et par la prédominance du Steppah (basse et grosse caisse sur chaque temps). Ce courant se développe ensuite en Europe (France, Allemagne, Autriche) puis se détache du mouvement reggae pour devenir un style à part entière.

Mini Cooper

2007-07-02T09:06:00.000-07:00

Mini2
Lancée en 2001, la nouvelle version de Mini (souvent dénommée Mini2) est conçue par BMW.

Elle est construite dans la même usine de Cowley à Oxford (Royaume-Uni), celle qui fabriquait les premières Mini Morris. Le moteur 1,6 l des versions essence est produit par Daimler Chrysler au Brésil.

Le style retenu est astucieusement évocateur du profil de l’originale (Mini1) bien que les nouvelles dimensions aient été fortement accrues : plus 60 cm en longueur, plus 27 cm en largeur. La puissance des moteurs s'est fortement accrue, mais le poids a lui aussi suivi la même pente et dépasse nettement la tonne (soit près du double de la version originelle).

Elle est disponible en quatre versions : MINI One, MINI One D (avec un moteur diesel Toyota), MINI Cooper et MINI Cooper S (disposant d'un compresseur)

Un modèle décapotable, « le Cabrio », est apparu en 2004. Il existe aussi des versions « extra large » (à la manière de la voiture du loup de Tex Avery).

La boîte automatique, de type CVT avec six vitesses factices, est disponible sur les trois motorisations essence, issues d'un même bloc de 1,6 l : la One, d'une puissance de 90 ch, la Cooper, de 115 ch et la Cooper S, de 170 ch (initialement 163 ch). La version diesel, la One D, uniquement équipée d'une boîte manuelle, délivre d'abord 75 ch, puis 88 ch.

La Mini dispose d'une déclinaison très sportive, la Cooper S John Cooper Works (préparateur dont les modifications sont garanties par BMW et son réseau), reposant toujours avec le petit moteur 1,6L à compresseur poussé à 210 ch. Elle peut disposer de personnalisations intérieures et extérieures très spécifiques. Ses suspensions durcies sont souvent qualifées de « bouts de bois », elle sont calibrées pour la piste plus que pour la route.

En octobre 2005, trois séries limitées luxueuses ont été lancées : MINI Seven (Mini One), MINI Park Lane (Mini Cooper) et MINI Checkmate (Mini Cooper S).

Le succès phénoménal de la Mini2 a été étudié par toutes les grandes marques automobiles mondiales. Partant d'une production devenue confidentielle (les Mini1 étaient en perdition au tournant du millénaire), BMW a réussi à vendre plus de 800.000 exemplaires en version Mini2. Est-ce grâce à sa qualité de finition (meilleure que celle de ses principaux concurrents), à ses qualités dynamiques (les roues déportées aux 4 coins, l'« effet kart » en virage) ou à sa liste d'options très fournie ? L'image positive dégagée par ce petit véhicule permet, semble-t-il, aux clients de passer outre son petit coffre, sa présentation marginale, son prix exclusif, son manque relatif de confort et sa consommation peu raisonnable.

Par ailleurs, BMW ayant conçu rapidement la Mini2 (pour maintenir la production de l'usine anglaise et éviter de faire sombrer Mini avec la marque Rover), de nombreux points de conception avaient été initialement négligés

Mini3
Une nouvelle version de Mini (dite Mini3) a été finalement lancée fin 2006. Les premières versions disponibles furent la Cooper S (175 ch) et la Cooper (120ch). Suivent, début 2007, les Mini One (95 cv) et Mini One D (110 cv). Seuls les connaisseurs peuvent distinguer la Mini2 et la Mini3 d'un coup d'oeil. Pourtant, BMW n'a pas fait dans la réutilisabilité, seuls le toit et le pare-brise seraient identiques avec la Mini2. La prise d'air sur le capot de la Cooper S est maintenue (elle est apparue sur les Mini2 Cooper S) mais elle ne fait que dégrader l'aérodynamisme car elle est obstruée dans les versions actuellement commercialisées !

L'intérieur est une évolution de celui de la Mini2. Le tachymètre posé au centre du tableau de bord est devenu gigantesque (sans doute pour pouvoir loger l'option GPS qui dispose maintenant d'un écran plus important). Si la qualité des matériaux utilisés semble en hausse par rapport à la version précédente, l'ergonomie reste encore spéciale. Les places arrières offrent un espace limité pour les jambes (sauf si le siège avant est très avancé), ce n'est pas une surprise, mais la hauteur entre l'assise et le toit de la voiture est plutôt bonne (les grands ne se cognent pas la tête). En bref, la Mini n'est toujours pas une « voiture à vivre » pour reprendre un slogan Renault, elle se prend comme elle est, avec ses originalités (comme les interrupteurs chromés type « aviation » par exemple), son style voyant, ses lacunes d'équipement (pas de manomètre pour surveiller la surpression du turbo dans la Cooper S entre autre, même en option). A noter, une option d'ambiance d'éclairage intérieur pouvant passer dans différentes teintes suivant l'humeur ! La fameuse liste des options (imbattable dans sa catégorie de véhicule) en comporte de nombreuses qui seraient du plus mauvais goût dans une autre voiture (excès de chrome par exemple), mais dans une Mini...

La direction des Mini3 est entièrement électrique (solution provenant de l'équipementier japonais JTEKT). Le moteur d'assistance ne fait pas appel à une assistance hydraulique (plus encombrante, plus lourde et nécessitant la surveillance de la qualité du fluide). Cette gestion est asservie par la vitesse du véhicule mesurée en sortie de boîte de vitesse. Cette assistance est discrète dès que la voiture roule, ce qui évite l'impression de direction molle particulièrement inadaptée sur les véhicules sportifs, de plus certaines stratégies s'activant sous certaines conditions (vitesse volant, accélération...) permettent un ressenti volant proche de celui d'une direction sans assistance. A noter, la colonne de direction est réglable en hauteur et en profondeur (à voir si ce sera aussi le cas des versions One) ce qui n'est pas toujours le cas dans les petits véhicules de ville.

L'accélérateur est « électrique ». Sa sensibilité semble correctement réglée par défaut.

Les moteurs essence des Cooper et Cooper S ont, quant à eux, été complètement revus (seule la cylindrée ne change pas). Ils sont maintenant le fruit d'un travail conjoint entre BMW (ingénierie) et Peugeot (production). Ces moteurs sont équipés d'un carter semelle et d'une pompe à huile performante (à débit variable en fonction de la pression) généralement installé dans les moteurs sportifs de haut de gamme. De même la pompe à eau, avec son mécanisme de débrayage, marque la volonté de BMW de doter la petite Mini d'un « bouilleur » performant. Le résultat est très probant, le couple est particulièrement élevé dans la version Cooper S ce qui permet de réaliser des accélérations dignes de véhicules de catégories supérieures (on la compare souvent aux Golf GTi ou Clio RS par exemple). Le bruit reste soigné même si certains regrettent déjà le sifflement de perceuse du compresseur des Mini2 Cooper S (exemple de son d'une Mini3 Cooper S).

La version sportive (Cooper S) repose maintenant sur un turbocompresseur (à la place du compresseur de la Mini2 Cooper S) avec une fonction d'overboost, le couple passe rapidement de 240Nm à 260 Nm en appuyant brutalement à fond sur l'accélérateur et permet de meilleures accélérations (par surpression du tubocompresseur). Le moteur est dimensionné pour cette brutalité, par exemple, les soupapes sont remplies de sodium (technique fréquente dans les moteurs turbocompressés). Il est possible de sélectionner, en option, un différentiel à glissement limité (taré à 25%, piloté par le couple, l'écart de couple entre les deux demi arbres avants ne peut pas dépasser 75%), il peut résoudre certains problèmes de motricité notamment en sortie de virage, mais attention au coup de volant nécessaire pour rattraper son effet ! L'injection est directe et haute pression. Cette version peut être conçue avec un chassis sport (rafermissement des suspensions) et dispose d'une option (déconnectable) pour rendre la direction plus ferme et l'accélérateur plus sensible. La Cooper S procure de vraies sensations de conduite sportive, en particulier, elle dispose de très bonnes aptitudes à passer les virages (l'« effet kart » de la Mini2 est bien conservé). A noter que la boîte de vitesse (réalisée par Getrag) est très bien étagée, les performances en accélération sont bonnes tout en préservant un 6ème rapport suffisamment long pour conserver un régime moteur supportable pour les longs trajets sur autoroute (à 130 km/h). Les reprises sont meilleures qu'avec la Mini2 Cooper S, le turbo et l'injection directe haute pression font leur effet. Toutefois, certains reprochent à ce moteur turbo de « ne plus rien avoir » après 5500 tr/min. Mais la future version musclée de John Cooper Works (le préparateur « maison ») pourrait bien changer cela, en effet, la solution existe : BMW fabrique déjà des moteurs turbo à plus haut régime max (pour la série 3 notamment). Seuls les freins, traditionnelle faiblesse de BMW sur presque toute sa gamme, restent un cran en dessous. Ils manquent d'endurance en conduite très musclée. Mais il semble que John Cooper Works (encore une fois) ait une option améliorant ce point faible.

La version Cooper dispose d'un moteur 16 soupapes atmosphérique sophistiqué, notamment, le traditionnel papillon de gaz a été remplacé par une technologie pointue d'admission dite Valvetronic chez BMW, les arbres à cames d'admission et d'échappement sont tous les deux à calage variable et l'injection est multipoint. Toutefois, cette version manque de « nerfs » à bas régime. Il faut vraiment la pousser dans les tours pour qu'elle montre sa nervosité.

La Mini One se contente d'un petit 1,4 L à puissance contenue, seulement 95 cv. La version diesel, la Mini One D passe de 88 cv, sur la Mini2, à 110 cv. C'est un moteur Diesel Peugeot de 1,6 L en version HDI.

La bonne surprise est que cette petite voiture, putôt assez gourmande en carburant dans sa version Mini2, devient plutôt une « bonne élève » (environ 20% de baisse de consommation pour les Cooper et Cooper S). BMW sort du lot, en effet, la hausse régulière de consommation à chaque changement de modèle est un très gros point faible de la concurrence (le poids de leurs modèles diverge). Il est à noter que les masses non suspendues (très importantes pour la tenue de route) sont plus légères qu'avant, notamment grâce à l'utilisation partielle de pièces en aluminium.

La Mini3 reste une petite voiture même si ses cotes ont légèrement augmenté par rapport à une Mini2. Le confort est plutôt un peu meilleur que celui d'une Mini2 (ce n'est pas une référence de grand confort, de plus attention aux options qui dégradent le confort, grandes roues de 17 pouces, châssis sport). Le coffre reste, quant à lui, un des plus petit de la catégorie des citadines : seulement 160 l, juste 10 l de plus qu'une Smart Fortwo ! Tout cela contribue finalement à l'image décalée de cette petite citadine hors norme.

Histoire
1959 : conception très innovante pour l'époque (moteur transversal très compact, suspensions très originales, roues de petite taille, etc.) par Alec Issigonis pour British Motor Corporation (BMC)

Entre 1961 et 1969 il y eut aussi une version de la Mini produite avec un coffre plus grand nommée soit la Wolseley Hornet (reprenant le nom d’une voiture de sport des années 1930) et la Riley Elf. La Mini elle même pouvait être achetée dans plusieurs style de carrosserie - l’ordinaire deux portes, un break avec l’arrière s’ouvrant comme des portes de grange et une version avec un extérieur en bois similaire à celui de la Morris Minor.
Les années 1960 fut la période glorieuse avec des achats bien mis en scène par des vedettes, des victoires de la Mini Cooper en rallyes mais elle ne fut pas profitable à cause de méthodes de fabrication périmées nécessitant beaucoup de ressources humaines (pas de robot).
1968 BMC, Standard-Triumph et Rover fusionnent et forment le groupe British Leyland
En 1970, un redesign fut effectué, la Mini Clubman.
La production totale fut de 5,3 millions.
En 1994 sous Bernd Pischetsrieder, BMW prit le contrôle du successeur de British Leyland le Groupe Rover. Mais, en 2000, Rover continuait à faire des pertes colossales. BMW décida de céder presque toute l’entreprise à Phoenix, une nouvelle société britannique et Land Rover à Ford ; BMW garda la marque Mini et vend maintenant une toute nouvelle version.

happy"...

2007-06-30T11:30:00.000-07:00

[[ Bon anniversaire ]]

วันเกิดที่ผ่านมาเปนปีนึงที่มีความสุขมากกกกๆๆ ^^

เพื่อนๆทำให้รุว่าเราไม่ได้อยุตัวคนเดียว ยังมีเพื่อนอยุข้างๆเสมอ

ขอบคุนเพื่อนๆทุกคนสำหรับของขวัญ เค้ก

คำอวยพรและที่สำคัญมิตรภาพดีๆที่มีให้

ซึ้งงงงงง.......

รักเพื่อนๆที่ซู้ดดดดด

เพลงนี้เพราะดีเน้อออ มันซึ้ง+เศร้าดี

J'aime mes amies

Dauphin

2007-06-30T10:09:00.000-07:00

Le dauphin (du grec ancien δελφίς / delphís, « esprit de la mer », peut-être dérivé de δελφὐς / delphús, « utérus ») est un mammifère marin et fluvial appartenant à l'ordre des cétacés.

Le dauphin désigne en français les cétacés à dents (odontocètes) de moins de cinq mètres généralement dotés d'un rostre long :

L'espèce la plus commune et familière de dauphins, que l'on trouve en majorité dans les delphinariums, est le grand dauphin (tursiops truncatus).
De nombreuses espèces de la famille des Delphinidés qui inclue aussi les orques.
Les Delphinoïdes et les dauphins d'eau douce vivant dans les fleuves d'Asie ou d'Amérique du Sud dont la sous la famille des platanistoïdes.
D'autres animaux marins sont parfois appelés incorrectement « dauphins » comme des cétacés au rostre court ou à peine existant tels que le narval et le béluga, deux animaux plus grands que les dauphins classique dauphin, ainsi que les marsouins qui sont eux beaucoup plus petits.

On prête souvent au dauphin un caractère social, mais certaines espèces sont solitaires. Ces animaux sont populaires car certaines de ces espèces se laissent approcher par l'homme et se montre affectueux. Certains dauphins sont connu pour avoir sauvé des hommes.

Le dauphin dans la culture populaire
Déjà dans l'Antiquité les peuples marins leurs prêtaient de multiples exploits comme de guider les bateaux égarés dans la tempête ou de sauver les naufragés... Ils sont d'ailleurs très souvent cités dans la littérature grecque et étaient l'emblème de la ville de Corinthe (Grèce).
Flipper, héros d'une série télévisée de 1964, rôle tenu en fait par plusieurs dauphins.
Joséphine dans le film de Luc Besson, le Grand Bleu.
Ecco the Dolphin, vedette dans des jeux développés par Sega sortis sur Megadrive et la Dreamcast.
Fungie, dauphin mascotte de la ville de Dingle en Irlande.
Le dauphin a été évoqué de manière saugrenue dans une interview de Patrick Bruel où il raconte comment sa femme et lui ont appris qu'ils allaient devenir parents. « Ce sont les dauphins qui nous l'ont appris. Les dauphins n'approchent pas des femmes enceintes, et quand elle a vu que les dauphins tournaient autour d'elle sans l'approcher, elle s'est demandée ce qu'il se passait. Moi, je le savais, je lui ai dit que c'était un bon signe! »citation nécessaire
Flocon de neige dans le film Ace Ventura, détective pour chiens et chats.
Stefania dans la série documentaire L'odyssée bleue.
Les dauphins dans le livre Un animal doué de raison.
Les néo-dauphins dans le roman Marée stellaire.
Momo le dauphin, mascotte des sixièmes Jeux des îles de l'océan Indien organisés à Maurice en 2003.

อาฮ้า

2007-06-25T09:26:00.001-07:00

มะรุจาอัพอารายยยดี คิดๆๆ - -

อาฮ้า...วันนี้สอบวิทย์ อิอิ แบบว่าก้อพอลอกได้ เอ้ยย พอได้ๆ ก๊ากๆ

สอบฝรั่งเศสด้วยล่ะ แหม่ ยากจัง อันที่ให้ฟังก้อฟังมะค่อยรุเรื่อง มานพูดเร็วอ่า

สอบเส็ดก้อจา 5 โมงละ ไปเรียนวาดรุปต่อ

วาดเบี้ยวไปเบี้ยวมา โดนด่ามั้ยล่ะ ห๊า........

อาจารย์บอกปิดไว้ๆอายเค้าๆ ง่า...แย่ขนาดน้านนเชียวว

เซ็งกานไป

กลับบ้านมาเหนื่อยขาดจายยย แต่ไม่นอนเพราะจาเล่นคอม

เกิ๊กๆๆ

อยากดูรุปงามมๆ 555+ ไปบล็อกบิวนะฮ้าบบบ

.....ไปดีก่า.....

ฟิ้วววววววววววว ~~

วันเกิด...วันของใคร

2007-06-20T08:27:00.000-07:00

วันเกิด...วันของใคร

"วันสำคัญของคนสามคน คือ เรา พ่อ และแม่"
ฉันมักจะเกิข้อโต้แย้งในใจเสมอ

เวลาเพื่อนพาเพื่อไปเลี้ยงวันเกิด

และที่สำคัญ...เจ้าของวันเกิดคือคนเลี้ยง

ฉันไม่เข้าใจว่า...ใครกำหนดค่านิยมนี้ขึ้นมา

พอใครเกิดทีไร...ผู้คนรอบข้างก็จะรุมถามกันว่า...

ไปเลี้ยงที่ไหน...ไม่เลี้ยงหรอ

ฉันไม่เห็นความจำเป็นอย่างยิ่งว่าต้องเลี้ยงใครๆ

ถ้าจะเลี้ยง...เพื่อนน่าจะเลี้ยงเรามากกว่า...

เหมือนแสดงความยินดีที่ได้เกิดมา

และหากเป็นเพื่อนที่ดี...ฉันก็รู้สึกว่า...

วันนั้นน่าจะเป็นวันที่เราทำอะไรให้เขาเป็นพิเศษ

นั่นสำหรับความน่าจะเป็นของผู้ที่เป็นเพื่อนเจ้าของวันเกิดพึงระลึก
สำหรับเจ้าของวันเกิด...

ความจำเป็นจริงๆที่ต้องทำในวันเกิด

น่าจะคือการระลึกถึงผู้ให้กำเนิดเรามา...

เป็นวันสำคัญสำหรับคนสามคน คือ เรา พ่อ และแม่...

ในวันเกิดของทุกปี...คนที่เราควรเข้าไปกราบขอบคุณคือพ่อแม่

ถ้าคิดจะเลี้ยงใครซักคน...ก็ควรเป็นเขา อยู่ไกลกันเราก็เป็นฝ่ายโทรไปหาเขา

แม่ฉันเคยพูดว่า...เรื่องอะไรฉันต้องโทรมาอวยพรวันเกิดให้แก

แกตังหากที่ควรโทรมาขอบคุณฉัน...ในฐานะที่ฉันเป็นผู้ให้กำเนิด

ก็ถูกของแม่จริงๆ...

มันไม่ใช่เรื่องขอของขวัญจากพ่อแม่ หรือพ่อแม่อวยพรวันเกิดให้...

แต่มันเป็นวันหนึ่งแห่งการระลึกถึงบุญคุณ

"วันเกิด" คือวันที่เราควรพาไปเลี้ยงข้าว สังสรรค์เฮฮา

อยู่ร่วมกับเราในวันนั้น ก็คือ "พ่อแม่"

ฉันถือว่าของขวัญที่วิเศษสุดที่ฉันได้รับตลอดมา...ก็คือตัวฉันเอง

และมีคนสองคนเท่านั้นที่ให้ฉัน...คือ..."พ่อกับแม่"

***จบ***

ไปเอามาจากเด็กดี มะได้คิดเองหรอก !! หน้ายังงี้เรื่องแบบนี้คิดมะค่อยออกหรอก

แบบว่าใกล้จาถึงวันเกิดละ (มะได้ทวงของขวัญนา อิอิ)

มีแต่ภาษาฝรั่งเศสเด๋วมันจะอ่านมะค่อยรุเรื่อง ขอภาษาไทยเข้าใจง่ายๆหน่อยเหอะ

เพลงนี้ชื่อเพลงว่า เพื่อนเอ๋ย ของน้อย วงพรู

เพราะเนอะ ความหมายก้อดี

ซึ้งงงง...

Converse Shoes

2007-06-16T10:46:00.000-07:00

Converse est une entreprise de confection américaine qui fabrique essentiellement des chaussures de sport.

Histoire et modèles de la marque Converse
Les converse all star ont vu le jour en 1917. En 1910, *Converse Rubber Shoe Company* a fabriqué 4,000 souliers. Le modèle phare de l'entreprise sont les converse all star, qui étaient à la base destinées aux basketteurs. En 1918, elles deviennent populaires lorsque Chuck Taylor, célèbre basketteur en NBA, porte le modéle durant ses matchs. Les Converse All Star deviennent ensuite les "Chuck Taylor All-Stars", lorsque le joueur de basketball en question met sa signature sur le logo en 1923. Depuis, le modèle est resté une icône de la mode et de la pop culture, toujours porté aujourd'hui. En 1984, Converse All Star est le principal sponsor des Jeux Olympiques.
Converse a également longtemps fourni l'armée américaine en chaussures de sport.

Converse aujourd'hui
En juin 2003, Converse accepte l'offre d'achat de Nike Corp à 269 millions d'euros. L'équipementier essuyait de grosses difficultés financière, avec un chiffre d'affaires n'atteignant que 200 millions de dollars de chiffre d'affaires en 2002 (contre 9,9 milliards de dollars pour Nike la même année). On peut considérer que c'est le rachat de Nike qui a largement contribué au regain d'intérêt pour les Converse All Star Chuck Taylor qu'il y a depuis 2003-2004.
Converse a développé sa gamme de modèles. Tout d'abord, les Chuck Taylor All-Stars ont été déclinées en différentes couleurs, différents motifs et différents types (Hi-Top, Lo-Top, Slip-on, X-Hi). Converse fabrique également de nombreuses chaussures adaptées à la pratique du basket ball, les Wade, les Icon Pro, les Maverick... Comme autres modèle de Converse Shoes, on peut aussi citer les Jack Purcell, les One Star (à scratch), les Varvatos, les Stars Players ( difficile a trouver sur le marché européen ) et de nombreux autres.

Anecdotes
Sofia Coppola a, par exemple, inséré volontairement un anachronisme, dans son film Marie Antoinette, en montrant une paire de All Star lorsque la jeune reine choisit ses tenues et ses chaussures.
Dans le film I, Robot (2004), l'acteur principal Will Smith vente une paire de "All Star" qu'il portera jusqu’a ce que les semelles de celle-ci fondent lors d'un accident au cours du film.

Lapin

2007-06-14T04:35:00.000-07:00

Le mot lapin est un terme très général qui désigne certaines espèces de mammifères à grandes oreilles de la famille des léporidés. Cet animal étant très présent dans la symbolique populaire, son nom est largement utilisé pour différents lieux ou pour des personnes. De nombreux personnages fictifs célèbres sont également des lapins.

L'animal
Les lapins ont une silhouette moins élancée que celle des lièvres, ils naissent aveugles et nus, et doivent donc rester cachés dans un nid pendant plus d'une semaine avant de sortir à l'air libre. Le lapin domestique est élevé à présent dans le monde entier.

la lapine est la femelle du lapin.
Le lapereau est son petit.
Espèces diverses
les lapins sont présents un peu partout sur la planète et se répartissent en neuf genres (voir encadré ci-contre).
Sept de ces genres ne comprennent qu'une seule espèce, le genre Nesolagus comprend deux espèces et le genre Sylvilagus ou lapins d'Amérique, comprend quinze espèces, soit 24 espèces de lapins différents auxquelles s'ajoutent les multiples races de lapins domestiques.

Les lapins domestiques élevés dans le monde sont tous issus du lapin européen, Oryctolagus cuniculus.

Les lapins les plus courants sont :

Le lapin de garenne. C'est le lapin européen sauvage.

Le lapin d'Amérique qui correspond à plusieurs espèces du genre Sylvilagus en Amérique du Nord.

Le lapin domestique. Élevé dans le monde entier c'était à l'origine un lapin européen.

Le lapin nain est apprécié comme animal de compagnie. Il est lui aussi issu du lapin européen.

Le lapin en général dans l'histoire et la mythologie

Ne faisant référence à aucune espèce précise le lapin est très présent dans la culture populaire :

Le lapin de Pâques remplace la poule pour apporter les oeufs aux enfants dans les pays anglo-saxons lors des fêtes traditionnelles de Pâques. Des lapins en peluche ou en chocolat sont à cette occasion offerts aux enfants. En Australie toutefois le lapin, trop prolifique et considéré comme nuisible, est à présent remplacé auprès des jeunes enfants par le bilby, petit marsupial qui lui ressemble par la taille ou les grandes oreilles mais qui est une espèce protégée en voie de disparition dans ce pays.

Le lapin blanc est un personnage de la mythologie japonaise aussi bien que de la littérature occidentale avec celui que Lewis Carroll fait poursuivre par « Alice au pays des merveilles » et que l'on retrouve « De l'autre côté du miroir» ou, plus récemment, celui du film Matrix tatoué sur l'épaule de l'héroïne. C'est aussi traditionnellement la couleur des lapins sortant du chapeau des prestidigitateurs.

Le Lapin est aussi un signe de l'horoscope chinois.

Les reliefs et ombres à la surface de la lune évoquent pour certain la forme d'un lapin. Ce dernier est donc souvent associé aux symboles lunaires comme le faisaient les Aztèques.

Le lapin étant très prolifique, il est considéré, avec le lièvre, comme un symbole de fécondité dans plusieurs pays. On parle aussi de « chaud lapin » pour évoquer un homme qui collectionne les conquêtes féminines.

คำศัพท์

lapin,e กระต่าย

mammifères สัตว์ที่เลี้ยงลูกด้วยนม

oreille หู, หู(คนโท) , หู(ภาชนะ)

lunaires แห่งดวงจันทร์ ทางจันทรคติ

sauvage ป่าเถื่อนดุร้าย

Bob Marley

2007-06-11T05:49:00.000-07:00

Nesta Robert Marley dit Bob Marley est un chanteur de reggae né à Nine Miles, paroisse de Saint Ann (Jamaïque) le 6 février 1945 et décédé d'un cancer à Miami (Floride, États-Unis d'Amérique) le 11 mai 1981.

Biographie
Bob Marley, de son vrai nom Nesta Robert Marley1 est né le 6 Février 1945 à Rhoden Hall près de Nine Mile dans le département de Saint Ann (Jamaïque) d'une mère jamaïcaine noire âgée de 18 ans, Cedella Marley Booker, née Malcolm, et d'un père jamaïcain blanc d'origine anglaise et plus lointainement juive syrienne, superviseur à cheval des travaux des champs et âgé d'une cinquantaine d'années, Norval Marley, qu'il n'a que très peu connu. Les parents de Norval Marley n'acceptaient apparemment pas sa liaison avec une femme noire, et Norval, décrit par Cedella comme un homme gentil, mais de faible caractère, aurait été rejeté par sa famille. Bob Marley souffre de l'absence de son père, qui le fait venir à la capitale pour étudier quand il a cinq ou six ans. Sans nouvelles, sa mère le retrouvera des mois plus tard dans une rue de Kingston : son fils avait été confié à une vieille dame, pour qui il faisait les courses. Cedella reprend son enfant et voit Norval une dernière fois. Fatigué de ses (trop) nombreuses tournées, il décèdera d'une tumeur au cerveau à Miami.

Période Ska

À son adolescence, Nesta quitte la misère de la campagne pour celle du ghetto de Trenchtown à Kingston. Il y rencontre Neville Livingston dit Bunny Wailer et Winston Hubert McIntosh dit Peter Tosh, avec qui il chante des cantiques et des succès de soul américaine qu'ils entendent sur les radios de Miami. Le chanteur Joe Higgs leur donne des cours de chant. Bob Marley enregistre pour le producteur Leslie Kong ses deux premiers titres Judge Not et une reprise d'un succès de country & western de Claude Gray, One Cup of Coffee en 1962 alors qu'il est âgé de 17 ans. Ces titres ska n'ont aucun succès mais Bob continue de s'investir dans la musique.
En 1963, il forme avec Junior Braithwaite, Peter Tosh et Bunny Wailer le groupe The Wailers » (les gémisseurs). Ils obtiennent un contrat avec Studio One et leurs premiers morceaux de ska, gospel, rhythm and blues et soul sont produits par le grand producteur local Clement "Sir Coxsone" Dodd, qui a pour assistant en studio Lee "Scratch" Perry (Scratch assure aussi la promotion). Bob quitte son métier de soudeur. Après l'album "The Wailin' Wailers", le trio se sépare de Coxsone, qui ne leur a pas versé grand chose en contrepartie de la centaine de titres qu'ils ont enregistré pour lui (dont plusieurs succès, comme Simmer Down et Put it On).

Période Rocksteady
Après son mariage avec Rita Anderson début 1966, Bob Marley part rejoindre sa mère, remariée avec un Jamaïcain nommé Booker à Wilmington, Delaware, aux USA. Bob travaille à l'hôtel Dupont, mais continue à écrire des chansons. Il est provisoirement remplacé par Constantine "Dream" Walker. À son retour après l'été 1966, il s'intéresse de plus en plus au mouvement rastafari, qui a émergé dans les années 30 en Jamaïque, et fonde avec Peter Tosh et Bunny Livingston le label indépendant Wail'n Soul'm. Leur premier titre autoproduit dans le nouveau style rocksteady s'intitule Bend Down Low.
À Kingston, c'est Mortimer Planno, un rasta jamaïcain d'origine cubaine qui a voyagé en Éthiopie et rencontré Haïlé Sélassié Ier au début des années 60 qui lui transmet une partie de sa culture rasta. Sans le soutien d'un distributeur professionnel, ses disques se vendent très mal, et Marley est trop pauvre pour vivre en ville avec sa femme Rita et ses deux enfants Cedella et Ziggy. Il retourne dans son village natal en 1967 pour un ressourcement spirituel, mais continue à enregistrer et à publier nombre de 45 tours obscurs pour sa petite marque Wail'n Soul'm, comme les futurs classiques Hypocrites et Nice Time qui sortent sous le nom de Bob Marley & the Wailers.
Rita, Bob Marley et Peter Tosh rencontrent en janvier 1968 le chanteur américain Johnny Nash, qui est décidé à lancer le style rocksteady aux États-Unis, et son manager Danny Sims, avec qui ils signent un contrat international exclusif pour les disques et éditions JAD. Bob leur fournit quantité de compositions inédites, dont Stir It Up, qui deviendra bientôt un succès pour Nash. Johnny Nash a beaucoup de succès avec le rocksteady (tube américain "Hold Me Tight" en 1968), mais l'album de Bob Marley & the Wailers qu'il a financé ne sort pas (il ne sera finalement publié qu'en 1997 chez JAD). Seule une nouvelle version de Bend Down Low avec des cuivres américains ajoutés à New York sort en France et au Canada (JAD-CBS) en 1968, mais sans aucun succès. Bob Marley écrit parallèlement son premier morceau rasta, Selassie Is the Chapel en 1968. Cet enregistrement important, dans le style nyahbinghi (tambours rastas), est financé par Mortimo Planno, qui en interprète la face B, A Little Prayer. Quelques producteurs locaux se succèdent, mais le trio vocal n'a plus aucun succès depuis son départ du giron de Coxsone Dodd.

Le Reggae
Sans ressources, Bob repart aux États-Unis rejoindre sa mère en 1969. Il travaille plusieurs mois de nuit dans une usine automobile Chrysler. Sa femme et ses jeunes enfants les rejoignent. À son retour, il fonde les disques Tuff Gong, du nom de son surnom du ghetto (dérivé du surnom de Leonard Howell, le "Gong" fondateur du mouvement rastafari), et enregistre une reprise de James Brown (Say It Loud) I'm Black and I'm Proud rebaptisée Black Progress dans le nouveau style reggae avec de jeunes musiciens brillants, les frères Carlton (à la batterie) et Aston "Family Man" Barrett (à la basse) qui ne le quitteront plus. Mais les disques indépendants Tuff Gong n'ont toujours aucun succès. Marley va voir son vieil ami Lee "Scratch" Perry qui fin 1969 a été chanter en Angleterre accompagné par les frères Barrett sous le nom des Upsetters. Perry a obtenu un succès anglais avec l'instrumental The Return of Django et accepte de produire le trio vocal Bob Marley & the Wailers. Ils collaboreront jusqu'en 1977. Perry donne une nouvelle couleur au groupe, qui enregistre plusieurs chefs-d'œuvre avec lui, dont Duppy Conqueror, Sun Is Shining, Soul Rebel, Kaya et le (I've Gotta) Keep on Moving de Curtis Mayfield. Il en publiera certains sur l'album "Soul Rebels" sorti en Angleterre en 1973 chez Trojan.
Toujours sans succès, Bob Marley & the Wailers gravent une dizaine de chansons avec l'équipe de musiciens de Leslie Kong, un producteur jamaïcain (Kong avait déjà produit les deux premiers 45 tours solo de Marley en 1962) qui a du succès en Angleterre grâce à un son professionnel capable de percer sur le marché britannique (disques Trojan à Londres). Il publiera ces titres en 1971 sous le nom de "The Best of the Wailers". Bunny Wailer, superstitieux, pense que leur « meilleur » est encore à venir et lui lance une malédiction. Leslie Kong décède peu après d'une crise cardiaque, et le trio ne touche aucun argent. Marley rejoint l'organisation rasta des Douze Tribus d'Israel fondée par Prophet Gad, alias Vernon Carrington. Ils continuent à alterner les autoproductions pour Tuff Gong et les séances financées par Lee "Scratch" Perry pour sa marque Upsetter. Malgré la qualité de leur travail prolifique, ils n'ont aucun succès local jusqu'à leur autoproduction Trench Town Rock (Tuff Gong 1971).
À la demande de Johnny Nash qui cherche des compositions pour la bande du film suédois Love Is Not a Game dans lequel il joue le rôle principal, Bob Marley part à Stockholm en 1971. Il y écrit plusieurs morceaux, et collabore à la bande du film. Nash signe alors avec les disques CBS à Londres où il enregistre le plus gros succès de sa carrière, I Can See Clearly Now. Marley l'a rejoint, et signe lui aussi avec CBS grace à Nash et son manager, avec qui il est toujours sous contrat. Comme l'album de Nash, le 45 tours Reggae on Broadway sort en 1972, mais Marley n'a aucun succès. Le son et les musiciens anglais apportés par Nash ne lui conviennent pas. Quelques concerts à Londres avec les frères Barrett sont organisés en première partie de Nash, mais sans succès. Nash part vers la gloire et abandonne son poulain. Marley contacte alors Chris Blackwell, le patron des labels Trojan et Island Records. Blackwell a déjà distribué en Angleterre les disques Beverley's de Leslie Kong, et connaît le nom de Marley. Il rachète le contrat de production à Danny Sims, et confie de l'argent à Bob, qui part enregistrer à Kingston. À ce point charnière de sa carrière, Bob Marley a déjà contribué à au moins 350 morceaux enregistrés en studio (dont une trentaine environ en tant que choriste), dont une grande partie ne seront révélés au public international que très tardivement, bien après sa mort, notamment dans la série de onze CDs "The Complete Bob Marley & the Wailers 1967-1972" (Jad) parue entre 1998 et 2003. Marley réenregistrera par la suite une partie de ces compositions, comme Satisfy my Soul, Sun Is Shining ou Lively Up Yourself.

Le succès
À la suggestion de Blackwell, les deux premiers albums pour Island sont remixés à Londres, où des solos de guitare sont ajoutés, ainsi que des parties de claviers qui apportent un son plus accessible au grand public. Ils sortent chez Island sous le nom des Wailers en 1973, mais après une tournée anglaise Bunny Wailer quitte le groupe, remplacé par Joe Higgs pour la tournée suivante (album "Talking Blues"), puis c'est Peter Tosh qui s'en va, laissant Bob à sa carrière solo. Le trio vocal féminin the I Three avec Rita Marley, Marcia Griffiths et Judy Mowatt prend en charge les chœurs. Le nom des Wailers sera désormais celui de ses accompagnateurs, parmi lesquels les frères Barrett (basse et batterie), les claviéristes Earl "Wire" Lindo et Tyrone Downie, le guitariste Earl "Chinna" Smith, l'harmoniciste Lee Jaffee et le percussioniste Alvin "Seeco" Patterson. Son premier album est le chef-d'œuvre « Natty Dread », dans lequel il incorpore une influence blues avec le guitariste américain Al Anderson. Un autre guitariste soliste américain, Junior Marvin, est ensuite engagé. Suivront le « Live! » enregistré le 18 juillet 1975 à Londres, qui contient son premier succès international No Woman No Cry où il console une femme affectée par la violence des ghettos, puis l'essentiel "Rastaman Vibration" (1976) qui sera le disque de Bob le plus vendu de son vivant, et son premier succès américain.
Le 3 décembre 1976 à Kingston, peu avant le grand concert en plein air "Smile Jamaica", Bob Marley échappe à une fusillade déclenchée à son domicile par six hommes armés. Il reçoit une balle dans le bras et une dans la poitrine tandis qu'une autre touche Rita à la tête. Don Taylor, leur manager américain, en sort très gravement blessé de six balles. Parmi les agresseurs, des membres des Wailers reconnaissent Jim Brown, un tueur proche du parti de droite pro-américain, le JLP.
Deux jours après l'attentat, courageusement Bob Marley participe comme prévu au concert Smile Jamaica à Kingston. Family Man Barrett, caché dans les collines, est remplacé ce jour-là par Cat Coore de Third World. Bob montre ses bandages à la foule. Il ne se sent plus en sécurité en Jamaïque et part en exil en janvier 1977. Il fait escale à Nassau, puis se réfugie à Londres. Il y enregistre les albums à succès « Exodus » et « Kaya » ainsi que le single Punky Reggae Party avec Lee Scratch Perry, qui scelle un pacte rebelle avec le mouvement punk anglais en plein essor. Les titres Jamming, Waiting in Vain notamment sont des tubes mondiaux. Sa relation avec la Jamaïcaine Cindy Breakspeare, Miss Monde 1976, contribue à le projeter à la une des médias.
En mai 1977, une blessure au gros orteil faite en jouant au football se rouvre lors d'un match amical à l'hotel Hilton de Paris. Le médecin lui suggère des analyses. Le diagnostic est réalisé à Londres : Bob Marley souffre d'un mélanome malin (cancer de la peau), sans doute dû à une trop longue exposition au soleil. On lui prescrit une amputation urgente de l'orteil, mais un mélange de superstition de son entourage, de pression en pleine tournée européenne où il rencontre enfin son public, et sans doute une forte consommation de chanvre contribuent à retarder l'opération.
En avril 1978, Bob Marley & the Wailers font un retour triomphal en Jamaïque. Lors du One Love Peace Concert, Bob parvient à réunir sur scène les deux ennemis politiques qui se disputent le pouvoir, Edward Seaga (JLP) et le Premier Ministre Michael Manley (PNP). C'est le sommet de sa carrière. Sans arrêt en tournée, Bob Marley & the Wailers enregistrent l'album en public "Babylon by Bus" au Pavillon de Paris de la porte de Pantin en 1978. Bob fait alors construire son studio, Tuff Gong, où il enregistre l'album "Survival". Les succès se multiplient. Ils vont jouer jusqu'en Nouvelle Zélande, où ils sont accueillis chaleureusement par les Maoris.
En 1980, après une perte de connaissance, Bob Marley passe un examen aux rayons X où l'on voit cinq tumeurs, trois au cerveau, une aux poumons et une à l'estomac. Il ne dit rien à son entourage et joue un dernier concert enregistré à Pittsburgh. Bob part ensuite pour une clinique de Bavière où il suit un traitement original avec un ancien médecin nazi, le docteur Josef Issels qui prolonge sa vie au prix de dures souffrances. Le cancer se généralise.
À la fin de sa vie, Bob Marley se convertit à l'Église orthodoxe éthiopienne, dont la plus haute autorité était feu l'empereur d'Éthiopie Haïlé Sélassié Ier (Jah Live), considéré par les rastas comme étant la réincarnation de Jésus annoncée dans l'Apocalypse ("le roi des rois, seigneur des seigneurs"). Il souhaitait finir ses jours en Jamaïque mais décède à Miami le 11 mai 1981, trop faible pour faire le voyage en avion jusqu'à Kingston.

L'héritage
Bob Marley a fait découvrir au monde le reggae, un riche dérivé du rhythm and blues qui a considérablement influencé la musique populaire occidentale, et ce bien plus qu'il est généralement admis (le remix, ou dub, et le rap sont directement issus du reggae). Sa musique a touché tous les publics, transcendant les genres, comme en témoigne un large culte, encore en pleine expansion dans le monde entier à la fin du vingtième siècle. La dimension de Bob est bien plus large que celle du simple chanteur capable de produire des succès populaires comme Is This Love ou Could You Be Loved. Exprimant à l'origine l'affirmation de la dignité et la valorisation d'une identité africaine pour son peuple bafoué par des siècles d'esclavage (Slave Driver, Redemption Song), de colonialisme (Music Lesson, Crazy Baldhead) et d'oppression économique (Revolution), il incarne avec le mouvement rastafari (Positive Vibration, War) l'éveil de l'humanité à une révolution spirituelle contre un oppresseur qu'il décrit d'abord comme étant le fruit d'une imposture chrétienne (Get Up Stand Up), voire païenne (Heathen), capitaliste (Rat Race), corrompu, raciste et hypocrite (Who the Cap Fit) à la fois. Avec une authenticité et une force sans doute inégalées depuis, il a été la première (et dernière ?) véritable superstar venue d'un pays pauvre. Parolier remarquable capable de s'approprier avec naturel des formules du langage populaire, n'hésitant pas à aborder les thèmes les plus universels, Bob Marley reste d'abord un symbole d'émancipation et de liberté. Il est aussi devenu l'un des symboles universels de la contestation (Soul Rebel), voire de la légitime défense (I Shot the Sheriff), supplantant souvent dans l'inconscient collectif des politiciens comme Che Guevara (la proche révolution cubaine a marqué Marley), le Jamaïcain Marcus Garvey, Malcolm X, Léon Trotsky, Nelson Mandela ou Thomas Sankara. Son message est d’abord d'ordre spirituel et culturel, et enrobé d’un prosélytisme à consommer du chanvre (la ganja), un rituel rasta (Kaya, Easy Skanking).
Miroir de l'esprit rebelle des peuples opprimés, héros, exemple et modèle à la fois, Bob Marley est considéré par plusieurs générations déjà comme le porte-parole défunt mais privilégié des défavorisés. Il est avant tout le premier musicien à incarner et assumer pleinement et naturellement cette identité de porte-parole contestataire, un statut que d'autres musiciens comme James Brown (dont il a enregistré plusieurs compositions), Bob Dylan ou John Lennon ont approché mais n'ont jamais totalement obtenu ou assumé pour diverses raisons. En dénonçant la falsification ou l'omission des cultures africaines et afro-américaines par les religions occidentales et les historiens colonialistes (Zion Train, Music Lesson), et avec l'essentiel ingrédient spirituel et culturel rasta (Forever Loving Jah, Rastaman Chant), Bob Marley a suivi une voie qui ne se limite pas à la protestation d'ordre social.
Il a souhaité confronter l'humanité à une approche de l'histoire et de la bible jusque là essentiellement ignorée, et de plus en plus largement étudiée et reprise depuis. Son approche théologique rastafarienne, relayée par sa célébrité, fait ainsi de Marley l'objet d'un certain nombre de réflexions de nature hagiographique. Beaucoup voient en lui une sorte d'apôtre ou de "prophète" multimédia (Time Will Tell), sans oublier qu'il est le fils d'un Blanc et d'une Noire, signe d'un métissage planétaire unificateur dont l'avenir dépend en bonne partie d'une meilleure connaissance du passé. Comme l'écrivait le New-York Times de façon peut-être aussi ironique que prophétique quinze ans après sa disparition, en 2096, quand l'ancien tiers-monde occupera et colonisera les anciennes super-puissances, Bob Marley sera commémoré comme un saint.

Ses enfants
Bob a reconnu trois enfants. Sharon, l'aînée, a été adoptée à son mariage avec Rita en 1966. Ziggy, Stephen et Cedella ont été engendrés par Rita, et les huit autres par des maîtresses diverses. Damian Marley dit Junior Gong est le fruit de ses amours avec Cindy Breakspeare. La plupart ont entrepris une carrière musicale, et avec succès pour Ky-Mani Marley, Damian Marley, Ziggy Marley et Stephen Marley notamment. Rohan, associé à la chanteuse de hip hop Lauryn Hill (Fugees), est un ancien champion de football américain.